FAN-CINE FANTATERRORIFICO

LO PEOR DEL 2010

2010-12-23T08:37:00.000-08:00

Llegadas estas fechas, se tiende a hacer balance de lo mejor y lo peor del año, y en este caso, en el ámbito que aquí nos ocupa.

Pero la verdad es que, tal vez, por mi carácter negativista, me resulta mas fácil hacer un análisis de lo peor que de lo mejor: aunque es cierto que no he encontrado demasiadas cosas especialmente buenas que comentar del 2010 a estos niveles, tal vez la implantación general de la TDT que, dentro de lo malo y de su programación de relleno, teletiendas y mas de lo mismo, permite encontrar, con mucho zapping, emisiones de películas de todo tipo que ya resulta mue improbable que fueran emitidas por TV, al menos en su formato tradicional (no canales temáticos). Películas que van de Performance a Emmanuelle, pasando por Jóvenes ocultos, Heavy Metal y muchos ejemplos mas.

LO PEOR

Dos claros ejemplos de los tan flojos como innecesarios "remakes" que invaden nuestras pantallas desde hace tiempo

Esto no es una valoración rigurosa ni objetiva. Simplemente comento lo que me ha venido a la cabeza ahora mismo:

- El abuso de remakes: Infinidad de nuevas versiones de películas ya realizadas, y bastante mejor, por cierto, y no hace tanto tiempo, en algunos casos no mas de 20-30 años. Aunque esto no es exclusivo de este año (ya se lleva haciendo bastante tiempo, y con pobres resultados: Las colinas tienen ojos, La profecía, Soy Leyenda, La última casa a la izquierda...) este año me han llamado la atención negativamente ejemplos como Pesadilla en Elm Street: el origen (coletilla absurda que se pone en muchas películas de este tipo para esconder que es mas de lo mismo) o Furia de Titanes.
Vale que los efectos especiales artesanales de Ray Harryhausen en 1981 hoy resultan ingenuos, pero por lo menos en aquella se contaba una historia bien definida y los personajes transmitían algo, no consistía simplemente una serie de aburridas escenas de acción concatenadas y un cúmulo de rellenos que ni aportan nada ni resultan congruentes (por cierto, podían haber caracterizado un poco a Sam Worthington para que no pareciera mas un marine en la guerra de Irak que un griego clásico).

Pero ha habido mas, como San Valentín Sangriento o El Padrastro, y lo peor es que se amenaza con hacer lo propio con filmes como Noche de Miedo, Hellraiser, Alice Sweet Alice o Conan. Claro que podría ser aún peor. Ejemplo: Piraña 3D.

Cartel de la versión americana de "Déjame entrar", claro ejemplo de trivialización de un original europeo hecha con fines exclusivamente comerciales

- En la misma línea de lo anterior, incluiría las versiones americanas de éxitos foráneos. Un ejemplo serían las versiones estadounidenses del cine de terror oriental que este año han escaseado, y que, pese a contar con algunos ejemplos dignos, como The ring (1ª parte), Dark Water o Pulse, y contar a veces con los autores originales han sido generalmente para olvidar. Pero también del cine europeo: un ejemplo negativo sería la recientísima versión americana de Déjame entrar, mera explotación de un título reciente que palidece ante el original.

- Los finales de algunas series de TV: ante la cada vez menos prometedora oferta en cine, hoy en día resulta cada vez mas conveniente refugiarse en las series de notable calidad, que no con frecuencia (ni en abierto, a veces) se pueden ver en la pequeña pantalla. Este año una de las noticias fue el final de la serie Lost (Perdidos), de la que yo no era incondicional, si seguidor discontinuo de algunas temporadas, y el de Flash Forward, la serie que supuestamente estaba llamada a ser su sucesora y que se quedó en fiasco (de todas formas se veía venir desde el principio que no iba a dar para mucho). Por comenzar por esta última, debo ser de los pocos que pensaban que mereció mejor suerte. Su mejora en su reanudación tras el parón por sus malos resultados no fue suficiente, de todas formas, no ayudó el tener que acelerar toda la resolución ni la precipitada conclusión a medio camino entre final de temporada y definitivo (absurdo si se sabía que no iba a seguir).

Sobre Lost, he de decir que en mi opinión las dos últimas temporadas (y hasta la 4ª, si me apuras) dejaron mucho que desear y que el final fue acorde a la decadencia de la serie, que solo los exacerbados incondicionales pueden obviar.

Lo mejor que vi al respecto fue este video de los amigos de El Jueves TV que parodió con acierto este tipo de finales y sus tópicos.

- Las películas de Pixar y las de animación por ordenador en general, que cada vez son peores.

Tal vez vuelva en 2011, aunque sea para decir lo que me ha parecido peor...

ULTIMO ADIOS A DENNIS HOPPER

2010-06-01T04:18:00.000-07:00

1936-2010

En fin, sus datos biográficos y filmografía (como actor, director, productor...) ya los habréis podido leer en muchos sitios durante estos días. Y los buenos aficionados no necesitaréis que os hable de Easy Rider, Blue velvet o Apocalypse Now (entre muchas otras, claro), o de la extensa carrera de Dennis Hopper (vinculada en muchos casos al cine de género), tan irregular como su propia vida. Así que lo mejor es que hablen las imágenes.

ADIOS A JACINTO MOLINA Y DAN O'BANNON

2009-12-20T08:49:00.000-08:00

En el breve espacio transcurrido entre finales de noviembre y principios de diciembre hemos recibido dos tristes noticias para el cine fantástico y de terror, los fallecimientos de Jacinto Molina y Dan O’Bannon.

De Jacinto Molina, mas conocido como Paul Naschy (curiosamente los propios medios españoles apenas han mencionado que en su faceta de director siempre utilizaba su nombre real) poco puedo decir que no se hayan encargado ya de comentar la mayoría de medios de comunicación en los días precedentes, tampoco podría hacer una revisión completa de su filmografía por su extensión (los que tengáis mayor interés podéis enlazar con ella aquí y además posee una completa web en inglés realizada por sus seguidores).
Su desaparición ha coincidido con el estreno de una de sus últimas intervenciones cinematográficas (La Herencia Valdemar).

Destacar en todo caso su afición a la literatura de terror (escribió el guión de muchas de sus cintas) y al cine de corte clásico (sus films son un pastiche de las viejas películas de la Universal y el terror británico de la productora Hammer que era lo que triunfaba en aquel momento, y que a su vez en gran parte se basaba en aquellos filmes).

Se le reconoció sobre todo por crear el personaje de Waldemar Daninsky, hombre lobo muy a su pesar y que fue su personaje mas interpretado (tuvo su mayor éxito en 1971 con la coproducción La noche de Walpurgis, dirigida por el argentino León Klimowsky, habitual en este tipo de cine, y cuyo cartel de la versión en inglés ilustra este texto), aunque dio vida a todo tipo de personajes, sin descuidar la explotation habitual en aquellos años (sobre todo en países como España o Italia) que implicaba hacer películas basadas en productos de éxito anglosajones del momento con mayor o (normalmente) menor fortuna.

Aunque creo que las películas de Naschy están a años luz de sus modelos a imitar y deben ser vistas mas como algo curioso, quizá tampoco es justo el olvido que ha tenido en su propio país durante muchos años que no compensará esta ahora desmesurada atención fuera de lugar. Algo que no sorprende en un país en que el género fantástico y de terror (ya sea en cine, literatura, comics) sigue estando poco menos que proscrito y mal visto por la cultura salvo que genere mucho dinero.

El escritor, guionista y director Dan O'Bannon, a principios de los 80

Mucha menos resonancia, por desgracia, ha tenido el fallecimiento de Dan O’Bannon, director, escritor y guionista norteamericano muy vinculado a este universo. Es curioso porque no hace mucho lo mencioné al hablar del film de animación Heavy Metal, una de sus colaboraciones destacadas, y pienso que por su intervención en determinadas películas no merecía este olvido.

O’Bannon comenzó trabajando en aspectos técnicos, de hecho fue uno de los encargados de las animaciones de La Guerra de las Galaxias, e iba a hacer lo propio en la adaptación de Dune por parte de Alejandro Jodorowsky, la cual nunca se llevó a cabo (recordemos que años después David Lynch retomó el proyecto y fue el encargado de dirigir la versión cinematográfica de la novela de Frank Herbert).

Tras este traspiés, abandonó finalmente los efectos visuales y fue uno de los creadores (ya como escritor) de Alien (Ridley Scott, 1979), en estrecha colaboración con el artista suizo H.R. Giger, encargado del aspecto visual (trabajo que continuó Stan Winston a partir de la 2ª parte dirigida por James Cameron).

Ya en los 80, aparte de la mencionada Heavy Metal, destacar su intervención el guión de Lifeforce, fuerza vital (Tobe Hooper, 1985) una película menor del director de Poltergeist y La matanza de Texas, que mezcla elementos del vampirismo y la ciencia ficción; y sobre todo dirigió El regreso de los muertos vivientes, resurrección (perdón por el juego de palabras) de este tipo de películas y seguramente la primera en que de forma explícita se mezcla terror y comedia, la cual conoció varias secuelas (aunque los títulos en España inducen a la confusión), pero ya al margen de O’Bannon. Fuera del género, aunque con algún elemento futurista, se encargó del guión de la convencional El trueno azul (John Badham, 1984), producto de acción que disfrutó de cierto éxito en su momento (inclusó generó una serie de TV posterior).

Lo mas destacado que hizo después fue su guión, adaptando un original de Philip K. Dick, de Desafío Total (Paul Verhoeven, 1990). Después se embarcó en una serie de proyectos menores. Quedé aquí este modesto recuerdo para ambos.

HEAVY METAL (1981)

2009-07-18T12:02:00.000-07:00

Resulta reconfortante recuperar de vez en cuando un titulo del cine fantástico de animación, como sucedió en su momento con el artículo que dediqué a Ralph Bakshi, sobre todo porque es difícil hallar ejemplos que combinen el cine fantástico y los dibujos animados, y mas si son dirigidos a un público adulto, excepción hecha de un maestro como Miyazaki, que además, llega a todo tipo de espectadores.

Sobre todo, cuando en el caso de un film como este, probablemente sufre un olvido mayor incluso que los ejemplos que cité con anterioridad u otros contemporáneos como Cristal Oscuro (a la que dedicaré un espacio en su momento, si bien en este film de Jim Henson se utilizaban marionetas).

En primer lugar sería conveniente mencionar cual fue la semilla de Heavy Metal, y esta fue la fundacion de Metal Hurlant en 1974, cómic francés de ciencia ficción y terror, un género que se haría muy popular en esa década y la siguiente, auténtica edad de oro de los tebeos fantásticos para adultos, y que alcanzó, aparte de países como el galo con gran tradición al respecto, a otros como España, algo que desgraciadamente, en el panorama actual, forma parte del pasado.

Bien, los fundadores de Metal Hurlant fueron los populares dibujantes Jean Giraud (mas conocido como Moebius), Jean Pierre Dionney y Philippe Druillet, los cuales habían constituido poco antes un grupo creativo llamado Humanoides Asociados. La revista era una miscelánea de diferentes historias de corte fantástico obra de diversos autores, entre los cuales se hallaban lógicamente los propios fundadores, pero también otros como Alejandro Jodorowsky, Milo Manara o Serge Clerc, y que resultaban independientes, combinando el color y el blanco y negro (era mas abundante este ultimo).
La publicación tuvo gran éxito y llegó a paises como Estados Unidos (como dije, también a España); allí fue renombrada como Heavy Metal, y se traducían las historias originales, añadiéndose otras de autores americanos, siendo coordinada esta versión americana por Fabrice Giger.

A raíz de esto y de la abundancia de títulos fantásticos y de animación, desde la parte americana se animan a crear una versión para el cine con capital estadounidense y canadiense (entre los productores estuvo Ivan Reitman, director de algunos titulos comerciales de los 80 como Cazafantasmas) y bastantes medios materiales, quedando en manos del director Gerald Potterton la realización (si bien en algunas fichas se acreditan varios directores) y en las de Dan Goldberg y L. Blum, el guión, dejando claro que se basan en algunas de las historias publicadas por alguno de los autores citados anteriormente, y otros habituales de la publicación, como Richard Corben o el argentino Juan Gimenez, con una estructura similar a la revista.

Con respecto al argumento, como en toda película de episodios, partimos de un nexo común a través del cual se desarrollan las diferentes historias. En este caso la trama se inicia con un relato del guionista y director Dan O'Bannon que terminaba con el aterrizaje de un coche, en el que viaja un astronauta que entrega a su hija una especie de esfera de poder, que narrará a la niña cinco historias.
La primera de ellas, responsabilidad precisamente de Juan Gimenez, narra una especie de trama detectivesca protagonizada por un taxista del futuro, y que posteriormente inspiraría la flojísima El Quinto Elemento, que contó por cierto con el propio Giraud-Moebius como diseñador.

El propio O'Bannon se encargó de la segunda historia, quizá la mejor, que aúna un avión accidentado en la 2ª Guerra Mundial con el cine de zombies, en la que los dos pilotos supervivientes de un choque se enfrentan a sus compañeros, convertidos en muertos vivientes.
Richard Corben, autor bastante mitificado (sobre todo en los 70 y 80) dentro del género fantástico y que firmó algunas portadas de discos, es el responsable de la siguiente historia protagonizada por una de sus creaciones mas celebres, Den, una especie de Conan que a mi juicio resulta anodino, ya que no comparto demasiado el entusiasmo por este autor.

Las dos siguientes historias tienen algo en común, y es que se sitúan en el espacio, en el primer caso, mas humorístico, se nos narra un viaje de dos extraterrestres algo pasados y la segunda, pese a estar detrás de ella un buen autor como Bernie Wrightson, que introduce a su personaje del capitan Stern, tampoco está muy lograda.

Finalmente, quizá la historia mas celebrada (al menos la mas conocida) es en la que protagoniza la heroína Taarna, que es la que aparece en el cartel de la película, luchando por liberar al pueblo de los Tarak de un peligroso invasor. Aunque los resultados no cumplen las expectativas, aquí el trabajo de animación, con la utilización de técnicas similares al rotoscopio, es interesante.

La parte musical es bastante notable, aunque no necesariamente hace honor al título, pese a que si están presentes en ella grupos de sonido mas duro, como Black Sabbath, Blue Oyster Cult o Cheap Trick; pero también se incluyen bandas que nada tienen que ver con el rock como Devo. No obstante, el film cuenta con un notable score propio a cargo del prolifico Elmer Bernstein.

El éxito del film fue relativo y tuvo una secuela, muy tardía, inferior, sin relación prácticamente con el film original, la cual fue rápidamente olvidada.

EL OTRO (1972)

2009-06-22T13:29:00.000-07:00

Durante la edición de 2008 del festival Cinema Jove, celebrado en Valencia, se incluyó una sección llamada Cuadernos de rodaje, en la que se proyectaron una serie de películas al aire libre que habían sido seleccionadas como favoritas suyas por dos directores, Jaume Balagueró y el valenciano Paco Plaza, que son de los mejores cultivadores que hay actualmente en España dentro del género que nos ocupa.

Pues bien, una de esas películas era El otro.

Este hecho devolvió este film a mi memoria y me hizo recordar que, si hay una serie de títulos de los que debería hablar aquí, The other es, indudablemente, uno de ellos. Tanto por su consideración de película de culto como por haber sido vista por mi en una edad en la que te causa una impresión que no puedes olvidar.

Después de entonces, pocas veces ha sido emitida por ningún canal de televisión, la última reposición fue hace ya bastante tiempo y descubrí que muchas escenas seguían conservando intactas su capacidad de impacto, pese a no ser un producto de terror al uso. Curiosamente, hoy en dia es una pelicula un tanto olvidada y considero que infravalorada.

Detrás de este film se encuentra el gran director Robert Mulligan, autor de otras obras maestras como Matar un ruiseñor (1962) o Verano del 42 (1971), curiosamente, tambien vinculadas como El otro al universo infantil o adolescente. Sin embargo, se trata de un realizador que no tiene el reconocimiento que merece, probablemente por situarse en un momento de transición o cambio estilístico del cine, quedando su narrativa a medio camino entre el clasicismo y los cambios estéticos o de producción que se estaban sucediendo (de hecho, Mulligan fue premiado en el Festival de Sitges con la Medalla de Oro como mejor realizador por este film, y el crítico italiano Carlo Frabeti mostró su desacuerdo por no considerarlo "politicamente comprometido").

Basada en una novela de éxito del actor reconvertido a escritor Tom Tryon, la película se situa en los años 30 del siglo pasado en una zona rural de Connecticut (creo que los personajes son de origen europeo; eslavo o nórdico), en un paisaje aparentemente idílico, entre enormes cosechas y un ambiente soleado, que, sin embargo, a pesar de parecer excesivamente colorista para la situación narrada, sirve para potenciar el aspecto onírico y de pesadilla en el que nos vamos sumergiendo con una lenta placidez, lo que hará que la contundencia de las situaciones e imágenes que poco a poco se nos van a mostrar nos golpeen con mayor fuerza. A ello contribuyen la excelente fotografía del operador Robert Surtees y la partitura del prolífico Jerry Goldsmith.

En este escenario, nos encontramos con dos hermanos gemelos, Niles y Holland, que tras el fallecimiento de su padre, son criados por su abuela Ada (imponente la labor y la presencia de la veterana actriz de origen alemán Uta Hagen), dado que su madre, por algún motivo que inicialmente desconocemos, pero que será clave en la pelicula, vive recluida en su habitación, sin levantarse de una silla y en un estado casi catatónico. Niles, tal vez para evadirse de este ambiente mortecino y depresivo, es un niño imaginativo que pasa mucho tiempo al aire libre. Al parecer, ha heredado algún tipo de poder telequinético de su tutora, lo que ellos llaman "el gran juego", según el cual puede mirar a traves de algunos animales como los pájaros y sentir sus mismas sensaciones en ese momento.

Pero así como Niles es un niño ejemplar, su hermano (mayor) es la maldad personificada: no gusta de la compañía de su familia, y prefiere refugiarse en un oscuro ático, donde trama "travesuras" contra la voluntad de su hermano, al que domina, y que es quien finalmente recibe las regañinas. Lo que ocurre es que las consecuencias de las acciones de Holland empiezan a exceder de cualquier control y comienzan a derivar en hechos trágicos.
Es entonces cuando su abuela tendrá que empezar a actuar, cuando descubrimos que nada es lo que parecía, que existe un terrible secreto que el espectador no conocía hasta ese momento; y Ada debe mostrar a Niles una verdad que él no ha asumido (¿o se trata de otra cosa?) y que requerirá una decisión drástica, aunque sea demasiado tarde.
Todas estas últimas claves, obviamente, no voy a revelarlas porque desvelaría la trama completa de la película. Aunque algunas cuestiones quedan abiertas al espectador.

Pese a no contener violencia explícita ni excesos sangrientos, pero llena de imágenes inquietantes y perturbadoras, se trata de una joya que causará en cualquier espectador una impresión inolvidable, algo difícil de ver en el cine actual y más en el de terror, y se anticipó, con su estilo propio, a una sucesión de títulos protagonizados por niños malignos que invadirían las pantallas durante los años siguientes.
Añado un extenso trailer en inglés de la película, pese a que cae en el defecto, mas propio de nuestros dias, de contar gran parte de la trama; pero puede ser orientativo para aquellos que no la conozcan.

MATAR O NO MATAR, HE AHI EL PROBLEMA (1973)

2009-05-31T14:09:00.000-07:00

En primer lugar, no sería justo que me refiriera a esta película de la que hoy voy a hablar sin mencionar otra, El abominable Dr. Phibes, que dirigida dos años antes por Robert Fuest (director a recuperar y al que dedicaré algún espacio un día de estos), tenía muchas similitudes argumentales, coincidiendo también en el protagonismo de Vincent Price, uno de los mejores y más representativos intérpretes del cine de terror.

Matar o no matar... (nada que ver con el título en inglés Theatre of blood, aunque al menos este que le pusieron en España resulta original), producción de terror británica (aunque mas cerca de la comedia negra, diría yo) realizada al margen de las dos grandes compañías inglesas especializadas en ese género por aquel entonces (Hammer y Amicus), no es desde luego, una obra maestra. En todo caso es una película que posee algunas virtudes, minimizadas por el paso del tiempo, por la excesiva similitud con un producto anterior y por la discreta realización de Douglas Hickox, el típico director de productos de encargo, profesional en su cometido pero gris e incapaz de aportar un sello personal, dejándolo todo en una puesta en escena plana.
Pero, pese a ello, posee suficientes elementos para entrar, quizá por los pelos, en eso que podemos denominar película de culto.

Edward Lionheart (Price) es uno de los mas reputados intérpretes de Shakespeare. Cuando la asociación de críticos de teatro le deniega por enésima vez el premio al mejor actor, no puede soportarlo: acaba trastornándose y opta por el suicidio (que no consuma, pero se le da por muerto). Sin embargo, dos años después reaparece en secreto, para vengarse de todo ese grupo de pedantes, asesinándoles disfrazado de diferentes personajes utilizando métodos basados en obras de Shakespeare, mientras recita los textos correspondientes. Para ello contará con la colaboración de su hija, interpretada por Diana Rigg, una de las protagonistas de la mítica y entrañable serie Los Vengadores (muchos de cuyos capítulos dirigió el antes mencionado Robert Fuest) y también chica Bond en 007 Al servicio de su majestad (1967), protagonizada (única vez) por el mediocre George Lazenby como el agente con licencia para matar, aunque estuvo a la altura de otras películas de la saga.
Además de su hija, Lionheart contará con la ayuda de un grupo de siniestros mendigos, que fueron quienes le rescataron de su pretendido suicidio.

Si en el Dr. Phibes, que por cierto tuvo una secuela contemporánea a Matar y no matar..., Price se vengaba de un equipo de médicos que habían provocado la muerte de su mujer tras un accidente inspirándose en las plagas bíblicas, aquí se utilizan los clásicos shakesperianos, y además se consigue el mismo efecto, es decir, que el público simpatice mas con el asesino que con sus víctimas, que resultan en general odiosas y meros vehículos para una serie de acciones que son la verdadera base argumental.

Aparte de lo mencionado anteriormente, se echa de menos un mayor análisis psicológico de los personajes, en especial del de Price y de su hija. Los flash backs resultan algo inoportunos y poco explicativos, así como un final mas propio del cine de acción en el que se cae mas aún en la parodia y en algunos elementos tópicos.
Pero aún así, la curiosidad del argumento, lo impactante de algunos momentos y la presencia, aparte de los mencionados Price y Rigg, de un notable grupo de secundarios británicos de la época (Ian Hendry, Robert Morley, Harry Andrews o Jack Hawkins) siguen convirtiendo Theatre of Blood en una película recomendable y a recuperar.

NAVES MISTERIOSAS (1971)

2009-04-25T07:49:00.000-07:00

Con esta película me ocurre lo mismo que con la hace tiempo comentada Almas de metal, de la que hablé en su momento, o Un mundo de fantasía (Willy Wonka & the Chocolate factory, 1971).
Y es que, cuando era pequeño, eran títulos que se emitían constantemente por televisión (esta de la que hoy hablaré quizá más que ninguna) y ejercían una cierta fascinación sobre mi, aunque tanto Naves misteriosas (absurda traducción del original Silent running: luego se utilizó el mas aproximado Naves silenciosas) como las otras, rara vez las he vuelto a ver proyectadas en la pequeña pantalla, salvo que algún canal temático haya tenido a bien programarla.
Será que las cosas han cambiado para peor y tal vez que entonces, dado el trasfondo de ciencia-ficción ecológica que contiene la peli, éramos mas modernos.

Antes que nada hay que decir que tras Silent running estaba Douglas Trumbull, que hacia aquí su debut en la realización, aunque lo suyo era encargarse de los efectos especiales, mas que ponerse detrás de la cámara: había sido con anterioridad responsable de los F/X de 2001, Una odisea del espacio (Stanley Kubrick, 1968), que en su momento fueron muy innovadores e impactantes, y se encargaría posteriormente de la misma función en La amenaza de Andrómeda (Robert Wise, 1971), todo ello sin haber cumplido los 30 años de edad. Después también haría lo propio en Encuentros en la 3ª fase (S. Spielberg, 1977) o Blade Runner (Ridley Scott, 1982) habiendo recibido 5 nominaciones al Oscar y uno honorífico por toda su carrera.
Curiosamente hoy día Trumbull se dedica a montar efectos en parques temáticos.
En todo caso su trayectoria como director es bastante irrelevante con excepción de esta película y en menor medida la curiosa Proyecto Brainstorm (1983) un título de los 80 prácticamente olvidado y que contaba en su reparto con gente como Christopher Walken, Natalie Wood, Cliff Robertson o Louise Fletcher.

Pero bueno, volviendo a lo que nos ocupa, Silent running dispuso de un presupuesto muy exiguo y eso favoreció que fuera un fracaso en taquilla debido a su poca promoción. En el aspecto argumental, la película transcurre entre tres gigantescas naves-invernadero, que se encuentran en órbita con Saturno, las cuales conservan la vida vegetal que se perdió en la Tierra a causa de una desertización total del planeta, y pensando en una hipotética reforestación del mismo.
El astronauta y botánico Freeman Lowell (interpretado por el actor Bruce Dern, padre de Laura Dern, actriz en numerosas películas, entre ellas Terciopelo azul o Parque Jurásico) es el responsable de una de ellas, la Valley Fogue, junto con dos robots, poseedores de características que en cierto modo les convertirán en antecedentes del futuro R2-D2 de la saga Star Wars.

Pero un día se decide cancelar el proyecto y acabar con los cultivos de las naves. Lowell se enfrenta al resto de la tripulación, que al contrario que él, si quieren acatar las órdenes y acabar con todos los vestigios de vida natural allí presentes. Con la ayuda de los robots, a los que humaniza (este es un dato importante pues plantea elementos similares y a la vez distintos al ordenador HAL 9000 de 2001) poniéndoles nombre (Dewey y Huwey) y convirtiéndolos en sus compañeros de tripulación, reprogramandoles para tareas "agricolas", y huyendo con la nave mas allá de los anillos de Saturno para conservar su tarea ecológica.

La realización de Trumbull de cualquier forma no es muy acertada y evita probablemente que nos encontremos ante un proyecto de mayor magnitud, pese a que se trata de un film a tener en cuenta. Algunos defectos en la puesta en escena son aliviados por el lirismo que aportan las canciones de Joan Baez, por la que no tengo muchas simpatías, pero cuya utilización aquí (si no me equivoco son temas ex profeso para la película) es acertada.

A destacar que entre los guionistas del film estuvieron nombres como Steven Bochco (responsable mucho después de series como Canción triste de Hill Street, La ley de Los Angeles o Murder one) o Michael Cimino (director años mas tarde de películas de fama como la oscarizada El cazador, Manhattan Sur o el megafracaso multimillonario La puerta del cielo, películas por cierto quizá con mas fama que calidad artística).

En definitiva, Naves misteriosas (o silenciosas) es un titulo a recuperar y que indica que ciertas preocupaciones que hoy parecen muy en primera plana vienen de mucho tiempo atrás y ya entonces se podían plasmar en una buena película de ciencia-ficción.

RICHARD MATHESON

2009-03-25T13:55:00.000-07:00

Richard Matheson (1926) es, sin duda, uno de los escritores del género fantaterrorífico más importantes de la 2ª mitad del siglo XX, y quizá, de esta etapa, junto con Philip K. Dick, uno de mis (muchos) favoritos.
Si hoy me ocupo de él, es para hacer un pequeño repaso (muy breve para lo que merecería) de su intensa relación con el cine, a través, tanto de adaptaciones suyas a la gran pantalla (y a la pequeña, también) como de guiones realizados por él sobre textos de otros autores.

Tenía dudas de si hacer un repaso siguiendo la cronología su carrera literaria, pero en fin, este es un blog básicamente fílmico, asi que seguiremos el orden de sus comparecencias cinematográficas.

Asi, en 1957, con guión del propio Matheson adaptando su libro escrito un año antes, llega El Increible hombre menguante (The incredible shrinking man), dirigida por Jack Arnold, maestro de la serie B, que convierte este título en una obra maestra del género; alternando elementos del cine de la Guerra Fría ( el protagonista empieza a encoger su tamaño sin parar después de ser afectado por una nube radiactiva de dudoso origen), reflexiones existenciales sobre la soledad y la supervivencia, y trazos de las Monster movies, cuando el protagonista, Grant Williams, ya diminuto, debe enfrentarse, sucesivamente, a su propio gato y a una araña.

Durante los primeros 60, el autor realiza varias colaboraciones con el especialista del género Roger Corman, con los guiones de dos de sus mejores adaptaciones de Poe, La caida de la Casa Usher (1960), y El pozo y el péndulo (1961), y escribiendo La Comedia de los Terrores (1964).

En 1964 llega la primera adaptación, y seguramente menos conocida, de su novela mas famosa, Soy Leyenda (I am legend), original de 1954. Es Last man on earth, casi inédita en España, dirigida por Sidney Salkow y Ubaldo Ragona (fue coproducción USA-Italia), y protagonizada por Vincent Price; como finalmente ocurrió con todos los films basados en este texto, se tomaron bastantes libertades sobre el original.

Resumiendo el argumento, nos encontramos con alguien que se ha quedado solo en la Tierra tras ser afectada toda la humanidad por un virus que les ha convertido en vampiros. El protagonista, Neville (en el texto original al contrario que en las adaptaciones no tiene formación médica aunque la soledad le ha hecho acceder a muchos textos científicos y técnicos), sabe que estos seres no existen, y, de día, junto a algunos actos rutinarios, investiga porque las personas tienen esa sintomatología e incluso se desintegran cuando se les clava una estaca y huyen de las cruces o de los ajos, a lo que acaba encontrando una explicación racional; mientras, de noche, es acosado en el exterior de su casa por los enfermos, incluyendo un antiguo amigo o las mujeres que van a tentarle para que se una a ellos.
Hasta que un día se encuentra con otros aparentes supervivientes, como él.

Y bueno, no sigo, no voy a contar el final por si alguien quiere leer el libro o no conoce las adaptaciones; sobre este primer film basado en la novela destacar sobre todo que la estética y características de los vampiros fue utilizada luego por George A. Romero en la saga zombie que inició con Night of the living dead (1967) , con un blanco y negro igualmente inquietante.

Matheson, mientras tanto, escribió varios capítulos de la serie Alfred Hitchcock presenta y de la seminal The twilight zone, aquí conocida como Dimensión Desconocida, gran creación de Rod Serling sobre la que luego haré alguna consideración a raíz de su adaptación cinematográfica-homenaje en los 80.

En 1968, escribe el guión de un titulo quizá poco conocido entre el gran publico, pero excelente, de la Hammer, The devil rides out, titulada en España La novia del diablo, basado en un libro de Dennis Wheatley, con dirección del ilustre veterano Terence Fisher e interpretaciones estelares de Christopher Lee y Charles Gray.

En 1970 llega una nueva adaptación de Soy Leyenda, The Omega Man, conocida aquí como El último hombre vivo, con el protagonismo de Charlton Heston.
Se trata de una película muy distinta a Last man on earth, el guión del matrimonio Corrington adapta el texto con muchas licencias, acercándolo más a un titulo de acción al servicio de su actor principal, en la línea de otras peliculas recientes en las cuales habia aparecido, como El Planeta de los Simios (Planet of the Apes, 1968) o que haría posteriormente, como Cuando el destino nos alcance (Soylent Green, 1973).

Aquí los vampiros son reconvertidos en una especie de secta de mutantes albinos que visten hábitos negros y gafas de sol, y que tratan de eliminar cualquier vestigio de progreso y civilización, encarnados en un científico como el superviviente Neville, por considerarlos causantes de la situación actual, aunque tampoco quieren encontrar ningún tipo de remedio a su mal, pues la sociedad tal como la conocíamos es la que llevó al mundo a ese final. Curiosamente, su líder es Matthias, un antiguo presentador estrella de los informativos de TV (interesante reflexión social), eficazmente interpretado por el secundario Anthony Zerbe.
Con evidentes concesiones al género blaxplotation, que empezaba a estar en boga en aquel momento, y algunos tics (música, ambientación) fácilmente reconocibles de esos años, defectos que son agravados por la realización del mediocre Boris Sagal, director fundamentalmente televisivo que nos tortura con atroces y reiterados zooms en gran parte del metraje.
Pese a todo, es una película por la que siento bastantes simpatías, se deja ver como un entretenido cómic, y la estética de la que hablaba puede ser, en su caso, más virtud que defecto, siendo ideal para una entretenida noche de cine fantaterrorifico.

Matheson vuelve a escribir el guión para El Diablo sobre ruedas (Duel, 1971), que se encarga de dirigir un chaval de apenas 25 años, poco curtido hasta entonces en alguna realización televisiva, llamado Steven Spielberg.
Esta historia de un camión (sin que sepamos nunca quien lo conduce) que, sin motivo aparente, y a raíz de un adelantamiento, comienza a perseguir a muerte a un comercial de vida gris que viaja camino de una reunión de trabajo por las carreteras del desierto de California, estaba planteada inicialmente como un telefilm, pero su gran éxito lo condujo a la pantalla grande y se convierte en un titulo de culto, anunciando muy proximos exitos comerciales para su director.

Siguiendo con la televisión, Matheson crea, con la colaboración del productor Dan Curtis, buen conocedor del género, el telefilm Kolchak: The night stalker, basado en una novela del semidesconocido Jeff Rice, que ni siquiera se habia publicado aún.
Kolchak es un periodista irónico y estrambótico, pero sagaz, siempre vestido con un sombrero de paja y un anticuado traje blanco, que se ve implicado en la investigación de casos sobrenaturales.

En The night stalker nos encontramos con una ola de crímenes en la ciudad de Las Vegas, que, por sus caracteristicas, parecen obra de un vampiro. Por supuesto, nadie cree en esta posibilidad, excepto el inicialmente escéptico Kolchak, que acaba encargándose personalmente de la destrucción del no-muerto, todo ello de forma muy velada, pues en aquel momento imperaba una fuerte censura en la TV americana que apenas permitia que se pudiera ver sangre.

Como curiosidad decir que el actor que hacía de vampiro, que finalmente fue Barry Atwater, estaba previsto en principio que fuera Robert Quarry, intérprete en aquel momento en cine del Conde Yorga, personaje de varias secuelas americanas con estética setentera de las pelis de Dracula de la Hammer (en aquel año, por cierto, se estrenó la penúltima entrega de los films de la productora inglesa sobre el famoso conde interpretadas por Christopher Lee, Dracula 73, dirigida por Alan Gibson, al igual que la siguiente, Los ritos satánicos de Dracula, transcurriendo ambas también en época actual y con resultados olvidables).

El telefilm consiguió un record histórico de audiencia en la TV estadounidense en 1972 y planteó la consiguiente secuela, El estrangulador de la noche.

The night strangler resultó aún más logrado que su predecesor. En él de nuevo nos encontramos con mujeres asesinadas, en este caso por asfixia y en la ciudad de Seattle, con la característica de que se han encontrado junto a los cadáveres restos de carne corrompida. Kolchak comprueba que series de crímenes similares se han producido en la ciudad cada 21 años, desde 1889 aproximadamente. La investigación le lleva a descubrir que un médico de la época de la guerra de Secesión (refugiado en las ruinas de su hospital, que conducen a una especie de parte antigua de la ciudad oculta en el subsuelo) obtiene una especie de suero de la inmortalidad durante ese periodo de tiempo, extrayendo la sangre de sus victimas, y consiguiendo finalmente derrotarlo.

El enorme éxito de estos dos pilotos, que llegaron a emitirse en España en los años 80 y 90, llevó a la producción de una serie, en la que, incomprensiblemente, se prescindió de Matheson y Curtis, sin obtener los resultados deseados, lo que hizo que no pasara de la primera temporada.
Hoy en día es considerada una serie de culto, inspiradora de Expediente X como reconoce el autor de esta ultima, Chris Carter (y que incluyó en ésta un personaje llamado Richard Matheson); a raíz de la reposición exitosa de los dos episodios pilotos a principios de los 80, la cadena CBS contactó con el actor protagonista, Darren McGavin (un habitual secundario que obtuvo su mayor reconocimiento aquí) para un tercer telefilm, pero molesto por la retirada prematura de la serie en su momento, el proyecto se quedó en el tintero.

Matheson también ha escrito fantásticos más bucólicos como Somewhere in time (1980) o Mas allá de los sueños, protagonizado en su version cinematográfica de 1998 por Robin Williams.

Otra de las obras más famosas de nuestro autor llegó a principios de los 70, La casa infernal.
Parecía una revisión de una novela de principios de los 60 de Shirley Jackson, The haunting of Hill House, aquí conocida como La mansión encantada y llevada magistralmente al cine en 1964 por Robert Wise (y de manera mediocre y con muchas libertades con el texto, por Jan de Bont en 1997).

Se trata de dos de las mejores novelas sobre casas con fenómenos paranormales, y de hecho, el original de Matheson se titulaba The Hell House, muy similar fonéticamente a su predecesora.

La adaptación cinematografica llegó en 1973 producida por James H. Nicholson, vinculado a la productora británica AIP, que fue, junto con la Amicus (especialista en películas de episodios, como Doctor Terror o unas cuantas basadas en comics de la EC), la gran rival de la Hammer en la hegemonía del terror inglés de aquellos años.
La dirección corrió a cargo de John Hough, que había realizado recientemente Dracula y las mellizas, ridícula traducción española de Twins of evil, última parte de una trilogía basada muy libremente en Carmilla, la clásica vampiresa de velados toques lésbicos que escribió Sheridan Le Fanu mucho antes que Bram Stoker pensara en el tema, y que empezaba a llevar a las pantallas la mezcla de erotismo y horror-movie pensada para salvar los muebles en taquilla, pero que en este caso resultaba un producto aún digno.
Después Hough continuó en el género con títulos muy menores como The Incubus, Aullidos 4 o un curioso fantástico british llamado Biggles, sobre viajes en el tiempo, mas algunas cosillas para la TV.

En La leyenda... nos encontramos con cuatro personajes, a los que un millonario les promete una gran suma a cambio de descubrir el secreto de la mansión Belasco, en la que su antiguo propietario, Emeric Belasco, posiblemente un trasunto literario del famoso mago y satanista Alastair Crowley, practicó toda clase de ritos, orgías y prácticas malignas a principios del siglo XX, hasta que la casa quedó sellada y los que estaban allí se quedaron para siempre, llegando a practicar el canibalismo y falleciendo de inanición o diferentes enfermedades, siendo hallados después, con excepción del propio Belasco, del que nunca más se supo.
Desde entonces, habían ido varios equipos de investigadores que habían muerto o enloquecido en el intento.
La película, que en su momento fue denostada, se ha convertido con el tiempo en película de culto, aunque es mucho más comedida en elementos explícitos de sexo o violencia que el libro, pese a que el guión corre a cargo del propio Matheson.

A destacar la sobriedad de sugerir más que de mostrar, y la excelente labor de sus cuatro (arquetipos) protagonistas, el científico escéptico (Clive Revill) que pretende probar una máquina de su creación para eliminar la causa del encantamiento, que considera física, acompañado por su pusilánime esposa (Gayle Hunicutt), un psiquico que sobrevivió a la investigación de la casa en su adolescencia y decide volver (Roddy McDowall), y la jovencita médium que lleva el peso de la historia (Pamela Franklin, que tuvo unos años de fama en varios títulos de la materia y después desapareció del cine).

En 1983, se realiza un film homenaje a The Twilight Zone, titulado por estos lares En los límites de la realidad, que es escrito en gran parte por Matheson, constando de cuatro episodios y una introduccion y epílogo, con una curiosa aparición terrorífica del actor Dan Aykroyd.

El primer capítulo lo dirige y escribe (es el único que no corresponde a un texto de Matheson) John Landis, entonces un director prometedor del género (Un hombre lobo americano en Londres, El monstruo de las bananas) y la comedia (Desmadre a la americana), contando la historia de un racista que, como penitencia, es obligado a pasar por diferentes épocas de la historia, sufriendo en la piel de otras razas. El episodio es tristemente famoso por el fallecimiento en accidente de helicóptero durante el rodaje del actor Vic Morrow (padre de la también actriz Jennifer Jason Leigh) y dos niños figurantes, y prácticamente, supuso el fin en el género de Landis, con la excepción del celebérrimo videoclip del Thriller de Michael Jackson.

El segundo episodio, peor aún, corresponde realizarlo a Spielberg, con el argumento de unos ancianos que vuelven a ser niños, aunque en su descargo hay que decir que no era el capítulo que se pretendía adaptar inicialmente, ya que se quiso dar algo de positividad a alguna de las historias.

Es en los dos últimos cortes cuando la cosa se pone realmente interesante, y hacen recomendable por sí solos el visionado del film. Joe Dante, en el tercero, describe la pesadilla de una chica que se ve obligada a refugiarse en la casa de una familia con un hijo que les tiene aterrorizados, pues puede manipular la realidad con su imaginación a su antojo.
Antológica la escena en que la hermana es comida por un dibujo animado (Los Looney Tunes siempre han sido una gran influencia para Dante), o cuando el padre, en un número de magia, saca un conejo monstruoso de una chistera.

Pero es el cuarto episodio el mejor y que justifica toda la pelicula. Dirigido por el australiano George Miller, entonces de plena actualidad por la saga Mad Max, revisa Pesadilla a 20.000 pies, en el que una especie de gremlin pretende boicotear un viaje en avión, siendo observado por un sólo pasajero ante la incredulidad del resto de viajeros (excelente labor de John Lithgow, si bien no supera al intérprete del capítulo televisivo original, William Shatner, el capitán Kirk de Star Trek).

Después de ésto, y ya en épocas más recientes, destacar El último escalón, basado en una de sus primeras novelas, Stir of Echoes, dirigido por el interesante David Koepp, y como curiosidad, la chica fantasma es Jennifer Morrison, la Dra. Cameron de la serie House.

Sobre la última adaptación de Soy Leyenda, que respeta el título de la novela, pero poco más, decir que es un vehículo para el lucimiento de Will Smith, lleno de incongruencias (Por ejemplo, el hecho de que desaparezca la humanidad no tiene porque implicar que haya leones en New York, ni siquiera los del zoo, porque nadie les puede sacar de la jaula, y no sé como van a cruzar el Atlántico. Y eso es sólo el principio...).

Una pena, porque se habló de este proyecto durante muchos años, incluyendo nombres como Ridley Scott o Schwarzenegger. La elección de la ciudad de los rascacielos frente a la original de Los Angeles, resulta además sospechosa y claramente incluida dentro de la psicosis post 11-S.

Recientemente, en la temporada inicial de la serie Maestros del Terror (Masters of horror), se adapta un relato de Matheson (por parte de su propio hijo) en el episodio dirigido por Tobe Hooper, Dance of the dead, por otro lado uno de los más decepcionantes de una serie quizá con más sombras que luces, con sonadas y brillantes excepciones, sobre todo en lo que fueron estas primeras entregas.

Y concluyo así este repaso, seguramente mucho más corto de lo que merece el gran Matheson, pero creo que suficiente para entender su importancia dentro del género.

ALAN MOORE CONTRA HOLLYWOOD

2009-02-28T21:14:00.000-08:00

Para aquellos para los que el cómic sea un género casi desconocido, comenzaré diciendo, a modo de introducción, que el británico Alan Moore es una de las mayores instituciones de este mundillo, como guionista (si bien empezó como dibujante) de obras como Desde el infierno, La liga de los hombres extraordinarios, V de Vendetta o Watchmen, trabajando para las prestigiosas editoriales Marvel y DC (con las que también tocó el comic de superhéroes en el excelente Batman: la broma asesina o creando la serie del Capitan Britania). Aunque, dada su mentalidad, le ha gustado refugiarse mas de una vez en pequeñas editoriales independientes (sin abandonar nunca del todo las obras mayoritarias), pese a anunciar en 2003, coincidiendo con su 50 cumpleaños, una retirada.
En líneas generales podemos decir que ha tratado de dotar de una mayor estructura literaria a un género del que se supone que carece.

Moore es un personaje excéntrico, aficionado a la magia, a la buena literatura, de ideología anarquista (que se refleja en algunas sus obras) y mas bien antisocial. Pese a las ganancias obtenidas con sus publicaciones y con los derechos cinematográficos de las adaptaciones de sus obras, sigue habitando su vieja casa de su ciudad natal, Northampton, que pretende convertir en una especie de palacio bizantino, rehuyendo el contacto de la prensa o de sus seguidores.

Pero, si por algo se ha caracterizado Moore, es, precisamente por renegar de las adaptaciones al cine de sus cómics (habria que añadir a las antes mencionadas la de Constantine, film dirigido por Francis Lawrence en 2005 y protagonizado por Keanu Reeves, y que se basa en un personaje secundario de su serie La cosa del pantano), hasta el punto de renegar de ellas, pedir que se le desvincule del proyecto o calificarlas literalmente como porquería, como sucedió en el caso de V de Vendetta.

Vamos a detenernos en las dos adaptaciones mas recientes (La liga de los hombres extraordinarios, aunque continúa con ella, no es su mejor creación y su adaptación cinematográfica resultó bastante olvidable, aunque si ha servido para que algunos tengan interés en leer los libros en que se basan los personajes que aparecen en ella, ya podemos darlo por bueno).

V de Vendetta, escrita por Moore con dibujos de David Lloyd en 1985, y llevada al cine por James McTeigue en 2005, resultó muy cambiada respecto de la novela grafica original (el guión correspondió a los hermanos Wachowski, responsables de la saga Matrix), ya que por encima de los habituales cambios de personajes o situaciones (suprimidas o añadidas) que suelen producirse en estos casos, el espíritu de la obra se cambió totalmente, otorgándole un aire romántico y algo edulcorado respecto a la idea de Moore, lo que despertó sus iras y decidió renegar de ella y de los derechos futuros que le pudiera generar.

Hay que decir que, tanto V... como Watchmen son obras de mediados de los 80 y consecuencias de una situación politica concreta, como era el ultra conservadurismo del gobierno de Margaret Thatcher en Reino Unido o el de Reagan en USA, o la Guerra Fría, planteando un inmediato futuro en el que se imponen regímenes totalitarios, amenazas bélicas o serios recortes de libertades, resultando desgraciadamente visionarios en cuanto a algunos temas.
Ambas novelas gráficas son bastante duras en sus planteamientos, probablemente Watchmen lo es aún mas, plena de momentos violentos y escenas difíciles de digerir aún para el lector mas avezado como quien escribe esto, mostrando en ambos casos lo peor de la condición humana.

En el caso de la adaptación de Watchmen, tuvo una gestación complicada, ya que el proyecto inicial que contaba con el visto bueno de Moore, iba a ser llevado a cabo por el director inglés Paul Greengrass (Bloody Sunday, El mito de Bourne, United 93), aunque también sonó Terry Gilliam (ex componente de los Monty Python y director, aparte de alguna de las películas de este grupo, de 12 monos, Las aventuras del Baron Munchausen, el Rey Pescador, Los hermanos Grimm o Miedo y asco en Las Vegas).
Finalmente (desgraciadamente diría yo), tras varios dimes y diretes, la adaptación cayó en manos de Zack Snyder, que ya se había encargado de llevar a la pantalla otra novela gráfica, el 300 de Frank Miller, con discretos resultados, y lo que ha planteado es una versión que se centra (y multiplica) en los elementos mas efectistas de la novela gráfica, conformando un producto mas que discutible, aunque algo mejor que su anterior experiencia.

Alan Moore, en los Simpson. Arriba, firmando un autógrafo a Bart. Abajo, Milhaus sostiene un ejemplar de los Watchmen en versión infantil en el imaginario cómic "V de Vacaciones"

De todas formas habría sido de agradecer que los distribuidores no presentaran Watchmen como una convencional película de superhéroes apta para todos los públicos, pues luego en las salas probablemente se encuentren con sorpresas desagradables (no es una película para niños aunque muchos acudan erróneamente a las salas con ellos, tal vez ni siquiera para adolescentes). Aunque temas en los que incide la novela gráfica, como la moral, el determinismo, la megalomanía... parecen aquí quedar en segundo plano en detrimento del impacto visual, y nuevamente, al igual que en V de Vendetta, tomándose libertades en cuanto al final.

Por no hablar de los errores de casting: si en V..., Natalie Portman no me parecía adecuada para el papel (de entrada el personaje de Evey en el cómic es una joven desvalida que recurre en última instancia a la prostitución, mientras que en el film es una profesional de la TV, lo que ya lastra el planteamiento inicial), en Watchmen tampoco ha habido mucha mas suerte. Malin Akerman es otra modelo-no actriz que no da el perfil de su personaje, e intérpretes como Billy Crudup o Jeffrey Dean Morgan están especialmente desafortunados, o bien el guión no le ha dado a sus papeles los matices que tenían en su versión dibujada.

Con este panorama, no me extraña el permanente enfado de Moore. En fin, siempre nos quedará leer los comics.

CINE FANTASTICO-TERRORIFICO Y MUSICAL ¿UN BINOMIO IMPOSIBLE?

2009-02-28T13:13:00.000-08:00

La pregunta del título me la sugirieron como posible motivo para un artículo, y efectivamente, me resultó difícil hallar ejemplos que combinaran ambos géneros, aparte de algunos que ya conocía con anterioridad y me vinieron inmediatamente a la cabeza, y otros que estarían en la frontera de aparecer aquí o no (¿podría incluirse por ejemplo El mago de Oz, de V. Fleming, con Judy Garland, o alguna antigua película Disney como Fantasía?). Además, el reciente estreno de Repo! The genetic opera (de la que incluyo el cartel aquí abajo), un curioso experimento de Darren Lynn Bousman, director de la saga Saw, con la inclasificable presencia en el reparto, en un papel secundario, de Paris Hilton, puso el tema de relieve. Así que decidí hacer una relación, no exhaustiva (ya que seguro que con una investigación a fondo se podrían hallar más), de este tipo de películas.

Aparte de las citadas entre paréntesis como posibilidades, la primera que se me ocurriría cronológicamente sería Los 5000 dedos del Dr. T (Roy Rowland, 1953).
Película de culto que recuerdo me angustiaba de pequeño, por su ambiente de pesadilla, aunque, vista de adulto, pueda resultar un tanto pueril con todos esos números musicales casi de opereta, pese a que sigue siendo un producto imaginativo: Un niño que da clases de piano con un tiránico profesor, se queda dormido y sueña (no recuerdo si esto se sabe desde el principio o lo que vemos se presenta como real) que este es una especie de dictador que ha secuestrado a 500 niños en un fantasioso castillo para dar un megaconcierto de piano.

Otra curiosidad podría ser El extravagante Dr. Doolittle en su version original de 1967 (no el lamentable remake protagonizado por Eddie Murphy que poco tiene que ver), dirigida por Richard Fleischer (el gran director de muchos títulos inolvidables de nuestro género favorito: Viaje alucinante, Soylent Green, 20.000 leguas de viaje submarino, El estrangulador de Boston, El estrangulador de Rillington Place...) y reparto británico (Rex Harrison, Samantha Eggar...), con una ambientación de época y que llegó a ser nominada al Oscar. Sin embargo, hoy día resulta un film casi olvidado; no obstante, pienso que la podemos incluir por su argumento, si bien en este caso mas dirigido a un público familiar.

Tras esto debería trasladarme a los años 70, donde, en plena fiebre del glam rock, nos encontramos dos títulos casi realizados al mismo tiempo, y que aúnan terror, comedia en mayor o menor medida, y música.

La primera de ellas es una de mis favoritas, El Fantasma del Paraíso (1974), de Brian de Palma, director por el que siento una especial predilección, al menos en esta primera época. Aunque merecería un artículo en exclusiva, básicamente Phantom of The Paradise mezcla elementos de Fausto, El Fantasma de la Opera, el musical glam, la comedia, y una velada crítica a los métodos de la gran industria musical. De hecho, no es difícil reconocer en el personaje de Swan, el malo, interpretado por el compositor y cantante Paul Williams (autor de las canciones del film y también de la premiada banda sonora de la mas reciente versión de Ha nacido una estrella, con Barbra Streisand y Kris Kristofferson, asi como de varios exitos para el duo de pop ligero The Carpenters) determinadas referencias al productor Phil Spector.

Protagonizada por William Finley, un secundario habitual en las primera películas del director, y Jessica Harper, que aparecería posteriormente en otro curioso musical Pennies from Heaven (1981), con Steve Martin, al que luego mencionaremos. Sin olvidar la excelente labor de Gerrit Graham como estrella de rock con maquillaje e imaginería terrorífica, al estilo de unos Kiss o Alice Cooper.
De Palma realizó esta película entre dos grandes creaciones de temática y estética hitchcockiana, algo habitual en su filmografía inicial, como fueron Hermanas (Sisters, 1972) y Fascinación (Obsession, 1976).

Y el otro ejemplo sería The Rocky Horror picture show (1975), película de culto en los U.S.A. y un poco menos conocida fuera de este país, excepto entre el público especializado, y, al igual que en El Fantasma... con una excelente colección de canciones como banda sonora. Las representaciones de esta película se convirtieron en un acontecimiento en su país, en las cuales el público acudía disfrazado y con difentes objetos de los que hacían uso en momentos señalados de la proyección.
El argumento es la llegada de un joven e ingenuo matrimonio a la llegada del castillo del profesor Frank´n’further (en la que fue probablemente la mejor creación del actor Tim Curry, una especie de Frankenstein travestido (era plena época glam, como antes decía) y contando además con una joven Susan Sarandon.

Después de esto revisamos los 80, donde nos encontramos con la no muy afortunada La Pequeña Tienda de los Horrores (1986), revisión de una película de Roger Corman de 1960, que en su momento protagonizó un joven Jack Nicholson, y que después fue convertida en musical en Broadway, que es lo que dio pie a este film.
El director es Frank Oz, algo lógico si tenemos en cuenta que Oz fue un estrecho colaborador de Jim Henson, el creador de los Teleñecos (The Muppet Show) y varias películas de muñecos con mayor o menor fortuna (Cristal Oscuro, Dentro del Laberinto), donde tuvo mucho que ver. Además hizo pequeños papeles en muchas comedias de los primeros 80.
Es lógico que Oz se hiciera cargo de este film si tenemos en cuenta que está protagonizado por una grande y parlante planta carnívora animada. Por lo demás, destacar la aparición de Steve Martin que ya lo había hecho en el antes mencionado musical Pennies from Heaven y Rick Moranis, un habitual en el cine comercial de los primeros 80 (fundamentalmente en papeles cómicos: Cazafantasmas, Cariño he encogido a los niños o Calles de Fuego) y completamente olvidado hoy día.

Después, la llegada de Tim Burton supuso cierta revitalización del género, probablemente por ser un conocedor de géneros dispares como el cine de Serie B de los 50 y primeros 60 o del cómic, y lo que hizo fue introducir en el fantástico elementos de comedia y de los musicales.
Burton es el creador de la Pesadilla antes de Navidad (que ya mencioné levemente en su momento), un film animado en el que trabajaba desde los 80 y que finalmente fue llevado a la pantalla por el director Henry Selick, también responsable de la menos afortunada James y el melocotón gigante (1996), con producción de Burton, y que tambien contenía alguna canción.

Y por otro lado tenemos la mas reciente y no muy acertada a mi juicio, Sweeney Todd, en la línea habitual del último Burton, aunque los números musicales han sido habituales en todo su cine.

He tenido dudas de incluir dentro de esta lista una película como Sueños eléctricos (1984), un producto que se anticipó en algo a las comedias juveniles de corte fantástico-cibernético en la que aparecía una jovencisima, dulce y rubia Virginia Madsen (que algún tiempo después protagonizaría un pequeño clásico del genero, revalorizado con el tiempo, como es Candyman, dirigida por Bernard Rose en 1992), años antes de entrar en un olvido del que parece que ha salido en los últimos años, y por la puerta grande, trabajando con gente como el fallecido Robert Altman, en El nº 3 de J. Schumacher o incluso nominada al Oscar por Entre copas.

Esta es una peli que no es nada del otro mundo, excepto por su condición de pionera de otros títulos similares, y por contener mas canciones de lo habitual, eso si, integradas en la trama, y que recogen nombres que van desde el productor y compositor italiano Giorgio Moroder, habitual en muchas bandas sonoras de corte pseudo-electrónico, como la plana mayor (no siempre la mejor) de del entonces en apogeo estilo new romantic, con gente como Culture Club o Phil Oakey, de The Human League.

Y esto nos llevaría al principio, con Repo, la pelicula con la que comenzamos como ejemplo de una mezcla de géneros que no ha sido demasiado habitual y que sugerimos como posible idea original para proximas producciones.

RECORDANDO ALGUNAS SERIES DE TV (2)

2009-01-30T09:18:00.000-08:00

Dentro del laberinto

No confundir esta serie con la película con música y marionetas dirigida por Jim Henson y protagonizada por Jennifer Connelly y un David Bowie en su momento más hortera y menos inspirado.
Esta producción de la HTV británica fue realizada a principios de los 80 y emitida en España a partir de 1982, en 3 temporadas (con 7 capítulos cada una de 30 minutos), si bien en la última desaparecían la mayoría de protagonistas de las dos primeras y resultaba muy inferior a ellas, dando muestras de agotamiento.

El argumento, escrito por el propio director Peter Graham Scott junto a Bob Baker (responsable de varios episodios de Dr. Who), se inicia con una pareja de hermanos que están jugando en el bosque y topan con una tormenta que les lleva a refugiarse en una cueva (las cavernas de Cheddar, que existen realmente y salían en los créditos de la serie). Ahí se encuentran con Phil, un chaval de raza negra algo mas mayor, en su misma situación. Escuchan una llamada de socorro y rescatan a Rothgo (interpretado por el actor Ron Moody que hacía el papel de Fagin en la versión musical de Oliver Twist, Oliver, dirigida por Carol Reed en 1968), un mago inmortal (de los buenos) y que ha quedado muy debilitado tras su enfrentamiento con Belor (Pamela Salem), su oponente femenina y la mala de la serie; ambos buscan una especie de fuente de energía llamada Nidus, y para ayudar a Rothgo, los chicos debían viajar en el tiempo por diferentes épocas (desde la Revolución Francesa a la antigua Grecia, eso si, sin salir de la gruta), en las cuales coinciden con ambos magos “disfrazados”. El Nidus se identifica por una especie de brillo que podía encontrarse en algún objeto concreto y por ello se busca con espejos y otras cosas reflectantes. Una vez era hallado, debían juntar sus brazos e invocar al mago que debía reclamar la energía, pero Belor podía denegárselo y se iniciaba un enfrentamiento entre ambos. Al final de la primera temporada, se hacían con el Nidus y Belor era destruida, Rothgo les regalaba a los niños una especie de cristales mágicos en agradecimiento y les borraba la memoria.

Pero en la 2ª temporada los cristales les vuelven a llevar a la cueva y se encuentran con una situación similar a la del principio tras la resurrección de Belor, y que vuelve a terminar con el triunfo del Bien.
En la 3ª temporada solo se mantuvieron los personajes de Phil y Belor, el mago bueno era ahora un tal Lazlo (Chris Harris), un personaje bastante ridículo que en ningún momento tuvo el carisma de su antecesor y esta temporada pasó desapercibida e incluso no recuerdo si se emitió completa en España, adonde llegó con retraso. Sin duda fue una de mis series favoritas en aquel momento y se ha reeditado recientemente en DVD (solo en inglés).
Hoy en día cantan mucho los efectos especiales, que resultan casi pueriles, así como algunas escenas de los enfrentamientos “cósmicos” que parecen repetidas. En el aspecto argumental e interpretativo la serie era imaginativa y además tuvo el mérito de recrear varios momentos históricos (con un presupuesto limitado) lo que además podía resultar instructivo para el público destinatario, de hecho la serie contó con suficiente éxito para ser repuesta varias veces en nuestro país, y hoy en día, con el auge de videojuegos e historias de tipo mágico, no desentonaría, excepto por los detalles mencionados anteriormente.

The children of the stones

Conocida en España como Los chicos de las piedras o tal vez Los chicos de Stonehenge (creo que no transcurría realmente en este lugar), fue otra producción de la prolífica HTV inglesa, emitida por la ITV, que al parecer formaba una especie de trilogía (The third eye) con la mencionada Dentro del Laberinto, y no sé si con la que trataré a posteriori, Bajo la Montaña. Originalmente es de finales de los 70, pero aquí se emitió a principios de la década siguiente. Los creadores fueron Jeremy Burnham y Trevor Ray.

Un astrofísico y su hijo llegan a una pequeña localidad de la campiña inglesa, caracterizada por estar rodeada de una formación de menhires que incluyen una especie de santuario de antiguos cultos. Precisamente, la labor del investigador es estudiar estas piedras y sus posibles efectos de magnetismo.
Rápidamente observan que los habitantes del pueblo son extrañamente amables, que de vez en cuando se reúnen en circulo en torno a una iglesia abandonada y que parecen mostrar cierta sumisión a un rico hacendado de la localidad (que además es el casero de los protagonistas) y que revela grandes conocimientos en cuestiones científicas. Otros personajes son una madre y su hija recién llegadas al pueblo (por tanto ajenas a lo que sucede) y que entablan amistad con los protagonistas, y un vagabundo que vive en el círculo de piedras y dice estar por ello protegido.

Las primeras investigaciones indican que hay algo extraño en torno a la formación megalítica, de hecho al tocar los menhires se recibe una especie de descarga de energía. No voy a contar más por si alguien puede verla y prefiere descubrirlo por sí mismo.
La serie producía de niño un cierto malrollismo (si se me permite inventar esta palabra), sobre todo vinculada a la sensación de las piedras como seres vivos, o al hecho de enfocar constantemente un cuadro que hay en la casa, en el cual aparece gente danzando en la oscuridad (no recuerdo si junto a las piedras) en torno a una especie de fuego o luminosidad; escenas todas ellas aderezadas con una mas que inquietante música minimalista consistente en un coro a capella, al estilo de la que se oye cuando aparece el monolito de 2001, y mantiene cierta fuerza vista de adulto (es fácil de encontrar en inglés, aparte que sus escasos 7 capítulos de 25 minutos no cansan).
No es necesario destacar la sobriedad de una serie británica y la profesionalidad de intérpretes como Gareth Thomas, Iain Cuthbertson o Freddie Jones. Eso si, una serie quizá excesivamente compleja para un público adolescente al que pudiera ir dirigida.

Bajo la montaña (Under the mountain)

Serie neozelandesa algo posterior en cuanto a su emisión que las referidas, aunque la fecha de producción original es similar (1982). En ella, nos encontramos con una pareja de niños gemelos que, en sus vacaciones, tienen enfrente una extraña familia de vecinos, los Wilberforce, que viajan en un Rolls Royce, y que en realidad son unos alienígenas cuya verdadera forma es la de babosas del tamaño de un hombre, con la finalidad de destruir el planeta.
Un anciano que en realidad es otro extraterrestre de una raza en combate con aquellos, tuvo un encuentro con los gemelos una vez estos se perdieron siendo mas pequeños, ayudándoles, y descubriendo que tenían ciertas facultades extrasensoriales que los convierte en elegidos para destruir a las babosas. Para ello solo hay un método, que si falla puede provocar su destrucción (como ya ocurrió con otros destinados a esa misión), e incluso la de la humanidad.

Les entrega a cada uno unas piedras, roja y azul respectivamente, con las cuales en un momento determinado deben crear, desde lo alto de un volcán, una especie de campo de energía que servirá para acabar con los extraterrestres-babosa.
Recuerdo vagamente que estos habían creado una especie de pasadizo viscoso que conducía al mar. Por supuesto, no cuento la resolución, aunque la verdad es que no la recuerdo con exactitud.
Sobre esta serie hay tan pocas referencias en la red como posibilidades de recuperar sus episodios. Para mi sorpresa, y no ha podido ser mas oportuna esta reseña, se va a hacer una versión en 2009 en la propia Nueva Zelanda, con guión del propio creador original Maurice Gee, eso si, desconozco si llegará a los cines españoles o incluso será un producto únicamente para la TV. Eso si, el primer capítulo completo está colgado en la red en versión original, y es esto que viene a continuación.

Chocky

John Wyndham es un escritor de ciencia ficción bastante e injustamente desconocido fuera del Reino Unido, excepto para los que somos muy aficionados al género. De su mano salieron novelas como El día de los Trífidos, historia post-apocalíptica sobre una invasión de plantas carnívoras gigantes producidas en laboratorios secretos, ante una humanidad que ha quedado en su mayor parte ciega tras observar unas luces en el cielo (con excepción de algunos supervivientes que tratan de salir adelante entre el caos, en los cuales se centra la historia), llevada al cine en 1962 (que también conoció, por cierto, una versión televisiva por la BBC en 1981, de la cual hablaría, pero tuvo poca distribución en España), y que posee muchos elementos que seguramente fueron tomados por Danny Boyle para su film 28 días después (desde el mismo comienzo, que es practicamente calcado en ambos casos). Pero también escribió obras como El misterio de las profundidades, Los cucos de Midwich, que dio lugar a la/s película/s El Pueblo de los Malditos (tanto la original de 1960 como el remake de John Carpenter en los 90) o Chocky, a la que nos referimos.

Chocky, como todas las referidas anteriormente, es una serie de culto sobre un niño, Matthew, que habla con un amigo imaginario (materializado ante él como una especie de nebulosa), situación que acaba preocupando a sus padres. Pero este amigo es en realidad un/a extraterrestre, eso si, con fines pacíficos (pretende saber cosas de la vida en la Tierra y ayuda a mejorar la inteligencia de Matthew hasta convertirlo en un superdotado), nada que ver con los anteriormente citados. Pero esto le pone en peligro, porque hay oscuros intereses que secuestrarán al niño para obtener información.
Adaptada por Anthony Read para la Thames, la serie constó de 6 capítulos de una media hora de duración, protagonizados por el niño Andrew Ellams. Y conoció una segunda y tercera parte con cambios de argumento y personajes.
Por cierto acabo de enterarme, al tiempo de escribir esto, que al parecer Spielberg prepara una adaptación. Así pues, al igual que en Bajo la montaña, ha sido oportuno este recordatorio.

El joven Sherlock (Young Sherlock: The mystery at Manor House)

Olvidada adaptación realizada en 1982 (y emitida algo después en España) del famoso detective en época adolescente y juvenil. Nada que ver con la posterior película del mismo nombre conocida en España como El secreto de la pirámide.
Me permito mencionar esta serie dada la poca información en español que hay sobre ella en la red, y por mi afición al personaje. Creo recordar que, tras morir algún familiar directo, este joven Sherlock Holmes era llevado a casa de unos tíos o similar, donde desarrollaba sus talentos poniendo al descubierto una conspiración para asesinar (o derrocar) a la reina Victoria, en la que estaban implicados ingleses e hindúes.

Protagonizada por Guy Henry, secundario habitual al que hemos podido ver recientemente con papeles en Extras o Roma, junto a Christopher Villiers interpretando a un primo lejano de Holmes que acaba siendo Moriarty, creo recordar, y como curiosidad, Lewis Fiander, uno de los protagonistas de ¿Quien puede matar a un niño? (Narciso Ibáñez Serrador, 1976), haciendo de sirviente hindú.

Por cierto, esta serie coincidió en las pantallas temporalmente con otra breve producción británica injustamente olvidada, Cribb, protagonizada por un detective de Scotland Yard (el que daba título a la serie, interpretado por Alan Dobie) al mas puro estilo Sherlock Holmes y ambientada en su misma época (contando por supuesto con un Watson particular), y basada en la novelas de Peter Lovesey.

RECORDANDO ALGUNAS SERIES DE TV (1)

2009-01-30T09:06:00.000-08:00

La verdad es que aunque si que he dedicado algún artículo relativo y exhaustivo al tema, reconozco que no he tocado demasiado la cuestión de las series de TV de género fantástico y terrorífico, sobre todo valorando que en mi infancia abundaban producciones de calidad en este sentido que contribuyeron a mi afición al tema, junto a otras que se reponían de épocas pretéritas.

De hecho en los últimos tiempos (aunque nunca se han dejado de hacer) creo que hay un cierto auge de este tipo de series: Heroes, Medium, True blood, Moonlight, Torchwood, Dresden, Sobrenatural, Jekyll, Pesadillas y alucinaciones, Maestros del Terror y tantas otras, incluso en países de habla española como México con 13 miedos y la defenestrada resurrección en España de Historias para no dormir, desterrada tristemente al mercado del DVD por Tele 5, algo por cierto habitual en nuestro país con estos productos televisivos atípicos (recuerdo a finales de los 80 y principios de los 90, dos series de episodios independientes, como Historias del otro lado, tras la que estaba Garci y sus habituales colaboradores, y la más oscura Crónicas del mal, en la que colaboraron directores como Iván Zulueta, completamente proscritas por TVE y que no han tenido jamás a bien reponer ni sacar a la venta, y solo alguna TV local las ha recuperado por la puerta de atrás).

Lo que pretendo aquí es hacer un recuerdo personal de algunas series de mi primera infancia, lo que implica que algunas de ellas estaban dirigidas a un público como mucho adolescente, y tal vez no serían las mejores, pero como digo, es una pequeña visión nostálgica en la que no influyen ni la cantidad (seguramente me esté olvidando de muchas) ni la calidad (en todo caso destacar que ninguna de ellas es una producción norteamericana), y por tanto el propio lenguaje a la hora de describirlas será posiblemente demasiado coloquial, ya que estará basado en mi propia memoria y no en referencias externas que por cierto, en español son escasas en la red. Además espero contribuir a que aquellos que busquen algo al respecto tengan un punto de referencia. Lo dividiré en dos partes para que no se haga demasiado largo de una sola vez.

Los hombres del mañana

Esta era la cabecera de The tomorrow people, título original de Los hombres del mañana. Esta serie fue producida por la Thames (si, esa que salía la Torre de Londres reflejada bajo un cielo azul y que dio pie a tantas series) para la ITV y el creador fue Roger Price. La serie originalmente comenzó a emitirse a principios de los 70, se extendió durante toda la década y al parecer tuvo una continuación a mediados de los 90 que desconozco.

Los protagonistas eran un grupo de niños y jóvenes que tenían capacidades más avanzadas que el resto de los humanos, como la posibilidad de comunicarse telepáticamente entre ellos, y su centro de operaciones se localizaba en una vieja estación de metro, desde donde combatían amenazas tipicas de los productos Sci-fi, especialmente extraterrestres y supervillanos varios, al estilo de otras series compatriotas como Dr. Who o la mas reciente Torchwood, junto a un Superordenador llamado Tim que les podía teletransportar.

Originalmente en el Reino Unido tuvo 8 temporadas, las cuales se subdividían en tramas con titulos como Los esclavos de Jedikiah, La estirpe de la medusa o La guerra de los Imperios, que cubrían 3 ó 4 capítulos cada una.
Al ser una serie popular en su país de origen, es relativamente fácil de hallar, eso si, en inglés (hacerlo con la versión en español es misión imposible). Los actores protagonistas mas habituales (ya que algunos cambiaron en las diferentes temporadas) fueron Nicholas Young, Peter Vaughan-Clarke o Elizabeth Adare, mientras que la voz de Tim corrió a cargo de Philip Gilbert.

(CONTINUARA)

LA GUERRA DE LOS MUNDOS DE WELLS, SEGUN WELLES, 70 AÑOS DESPUES

2008-12-29T12:25:00.000-08:00

N. del A.: Este artículo se publicó originalmente a principios de noviembre de 2008, de ahí que haya cierto desfase temporal en las fechas de las que se habla.

Durante estos días (aunque lleguemos con algo de retraso) se ha hecho alguna referencia en los medios (no demasiadas, dado que estos temas vinculados a la cultura y especialmente al género literario fantástico no interesan demasiado, salvo casos concretos) al 70º aniversario del programa de radio que Orson Welles, entonces precoz actor y director teatral y artista polifacético, hizo en la cadena norteamericana CBS en colaboración con su compañía Mercury Theatre, y que adaptaba la novela de H.G. Wells
La guerra de los mundos, uno de los varios y excelentes clásicos que este autor inglés dejó para la posteridad de la entonces naciente ciencia-ficción y seguramente la primera ocasión (si me equivoco disculpen) en el que se trata la hipótesis de un ataque a la Tierra (en realidad a Londres y localidades cercanas, no consta que lleguen mucho mas lejos, pero no les cuento nada por si no leyeron el libro y deciden hacerlo) por parte de inteligencias extraterrestres (marcianos en este caso).
En realidad, Wells, detrás de esta historia, esconde una presumible crítica al colonialismo e imperialismo mas feroz que habian ejercido países como el suyo, y que implicaba, al igual que pretendían estos invasores alienígenas, la anulación de otras culturas y pueblos conquistados, e incluso podía producir la extinción de civilizaciones enteras y especies animales o vegetales si se hacía un mal uso de ese poder. Por otro lado, pretendía mostrar que una persona cualquiera (por eso seguramente apenas se dan datos del protagonista de la historia, para que el lector se identifique con el narrador) cambia radicalmente cuando se presenta ante una situación límite.

Pero lo que quería comentar era que la sui generis adaptación radiada de Welles, por si alguien aún no conoce la historia, se presentó (aunque se advirtió al principio y al final que era una ficción, y además dicha emisión duró menos de una hora) como un informativo de sucesos reales, con cronistas enviados al lugar donde habían aterrizado (mas bien caído) las naves cilíndricas utilizadas por los marcianos, efectos especiales... provocando, supuestamente, la histeria colectiva en millones de personas. Conviene recordar que el final de la novela, que no voy a desvelar, es relativamente feliz (pese a evocar el dramatismo de alguno de los hechos narrados y la moraleja referida antes), y ese hecho se respetó en la radio, con lo cual hay que pensar que la gente solo escuchó medio programa.
Y cuando me refiero a que supuestamente se provocó esa histeria, es porque hoy día se ha llegado a la conclusión que ese pretendido caos generado en millones de oyentes no fue ni mucho menos así, y que solo unas cuantas personas creyeron la veracidad de lo expuesto. Es decir, que no hubo éxodo masivo de las grandes ciudades ni nada por el estilo; en todo caso en las zonas rurales, mas incomunicadas, es donde pudo cundir una cierta inquietud.
No obstante, a lo largo de las décadas siguientes, en países como Ecuador, México o Portugal se hicieron adaptaciones propias siguiendo la pista de lo realizado por Welles, con reacciones adversas en la población que originaron consecuencias mas dramáticas y reales; sin embargo, estos hechos apenas han trascendido a nivel público, al contrario de lo de 1938, convertido en auténtica leyenda urbana.

A grandes rasgos, recordaremos dos adaptaciones cinematográficas, la realizada en 1953 por Byron Haskin, con buenos resultados y unos efectos especiales estimables que se llevaron el Oscar, pero muy alejada del texto de Wells, y situada en el contexto de la Guerra Fría que dio lugar a una época dorada de la Ciencia-Ficción y la Serie B (de ese mismo año es Invasores de Marte, de William Cameron Menzies); y está muy reciente la de Spielberg en 2005, que aunque recupera algunos elementos de la novela, sigue estando alejada y además se sitúa en el momento actual (me parece mas interesante la ambientación original en torno a 1900, en un mundo que empezaba a abrirse a la tecnología y donde no había aviones, combatiendo los ingenios marcianos con fuego de artillería y avanzando elementos como la guerra bacteriológica, en ambos sentidos).
También hubo, a finales de los 70, una curiosa adaptación musical de Jeff Wayne, en forma de doble LP que intercalaba narración y diálogos (tuvo versión española), con las canciones interpretadas por Justin Hayward de The Moody Blues; un gran éxito en su momento y que desgraciadamente amenaza con ser recuperado y encima convertido en musical.
Junto a ello, el variado filón de secuelas generadas por la novela incluye desde varios cómics a obras mas desconocidas como Sherlock Holmes’War of the worlds, escrita por Manly y Wade Wellman en 1975, que sitúan al popular detective en el contexto de La Guerra de los mundos.

Diferentes cadenas radiaron el 30 de octubre un programa conmemorativo de esta emisión, adaptándola al español con voces conocidas de nuestras ondas, pero como decía antes, no ha habido demasiado interés en promocionar este hecho. Así que para los interesados, dejo este enlace
a la página de The Mercury Theatre on the air que permite acceder a descargarse o escuchar la emisión original de la CBS.

SOBREVIVIENDO A LA NAVIDAD

2008-12-22T08:42:00.000-08:00

Vuelvo tras un pequeño intervalo sin publicar (aunque es bastante probable que a partir de ahora mis artículos en esta página se espacien más), y, pese a que las fiestas navideñas no sean mis fechas preferidas (más bien al contrario) del calendario (y cada año menos, este en especial), si que había pensado hacer referencia a algunos films del género relacionados de algún modo con ello.

Algo muy difícil si tenemos en cuenta que en estos días, y desde tiempo inmemorial, suelen primar las producciones taquilleras y para un público familiar, y los argumentos bienintencionados. Por cierto, ahora que hablo de estrenos en estos momentos del año, ¿Cómo puede gustarle a uno la Navidad si se aprovecha para estrenar un remake tan innecesario y fallido como Ultimátum a la Tierra, cargándose la obra maestra de Robert Wise en 1951 (de algunas películas no se deberían permitir nuevas versiones) y además, de forma totalmente oportunista en cuanto al argumento?.

Y una vez hecho este inciso, me vienen a la mente al respecto, por ejemplo, las fechas en que se sitúa la acción de Gremlins (1983), o Pesadilla antes de Navidad (1993), de un Tim Burton más inspirado que en los últimos años (¿estuvo este hombre inspirado alguna vez, en realidad?), el episodio And all through the house de Cuentos de ultratumba (1972), ya comentada al hablar de los films británicos de episodios de la productora Amicus y que se revisó en la posterior serie televisiva americana Tales from the crypt, basada en los mismos cómics), e incluso Inocentada sangrienta (1986), un slasher que acaba convertido en parodia de los mismos, pero cuyo título original es April fool's day, porque en el mundo anglosajón el día de los Inocentes, efectivamente, es en temporada primaveral.

Pero, sobre todo, Navidades Negras (1974), producción canadiense dirigida por Bob Clark, al que por cierto, ya es la tercera vez que menciono aquí (lo hice con la interesante Asesinato por decreto, al tratar el tema Sherlock Holmes y posteriormente con Children shouldn't play with dead things), y que fue pionera de los slashers, anticipándose a Viernes 13 o Halloween, sin que mucha gente sea consciente de ello.

El tema es que hace un par de años se hizo una nueva versión, manteniendo el título pero no tanto el argumento, y que pasó por cierto relativamente desapercibida, mereciendo mejor suerte dentro de lo que cabe. Y lo lamento especialmente por el protagonismo en ella de una de mis chicas favoritas de los últimos tiempos, Mary Elizabeth Winstead, la cual va bien encaminada para convertirse en una scream queen (Destino final 3, Death proof o esta misma son algunos ejemplos).

Como ahora mismo esto es lo más acorde a la temática que se me ha ocurrido por Navidad (mucho peores son seguramente cualquiera de los programas especiales que invaden la TV por estas fechas), aprovecho, pese a todo, para darles la felicitación de rigor, ya que dudo que Fan-cine fantaterrorífico retorne antes de 2009; eso si, lo hará con ilusiones renovadas y muchas reseñas de interés (como las publicadas hasta ahora, espero).

LOS MUNDOS ANIMADOS DE RALPH BAKSHI

2008-11-17T13:07:00.000-08:00

Ralph Bakshi ha sido uno de los autores que, desde un comienzo, intentó renovar la producción de cine animado norteamericano, teniendo en cuenta, además, que sus primeros trabajos coincidieron con la crisis que experimentó el género a partir de la segunda mitad de los 60.

Nacido en Palestina en 1938, cuando este territorio estaba bajo dominio británico, se trasladó de muy pequeño a New York con su famila, huyendo de la Segunda Guerra Mundial. Una vez graduado en la Escuela de Arte, comenzó rapidamente a trabajar en el mundo de los dibujos animados, coloreando personajes del popular estudio de animación TerryToons, entre ellos el famoso Super Ratón (Mighty Mouse), en la que fue la última y decadente etapa de estas producciones.

No obstante, el trabajo de Bakshi destacó tanto que la Paramount le contrató para encargarse de varios films de animación, como dibujante y director. En concreto dos cortos, Marvin digs y Mini Squirts, a partir de 1967, y el largo Fritz the cat en 1972, basado en los cómics de uno de los iconos underground, Robert Crumb, y seguramente uno de los primeros intentos, o el primero, de dibujos animados para adultos (llegó a obtener la calificación X en su momento, quizá por tratarse de un film de animación, pero lo considero exagerado). De cualquier forma, aunque Fritz... tuvo cierto éxito, Crumb renegó de la adaptación cinematográfica de su personaje (que incluso tuvo alguna secuela, ya sin la presencia de Bakshi), hasta el punto de dejar de dibujar al popular felino.

El éxito permitio a Bakshi realizar al año siguiente Heavy traffic, lo que supuso un cambio de registro también por el hecho de que, como haría posteriormente en El Señor de los Anillos, mezclaba imagen real con dibujos y la vieja técnica del rotoscopio, que consiste en dibujar sobre actores de carne y hueso filmados previamente. Este es el trailer.

Después siguieron un par de títulos menores, Streets fights y Wizards, para acometer el gran proyecto (coincidiendo con un renovado interés por la obra en aquel momento y una adaptación animada reciente de El Hobbit para TV), inicialmente previsto en dos partes, de The Lord of the rings, una adaptación que tenía en mente el director británico John Boorman en un solo film (!) y con personajes reales, pero este no llegó a un acuerdo con el propietario de los derechos, el productor Saul Zaentz.

La verdad es que se habló mucho de este film cuando se estrenaron las películas de Jackson, y no puedo añadir mas, pues daría para otro artículo. Hay una gran división entre los detractores y defensores. En todo caso, creo que sus defectos vienen de la innecesaria mezcla de animaciones, que a veces resulta arcaica y tosca para 1978, del problema de comprimir libro y medio en una película de dos horas (lo que hace que la acción vaya a salto de mata y todo ocurra de forma muy rápida y esquemática, complicando las cosas a los que no hayan leído el libro) y la caracterización de algunos personajes claves del libro resulta discutible.

En el haber me gustaría mencionar que Peter Jackson, que afirma desconocer la adaptación de Bakshi, creo que miente, pues se inspira descaradamente en ella en muchos momentos, como en el aspecto de los jinetes negros (no en el de los Hobbits, más fiel en la animación), en la utilización de un prólogo introductorio o en la supresión de los mismos pasajes del texto en ambos casos. Hay que destacar también de la versión de Bakshi la fidelidad a la novela y lo impactante de algunas secuencias.

El Señor de los Anillos resultó un fracaso mas relativo que real, ya que tuvo cierto éxito, pero los productores esperaban un impacto mucho mayor, en atención a la inversión realizada. Así que El Retorno del Rey acabó adaptándose dos años después con los mismos productores, pero en las manos de Jules Bass y Harry Rankin, comenzando la trama donde había acabado la anterior y enfocando el argumento a un público infantil, que la deja como una curiosidad casi desconocida incluso para los seguidores de Tolkien.

Despues de esto llegó otro titulo destacable aunque a nivel minoritario, American Pop, en 1981, que narraba la evolución de varias generaciones de una familia de músicos, y que incluía en la banda sonora temas que iban, entre otros, de Gershwin a Herbie Hancock, Bob Dylan, Jimi Hendrix, The Velvet Underground o The Doors.

Posteriormente, con Tygra, hielo y fuego (1983) trataba de seguir la pista perdida de El Señor de los Anillos, mezclada con la épica de cómics como Conan (de hecho, se hizo en colaboración con el dibujante Frank Frazetta, autor de numerosas viñetas fantásticas), en la que un héroe debe salvar a una princesa de un malvado que puede dominar el hielo.

A mi juicio, Tygra... supuso el canto de cisne del mejor Bakshi, ya que se enfrascó en una serie de productos menores, y el fracaso de Cool World (1991), planteada como una especie de versión adulta de ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (Who framed Rogger Rabbit, dirigida por Robert Zemeckis en 1988) y que no funcionó comercialmente ni artisticamente, relegó de forma definitiva al dibujante y realizador a un segundo plano.

Durante los últimos años, Bakshi ha seguido haciendo algunas cosas poco relevantes, como guionista y productor para la cadena HBO, pero valga este texto para reivindicar parte de la obra de este autor, que sin ser un Miyazaki, merece una cierta reivindicación de sus creaciones, todo lo contrario de lo que ocurre.

ALMAS DE METAL (1973)

2008-11-08T05:45:00.000-08:00

Estos últimos días nos ha sorprendido la noticia del fallecimiento de Michael Crichton (1942-2008), doctor en medicina, escritor, guionista y director de cine. Y como pensaba dedicarle antes o después un espacio a esta película, he pensado que era una buena idea hacerlo ahora, a modo de recordatorio de su creador.

Si bien la trayectoria de Crichton se ha movido casi siempre en todas sus facetas en ámbitos multitudinarios (es autor de las novelas, y en la mayoría de casos, también del guión, de La amenaza de Andrómeda, El Hombre Terminal, El gran asalto al tren, Esfera, Congo, Twister, El guerrero nº 13, Parque Jurásico o Sol Naciente, y director de películas como la que hoy nos ocupa o Coma) los resultados a nivel cualitativo no han sido, en la mayoria de los casos, brillantes.

Sin embargo, creo que Westworld (título original del film que comento) puede ser una excepción, pues sin ser una obra maestra y habiendo perdido algo con los años, me parece un producto recuperable e interesante, precedente claro de impactantes éxitos de la ciencia ficción ochentera, como la saga Terminator e incluso otra entretenida película dirigida por el propio Crichton, Runaway brigada especial (1984) con Tom Selleck y un divertido Gene Simmons, miembro del grupo Kiss, haciendo de malvado.

En Almas de metal, encontramos en cierto modo un precedente de lo que luego veremos en la saga jurásica, ya que la acción se sitúa en una especie de parque temático (en época futura, creo recordar, pese a las arcaicas pantallas monocromáticas de los ordenadores que se utilizan, que además funcionan con cinta) en la que se representan 3 etapas históricas: Imperio Romano, Edad Media y el Oeste Americano (¿es casual que sean los momentos mas representados por la industria de Hollywood?, ¿tal vez una metáfora de Crichton?), poblados por robots idénticos a los humanos, excepto un defecto en las manos que los diferencia.

Estos cyborgs están programados para obedecer en todo a los humanos; por ejemplo, en la zona del Western se programan incluso duelos con revólveres, donde la principal atracción es un autómata conocido como El Pistolero (interpretado por un excelente Yul Brynner, en una de sus pocas incursiones en el género fantástico), y en el que las personas siempre deben ganar.
Pero a lo largo de la película vamos comprobando que no es oro todo lo que reluce: poco a poco se van produciendo pequeños fallos donde todo se suponía que era perfecto, y los robots empiezan a rebelarse. En un duelo en la zona medieval, un visitante resulta muerto, y tras ello, los técnicos deciden cortar el suministro.

Entretanto, los dos protagonistas, interpretados por el posteriormente director Richard Benjamin y por James Brolin, son ajenos a lo que ocurre, ya que han tenido una pelea y se han emborrachado. Al despertar, el personaje de Brolin, que desconoce el cambio producido, reta a un duelo al Pistolero, con las fatales lógicas consecuencias, y a partir de ahí se produce una persecución al amigo superviviente a través del parque desierto, lleno de cadáveres de visitantes y robots desconectados, en la que el cyborg se muestra incansable y casi invulnerable.

Aún con sus defectos, se trata seguramente de uno de los mayores aciertos de Crichton, tanto en el texto como detrás de la cámara, y dio lugar a una secuela, Almas de Metal 2 (Futureworld, 1976) dirigida por Richard T. Heffron y sin Crichton tampoco en el guión, manteniendo diferencias argumentales con la original, pese a transcurrir en el mismo y ahora reconstruido parque y contar con una pequeña aparición de Brynner, resultando esta segunda parte un producto curioso (con la presencia de Peter Fonda, por ejemplo) pero con un corte casi telefílmico, y tan intrascendente como olvidable (y olvidada).

AMICUS FILMS O EL CINE BRITANICO DE EPISODIOS EN LOS 60 Y 70

2008-10-31T17:07:00.000-07:00

Durante los años 60, los norteamericanos Milton Subotsky y Max J. Rosenberg crearon en Inglaterra la productora Amicus Films, que se especializaría en cine fantaterrorifico, un género con el que ambos fundadores ya habían tenido contacto en su país de origen.

La principal característica de la Amicus, y aquello por lo que más se la recuerda hoy día, son las películas de episodios (de hecho, su primera creación ya iba en esa dirección y fue tal vez la mejor de ellas, Doctor Terror, dirigida por Freddie Francis en 1965), convirtiéndose en la competencia directa de la Hammer y llegando a contar con alguno de los actores y directores mas representativos de esa factoría británica, como el propio Peter Cushing, que ya protagonizó la anteriormente citada y repetiría en varias más de las que ahora vamos a hablar.

Pese a lo dicho, esta compañía también produjo varios ejemplos de películas de una sola pieza, aunque con resultados irregulares, como La carrera de la muerte (Gordon Hessler, 1969) o La bestia debe morir (Paul Annett, 1974). Por otro lado, también hay que destacar que se encargó de llevar a la pantalla grande por primera vez a la popular y más longeva serie de la ciencia ficción britanica, Doctor Who (que incluso ha generado spin-offs como Torchwood), en Dr. Who and The Daleks (1965) y Daleks - Invasion Earth 2150 AD (1966), ambas de Gordon Flemyng y de nuevo con Cushing como protagonista, siendo los únicos largometrajes basados en el personaje que se realizarían hasta muchos años después (con algunos problemas de producción, ya que el nombre de Amicus debió ser eliminado en una de ellas a solicitud de la compañía asociada, British Lion, debiendo crear la filial Aarus films).

Si me permiten un inciso para la reflexión, esto nos trae a la mente la habitual retroalimentación TV-Cine y más en un género como este, ya que algunas de las películas de las que vamos a hablar inspiraron seguramente posteriores producciones inglesas para la pequeña pantalla como Tensión (con guiones en algunos episodios de Robert Bloch, autor por ejemplo de Psicosis o de varios episodios de la serie Alfred Hitchcock presenta, y que escribió el libreto tambíén, además de otros largos de la Amicus, de The torture garden, la película que siguió, tres años después, la estela de Doctor Terror, o de The house that dripped blood y Asylum, en las que ahora profundizaremos), La casa del terror (Hammer House of horror) o Misterio (Hammer House of mystery & suspense), a las que dedicamos un buen espacio en su momento, y donde algunos de sus capítulos beben directamente en las fuentes de estas películas.
No podemos obviar el precedente de una serie televisiva como Viaje a lo desconocido, producida por la oponente Hammer que seguía la pista en las islas de la americana The twilight zone, de Rod Serling, con guiones en muchos casos de Richard Matheson.

Dando marcha atrás en el tiempo, los antecedentes más claros en el cine británico los podemos encontrar en una producción clásica de la Ealing como Al morir la noche (Dead of night, 1945), en la que prácticamente por primera vez, nos encontramos con una película de este tipo.
Hay una trama común, en este caso unos personajes que son reunidos en un caserón, donde deben contar cada uno de ellos una narración de corte sobrenatural, que constituyen los diferentes episodios en que se divide el film. Para terminar, como ocurrirá de forma habitual en todas estas producciones, se vuelve a la historia inicial, que sirve de nexo común, y, al igual que aquí, normalmente con una sorpresa final. La diferencia podemos hallarla en que en Dead of night se contó hasta con cuatro realizadores (Basil Dearden, Charles Crichton -que dirigió mucho después Un pez llamado Wanda-, Alberto Cavalcanti y Robert Hamer, eficaces profesionales pero no brillantes), mientras que de los productos Amicus se encargó un solo director. Por otro lado, Al morir la noche ha perdido la capacidad de sorpresa que tuvo en su momento, sobre todo para el aficionado al género, no obstante, por su condición de pionera y sobre todo por sus dos últimos relatos sigue siendo una película a tener muy en cuenta.

Volviendo al presente que nos ocupa, tras comenzar el subgénero con las mencionadas Doctor Terror y The torture garden, es en los 70 cuando se produce el apogeo de este estilo.

Estas fueron las producciones Amicus de episodios en esa década:

La mansión de los crímenes/ The house that dripped blood (1971): Como dijimos, cuenta con guión de Robert Bloch, pero la dirección del discreto Peter Duffell impide mejores resultados. Pese a todo, es un film correcto aunque, como todas estas películas, hay relatos con mejor nivel que otros, lo que a veces lleva a cierta irregularidad.
En el reparto, nos encontramos con habituales de estos films, como el inevitable Cushing, Christopher Lee o Denholm Elliott.
El escenario común es una investigación realizada en una vieja mansión acerca de unas desapariciones. En el primer episodio, Method for murder, un escritor imagina el personaje de un estrangulador que acaba existiendo en la vida real. En Waxworks, un hombre halla en un museo de cera una figura que se parece mucho a una mujer que amó en el pasado. El propietario de la exposición es en realidad un psicópata. En Sweets to the sweet, un padre tiene una hija problemática, y su nueva institutriz descubre que esto es debido a su afición al vudú, especialmente a un muñequito que es exactamente igual a su progenitor. The cloak trata sobre un actor que debe interpretar a un vampiro. Lo que no sabe es que la capa que ha comprado para llevar a cabo de su papel perteneció a un chupasangres auténtico, y empieza a notar cambios en su comportamiento. Tal vez esta sea la mejor de las historias.

Refugio macabro/Asylum (1972): De nuevo con guión de Bloch a partir de relatos suyos, esta vez la dirección corresponde a Roy Ward Baker, un artesano habitual de muchas producciones Hammer (especialmente la excelente ¿Que sucedió entonces? en 1967, y algunas del subgénero vampírico) y de numerosos trabajos para la TV. Una vez más, tenemos a Cushing como protagonista, esta vez acompañado de Herbert Lom, Patrick Magee, Britt Ekland, Charlotte Rampling o Barbara Parkins. El hilo conductor son las historias que cuentan un grupo de pacientes de un psiquiátrico al aspirante a suceder al antiguo director, el cual se encuentra camuflado entre estos narradores, teniendo que adivinar el sustituto su identidad para conseguir su plaza.
Los episodios son:
Miedo helado: Un marido infiel asesina a su mujer tras acordarlo con su amante, la descuartiza y guarda los trozos de su cuerpo en el congelador que le acababa de regalar. Pero las diferentes partes de su esposa cobran vida y empiezan a aparecer por la casa moviéndose dentro de su envoltorio.
El Sastre: Un hombre recibe el encargo de confeccionar un traje con una tela muy extraña, y de hacerlo sólo a determinadas horas, determinadas por la astrología.
Lucy viene para quedarse: Una mujer, tras pasar por crisis nerviosas, visita a su hermano, el cual le asigna una enfermera debido a su situación, cosa que a ella le molesta. Mientras, una amiga le informa que quieren deshacerse de ella.
Los muñecos del horror: Un neurocirujano, encerrado en el sanatorio mental, se ha especializado durante su estancia en crear maniquís a imagen y semejanza de sus colegas de profesión. Acaba haciendo uno igual a él, al que cree que puede dar vida con el poder de su mente y utilizarlo con fines vengativos.
Como suele ocurrir, la última historia quizá sea la mejor, lo que deja, por regla general, buen sabor de boca tras visionar estos films. Pero además, Refugio macabro puede ser la más acertada cualitativamente de todas las expuestas, pese a que las diferencias entre todas ellas no las considero sustanciales.

Condenados de ultratumba/ Tales from the crypt (1972): Aquí, Subotsky y Rosenberg pasan a adaptar los viejos comics terroríficos de la EC en los años 50, creados por Gaines y Feldstein, con todo lo que ello conlleva, ya que la presencia del humor negro se refuerza. Y además aciertan, pues con Tales... consiguen su mayor recaudación.
El encargado de la dirección es Freddie Francis, que repite tras Doctor Terror. El nexo común son unos personajes que llegan, siguiendo una guía turística, a una cripta donde el guardián (interpretado por el veterano Ralph Richardson, al que se añaden otra vez Cushing y Magee, más Joan Collins o Nigel Patrick, entre otros) les cuenta una serie de historias.
En And all through the house, una mujer desea asesinar a su marido la noche de Navidad. Al mismo tiempo, un psicópata disfrazado de Papa Noel se acaba de fugar. En Reflection of death, tal vez el mejor de todos los capítulos y donde se utiliza acertadamente el recurso de la cámara subjetiva, como en La Senda Tenebrosa (Delmer Daves, 1947), seguimos a una persona que ha sufrido un accidente de coche al abandonar a su esposa. Supuestamente recuperado del mismo, al intentar volver a su vida cotidiana nota cambios y extrañas reacciones en las personas con las que se va encontrando, incluidos sus allegados, motivados por algo que sabremos al final. En Poetic Justice, unos vecinos hacen la vida imposible a un anciano para que les venda su propiedad, provocando su suicidio. Wish you were here es una revisión de La pata de mono, famoso cuento de W.W. Jacobs. Por último, en Blind Alley los internos de un asilo para ciegos se vengan del maltrato de su nuevo intendente.
Francis, director no muy bien valorado, realiza un trabajo correcto en líneas generales, sin llegar al nivel de su anterior colaboración con la Amicus.

Cuentos de ultratumba/From beyond the grave (1973): En este caso el punto de partida son unos relatos de R. Chetwynd-Hayes, y el director encargado es el tan discreto como prolífico Kevin Connor, entregado desde hace mucho al medio televisivo de forma casi exclusiva.
El nexo común aquí es una tienda de antigüedades (cuyo propietario es ¿adivinan quien?, exacto: Peter Cushing) y cuatro objetos de la misma que obtienen unos clientes, pero de forma irregular, lo que dará pie a las consiguientes historias:
The gate crasher: Edward compra un antiguo espejo a menor precio del real, engañando al vendedor. Tras realizar una sesión de espiritismo con él, en la que se ve trasladado en el espacio y el tiempo, una noche le llaman desde dentro del espejo. Se trata de alguien no humano que habita en el interior del mismo, y deberá alimentarlo con la sangre de victimas de sus asesinatos.
An act of kindness: Christopher, un oficinista aburrido de su vida, traba amistad con un ex-militar que vende cerillas en la calle; para hacerse pasar por soldado, roba una medalla de la tienda. Esto le permite conocer a la hija del ex-combatiente y pensará en deshacerse de su esposa con ayuda de ella.
The elemental: Un hombre compra una cajita cambiándole el precio para pagar menos. En el viaje de regreso, coincide con una vidente en el tren, que afirma que el objeto comprado contiene un elemental, extraño ser que solo ella puede ver. Pero además le informa que este es de los malos, lo que puede poner en peligro su vida y la de su esposa.
The door: Un hombre compra una puerta carísima y al instalarla en su casa comprueba con sorpresa que, a través de ella, accede a una extraña estancia que contiene un libro y el cuadro de un caballero. Pero descubre que alguien habita ese lugar.
Junto a Cushing, figuran en el reparto David Warner, Donald Pleasence o Lesley-Anne Down.

La bóveda de los horrores/The vault of horror (1973): Nuevamente basándose en comics de la EC y otra vez con Roy Ward Baker en la dirección, llega la última producción Amicus de estas características y tal vez la menos interesante. De hecho, William Gaines, responsable de la editorial de comic books, rompió un contrato que tenía con la Amicus (en el cual habían acordado nuevos films inspirados en sus viñetas), disgustado por como había quedado la película.
Cinco personajes atrapados en un sótano dan pie a los episodios de turno: En el primero, Midnight mess, un hombre asesina a su hermana para quedarse con una herencia y después entra a un restaurante para celebrarlo. En The neat job, unos recién casados se instalan en su nueva casa y el marido se enfada porque cree que su esposa le cambia los objetos de lugar. En el tercero, This trick'll kill you, un mago asesina a una mujer para hacerse con una soga mágica de la India. Seguidamente, en el fragmento titulado Bargain in death, un hombre simula su muerte para cobrar el seguro, pero su falso cadáver es hallado por unos estudiantes de Medicina, que pretenden experimentar con él. Y en el quinto y último, Drawn and quartered, un pintor se venga de sus representantes pintando cuadros de ellos que, al ser destruidos, provocan también su muerte.
Sin Cushing esta vez, repite Denholm Elliott, que ya aparecía en La mansión de los crímenes, junto a Curd Jurgens o Dawn Addams.

En 1977 desapareció oficialmente la Amicus, pero Subotsky aún tuvo tiempo de crear la Sword and Sorcery Productions, que realizó un par de films en esta línea, The uncanny (Dennis Heroux, 1977) y El Club de los monstruos (The monster club), dirigida por Roy Ward Baker en 1980, y basada nuevamente en relatos de Chetwynd Hayes, que aparece además como personaje, interpretado por John Carradine, siendo mordido por un vampiro (Vincent Price), que al conocer su identidad le lleva a dicho club donde se le narran unas historias, destacando especialmente la tercera, Humgoo story, la única estrictamente terrorífica ya que el resto tiene un tono más bien paródico (De hecho, aparece un personaje llamado Lintom Busotsky, presentado como un "vampiro productor cinematográfico"). Pero, pese a ello y a los actores protagonistas, la película se pierde en su corte casi telefílmico y en unos números humorísticos y musicales (aparecen grupos como los Pretty Things y creo recordar que unos primerizos UB 40), quizá concesión a un público joven, que la dejan como una curiosidad inferior a sus precedentes.

Si bien Dan Curtis, especialista del terror de serie B y televisivo en los USA, ya había hecho algo similar en los años dorados de la Amicus, es en los 80, finiquitado el cine de terror británico de episodios, cuando los americanos toman el relevo, con películas como En los límites de la realidad (1983), en la que no me extiendo pues ya hablamos largamente de ella (al igual que de Curtis) en el amplio artículo que dedicamos a Matheson, Creepshow (George A. Romero, 1982), Creepshow 2 (Michael Gornick, 1987), Los ojos del gato (Lewis Teague, 1985) o El gato infernal (John Harrison, 1990), estas cuatro últimas muy relacionadas con el multimillonario escritor Stephen King, con resultados en la mayoria de casos al menos curiosos y entretenidos, pero que supusieron probablemente el canto de cisne de este estilo cinematográfico.

THE Z FILES: SLASHERS "SUI GENERIS" PARA LA VISPERA DE HALLOWEEN

2008-10-31T13:42:00.000-07:00

Antes que nada he de decir que, pese al título, no soy demasiado partidario de que una fiesta tan ajena a la cultura mediterránea como la de Halloween se haya apoderado a lo largo de los últimos años (por cuestiones únicamente mercadotécnicas e intereses comerciales creados) de estas fechas, hasta no hace mucho ajenas a calabazas y disfraces (y conste que uno no es precisamente un defensor de las tradiciones; aunque lo de representar Don Juan Tenorio en los teatros españoles en esta época siempre me llamó la atención). Pero si que aprovecho en cambio para, y siguiendo la pista del maestro John Carpenter (que dejó para la posteridad uno de los primeros y mas famosos slashers muy relacionado con este día), hacer referencia a una serie de películas de muy diverso pelaje (podían haber sido otras, pero me vinieron a la mente estas; otro año haré una nueva selección), caracterizadas por contener a unos psicópatas un tanto peculiares, e ideales para una sesión de cine esta misma noche, y que paso a referir ordenadas cronológicamente.

Ensayo de un crimen (La vida criminal de Archibaldo de la Cruz) (1955): Tengo cierto cariño por la etapa mexicana de Luis Buñuel, que para mi gusto es la mejor de su filmografía. Esta película funcionó bastante bien, contrariamente a lo que era habitual en otras producciones suyas, y pese a ser considerada por él mismo un entretenimiento, resulta de las mas divertidas e inquietantes que realizó. Basada en una novela de Rodolfo Usigli en la que se introdujeron cambios argumentales, sigue la pista, en tono algo paródico, de algunos films americanos que mezclaban suspense con elementos de psicoanálisis y que habían triunfado en la década anterior, como Luz que agoniza (Gaslight, de George Cukor, 1944) o Recuerda (Spellbound, dirigida por Hitchcock -la evidente relación entre el cine de Buñuel y el del maestro del suspense merecería un análisis- en 1945).

Archibaldo de la Cruz cumple las condiciones de muchos protagonistas del cineasta de Calanda: millonario, maduro y reprimido. Vive solo en una mansión, acompañado únicamente del servicio, y es aficionado a la alfarería. Un día se presenta ante un juez autoinculpándose del asesinato de varias mujeres. Ya cuando era pequeño, su institutriz, tras una discusión con él, murió a causa de una bala perdida cuando sonaba su caja de música. Una vez adulto, encuentra esa caja en una tienda, y al escuchar su melodía, resurgen nuevamente sus instintos criminales. Desea la muerte de varias mujeres, sobre todo si despiertan su deseo o le han engañado (como su propia prometida, mujer a la que admiraba por su pureza, tras descubrir que mantiene una relación a sus espaldas), pero estas víctimas potenciales suelen fallecer poco tiempo después por otros motivos, sin que él pueda intervenir, con lo cual el se siente culpable de esos hechos, por el simple motivo de haberlo pensado.
Como triste curiosidad, destacar que la protagonista femenina, Miroslava Stern, se suicidó al poco de finalizar el rodaje, siendo incinerada; y en una escena, un maniquí hecho a semejanza del personaje que interpreta (Lavinia, una modelo y guía turistica de gringos) es quemado en su horno por Archibaldo, al no poder consumar con ella ni su amor ni sus deseos homicidas. Al final de la historia, el juez, tras escuchar su relato, le dice a Archibaldo que no se preocupe por ello y una vez sale a la calle, tras perdonar la vida a un insecto demostrándose que se ha "redimido", se encuentra con Lavinia y ambos se marchan caminando felizmente, dando una nueva oportunidad a la vida.
Película bastante curiosa y recomendable, cuenta con una buena labor de los protagonistas, comenzando por Ernesto Alonso, que da vida al personaje principal y ya trabajó con Buñuel en Abismos de pasión (1953), su particular versión de Cumbres borrascosas.

A medianoche me llevaré tu alma/ A meia noite levarei a sua alma (1963): El director Jose Mojica Marins, no ha sido muy conocido hasta hace poco fuera de Brasil, pero sin embargo en su país es una institución. Os recomiendo dar un repaso a su curiosa biografía. Creador de un personaje, Ze do Caixao (Jose del Ataúd sería la traducción al español y es conocido como Coffin Joe en el mundo anglosajón) que ha dado lugar incluso a cómics o series de TV.
Ze es un enterrador, una especie de encarnación del mal, siempre con su traje negro, capa, chistera y barba, con uñas larguisimas que el propio Mojica Marins se dejó crecer de verdad durante años (se comenta que en una comparecencia publica, un seguidor le arrancó una creyendo que eran postizas), todos le temen y es capaz de las peores crueldades. Esta es su primera comparecencia en la gran pantalla: hay que decir que los presupuestos de sus producciones eran ínfimos y montó su primer estudio nada menos que en un gallinero. Para hacer este film empeñó todas sus propiedades.
Nada más empezar, aparece una hechicera que nos advierte para que no veamos la película y que mejor nos vayamos a casa. Los que decidan verla, se encontrarán con el gore mas delirante, casi pionero, pues se trata de una producción de 1963, donde tantas dosis de sangre y vísceras aún no eran habituales. La excusa argumental (Ze do Caixao busca una mujer para perpetúar su maldad con un descendiente, ya que su esposa es estéril) no es demasiado relevante, como en ninguna de sus creaciones.
Mojica Marins continuó con su alter ego en Esta noche poseeré tu cadáver (1967) o Delirios de un anormal (1970), que hace honor a su título.

El asesino del taladro/ Driller Killer (1979): Abel Ferrara, director algo sobrevalorado, es otro realizador de la escuela neoyorquina que podría ser una version degradada de Martin Scorsese. En realidad, las temáticas de sus primeras películas no difieren mucho, con la diferencia que en Driller Killer se opta por una estética feísta y desagradable que trata de impactar al espectador menos avezado (con exceso de violencia y efectismo) y que será una constante en su carrera (que incluye una versión de La invasión de los ladrones de cuerpos) a veces más lúcida, pero ahora en decadencia. Aquí, además, Ferrara asume el papel de actor protagonista, aunque con el seudónimo de Jimmy Laine.
Ferrara/Laine incorpora a un pintor que tiene problemas para acabar un cuadro que espera sea su obra maestra (tal vez un reflejo del propio autor), debido a múltiples problemas: sus compañeras de piso no pagan su parte, tiene de vecinos a una banda de punk que no paran de armar ruido y bronca (hay que tener en cuenta que es la epoca del apogeo de este sonido en N.Y., del club CBGB, de The Ramones, Blondie, Talking Heads, Television... la ciudad debía ser un hervidero de nuevos sonidos y grupos en aquel momento), y demás perturbaciones varias.
Un día, en un programa tipo Teletienda, observa el anuncio de un taladrador y piensa que puede ser una solución a su falta de inspiración. Asi que comenzará una especie de limpieza de la ciudad, de los que él considera responsables, un poco al estilo de Travis Bickle, el personaje de Robert De Niro en Taxi Driver (1976), pero con tonos mas gore y sucios, si bien se plantea muchas veces como algo que puede estar en la mente del protagonista. A mi juicio, resulta pretenciosa y discutible, y ha tenido un remake en 2008 que no conozco.

Burning moon (1992): Si han llegado hasta aquí y aún quieren mas, cerraremos con algo de Olaf Ittenbach, uno de los mas célebres practicantes de ese subgénero llamado gore alemán, y que tuvo escasos momentos de mucho éxito, fundamentalmente, si la incluimos ahí, la saga Nekromantik, de Jorg Buttgereit.
Ittenbach, que empezó con 20 años a hacer el gamberro con Blackpast (1989), de producción casi casera, y que perpetró con posterioridad cosas como Premutos (Premutos, der gefallene Engel, 1997), realizó entre ambas esta, su segunda pelicula y quizá su obra más conocida.
En ella, un joven heroinómano que se queda una noche al cuidado de su hermana pequeña, decide contarle dos enternecedoras historias:
En la primera, una chica descubre que su novio es un psicótico cuando le invita a casa y se carga a su familia.
La segunda narra la historia de un sacerdote fanático que secuestra y sacrifica jóvenes, para supuestamente, salvar almas.
Si han visto alguna de las películas de Ittenbach, ya saben lo que les espera en cuanto a excesos fundamentalmente hemoglobínicos.

Feliz noche.

LEMORA, UN CUENTO SOBRENATURAL (1973)

2008-10-08T08:29:00.000-07:00

Hoy voy a dedicar un breve y modesto recuerdo a una película poco conocida en España y menos aún recordada, pero que contiene suficientes elementos para ser elevada a la categoría de cult movie. A diferencia de otros films de los que hablo aquí, no tengo un recuerdo reciente de ella, más bien todo lo contrario, por lo que en este caso solo daré breves apuntes, pero me parecía lo suficientemente importante para dedicarle este espacio.

Su titulo original era Lemora, a child's tale of the supernatural, aunque en algunos países se conoció como Lemora, poseída del diablo e incluso Lemora, Lady Dracula.

Su realizador, Richard Blackburn, no dirigió más películas (únicamente algunos episodios de la serie Tales from the darkside), y este hecho sorprende viendo los resultados de su ópera prima. Además fue autor del guión de la curiosa ¿Y si nos comemos a Raul? (Paul Bartel, 1982).

Básicamente lo que aquí se plantea es el enfrentamiento entre el bien absoluto, encarnado en la virginal adolescente Lila Lee (Cheryl "Rainbeaux" Smith), cantante en el coro de la iglesia local y Lemora (Lesley Gilb), una vampiresa que ejerce el papel de polo opuesto, con todo lo que ello conlleva.

Por cierto, la mencionada actriz protagonista, Cheryl Smith, falleció prematuramente en 2002 por problemas con las drogas que ya venían de muy atrás, mientras que Lesley Gilb no volvió a hacer cine nunca más. Esto unido a lo antes comentado acerca del director y a los problemas de censura y distribución que tuvo Lemora, la convierten en un producto con un aura de malditismo que refuerza aún más su carácter de producto singular.

La trama argumental nos presenta a la mencionada Lila Lee, que ha sido criada por el párroco local (que siente por ella algo a medio camino entre la admiración por su virtud y cierta fascinación reprimida), ya que su madre fue asesinada por su padre al hallarla con su amante, y como consecuencia de ese acto, huyó del lugar.
En su fuga, llegó al pueblo de Asteroth (significativo nombre), donde unos vampiros salieron a su encuentro.

Años después, Lila recibe una carta presuntamente de su progenitor, que le solicita que acuda para recibir su perdón en el lecho de muerte. En el viaje, tras toparse con extraños personajes, se repite la misma circunstancia que ocurrió años atrás, y tras ello, la joven aparece en casa de Lemora, que dice ser la anfitriona del lugar.

Llegados a este punto, nos encontramos con extrañas situaciones y amenazas, añadiéndose a ello los trucos y trampas que Lemora utiliza para pervertir la virtud de la joven y corromper su alma, atrayéndola al mal. Algo que nos recuerda la esencia de cuentos como Blancanieves, Caperucita Roja, Alicia a través del espejo o a la trama de películas posteriores como En compañía de lobos (Neil Jordan, 1984).

Aunque inicialmente la natural bondad de Lila le hace confiar en Lemora, pese a saber que se encuentra ante un ser maléfico y sobrenatural, luego las cosas cambiarán, derivando a un extraño final.

Nos encontramos, pues, ante una metáfora de la perdida de la inocencia y un viaje iniciático, un cuento macabro pero extrañamente bello, con unas excelentes ambientación y fotografía, plena de lenguaje simbólico y oscura poesía.

No encontré un trailer de la película, pero sí este video con imágenes de la misma, que me sirve como cierre de esta reseña.

LA TORRE DE LOS 7 JOROBADOS (1944)

2008-10-08T08:13:00.000-07:00

La verdad es que desde la primera entrega de Fan-cine fantaterrorífico no había vuelto a hablar de ninguna película anterior a los años 60, y considero que este era el momento para ello, pues además, La torre de los 7 jorobados supone una agradable rareza dentro de la historia del cine español, y más teniendo en cuenta la época en que fue rodada.

Su director, Edgar Neville (1899-1967), fue uno de los artistas mas multidisciplinares y polifacéticos (pintor, escritor, dramaturgo, realizador...) en la España del siglo XX. De origen aristocrático y padre inglés, tras estudiar derecho y llegar a estar incluso alistado en los húsares del ejercito (donde duró poco por cuestiones de salud), se relacionó con la intelectualidad española y con varios miembros de la generación del 27, aunque cuestiones de tipo ideológico y el dedicarse fundamentalmente al género humorístico y cinematográfico han hecho que no se le incluya entre sus miembros.
Estuvo muy vinculado a la localidad valenciana de Alfafar, donde pasó gran parte de su infancia viviendo en el palacete de los Romrée, su familia materna, lugar en el que hoy se incluye un museo a su nombre.

Tras esta primera etapa, decide dedicarse a la diplomacia, y destinado en Estados Unidos, conoce a mucha gente de la industria cinematográfica, entre ellos Charles Chaplin, llegando a realizar incluso una pequeña aparición en su film Luces de la ciudad (City lights, 1931), siendo contratado por la MGM como guionista y dialoguista.

Una vez de retorno a España, fue uno de los primeros cultivadores del cine de género en nuestro país, lo que hasta los años 60 fue una rara avis, realizando hasta tres películas que cabría destacar: La vida en un hilo (1945), El crimen de la calle Bordadores (1946), en las que tocó el fantástico y el negro, respectivamente, y la que hoy nos ocupa.

Algo olvidada y minusvalorada, La torre... destaca sobre todo por las influencias explícitas, en el aspecto estético, del expresionismo alemán, y por un argumento que aúna terror, fantástico, policíaco, aventuras, folletín, cine de época y un cierto tono casticista propio de las producciones nacionales de la postguerra (no olvidemos que el teatro inspirado en el sainete era un género muy cultivado en aquel momento, tanto por el propio Neville como por autores próximos a él, como Mihura o Jardiel Poncela).

Basada en una novela de Emilio Carrere, aunque con cambios respecto al texto original, se sitúa en el Madrid del siglo XIX y trata de un perdedor, Basilio, interpretado por Antonio Casal, que mientras trata de cambiar su suerte (creo recordar que jugando en un casino) se topa nada menos que con el fantasma de un hombre tuerto que se materializa ante un espejo.
Dicho espectro pertenece al misterioso Robinson de Mantua, que tras demostrarle su origen ultraterreno haciéndole ganar en la ruleta, le conmina a investigar una conspiración criminal que realizan siete jorobados al mando de un siniestro doctor, en una especie de ciudad subterránea en el mismo corazón de la capital, a la que se accede a través de una antigua sinagoga.
Ahí también hallará a un extraño arqueólogo que al parecer reside allí investigando. Estos jorobados fueron responsables del asesinato de Mantua, y mantendrán secuestrada e hipnotizada a la sobrina de este, Inés, papel al que da vida Isabel de Pomés, una de las actrices mas bellas del cine español de aquellos años, de la cual el protagonista está enamorado.

Lo mejor es esa combinación de diferentes elementos y el hecho de ser un producto ajeno al cine de la época (e incluso al que se realizaría en años muy posteriores), así como los decorados de la guarida de los jorobados, para los cuales se contó con profesionales alemanes que habian trabajado en el cine expresionista de los años 20.

Sólo por cosas como esta merece la pena reivindicar la película, aunque en otras cuestiones adolezca de cierta ingenuidad o de tics propios de cualquier film español de aquellos años, recurriendo al inevitable happy end, reflejo de las influencias del cine hollywoodiense donde comenzó Neville.

DOSSIER: CINE DE ZOMBIES ENTRE 1968 Y 1974

2008-09-30T09:05:00.000-07:00

Recientemente se cumplieron 40 años del inicio del cine de zombis moderno, con La noche de los muertos vivientes (Night of the living dead, 1967) de George A. Romero. Tal vez con permiso de Plaga de Zombies (John Gilling, 1966), la película de la Hammer, pero ésta en realidad seguía la pista de los clásicos sobre el tema que dirigió Jacques Tourneur en los años 40, presentando los zombis al estilo haitiano y con un concepto del terror clásico y gótico.
Sin embargo, la segunda parte de La noche... se haría esperar hasta 11 años, cuando el maestro del giallo Dario Argento puso el capital necesario para el rodaje de Zombi (Dawn of the dead, versioneada nuevamente en 2004).

Así que voy a hacer un repaso, en algunos casos escueto (ya que algunas merecerán en su momento un hueco en la sección The Z Files), de las películas del subgénero rodadas en los años siguientes, deteniéndome en 1974 (otro día quizá llegue mas lejos, aunque la proliferación de estos títulos en los 80 lo hace casi imposible por motivos de espacio), pues en ese año se estrenó la que entiendo primera secuela española específica de la película de Romero.

Intentaré saltarme films de episodios en los que alguno de ellos trata el tema, como la británica Condenados de ultratumba (Tales from the crypt), dirigida por Freddie Francis en 1972 y basada en los cómics de la EC) o aquellas que incluyen seres de características afines.
Tal vez no están todas las que son pero son todas las que están.

Astro Zombies (1968): Dirigida por Ted V. Mikels. Un típico producto a medio camino entre las series B y Z que pretende conjugar elementos de ciencia ficción y el floreciente cine de zombis. A destacar únicamente la presencia de unos jóvenes David Carradine y Lance Henriksen.

La noche del terror ciego (1971): Inicio de una trilogía española (con leve participación portuguesa) dirigida por el gallego Amando de Ossorio, que se continuaría en El ataque de los muertos sin ojos (1973) y La noche de las gaviotas (1975). No sabía si incluirla aquí, pues merecería capítulo aparte y seguramente lo tendrá. Pero leí que el titulo previsto fue modificado por asemejarlo a la película de George A. Romero, así que pensé que se quiso de algún modo relacionar con ella.
Con influencias de las leyendas de Bécquer, en especial El Monte de las Ánimas y El miserere, la trama transcurre en la imaginaria y abandonada localidad de Berzano, en la que unos antiguos monjes templarios fueron sacrificados por practicar cultos satánicos y sus cuerpos expuestos publicamente, siendo sus ojos comidos por los pájaros. Ahora, sus cadáveres momificados resucitan localizando víctimas a través del oído (algo absurdo porque tampoco tienen orejas) para continuar con sus sacrificios.
El film de Ossorio cuenta con las para la época inevitables escenas de destape y en ella podemos destacar, desde el aspecto visual, la imagen de los monjes sobre sus caballos cabalgando a cámara lenta. En realidad podríamos hablar de tetralogía porque aparte de las tres mencionadas, El buque maldito (1973), del mismo director, se mueve en un argumento similar.

Virgen entre los muertos vivientes (1971): El prolífico (más de 200 películas) Jesús Franco (también Jess Franco, Jess Frank, Clifford Brown, John O'Hara, Preston Quaid o el que prefieran de sus múltiples seudónimos) abandonó el cine de género de cierta seriedad y valor que practicaba en sus comienzos, con ejemplos como Gritos en la noche (1962), e incluso Las vampiras (Vampyros lesbos, 1971) para adentrarse cada vez más en los terrenos de las coproducciones de terror de serie Z y el softcore, juntando ambos o por separado. Aquí tenemos uno de los ejemplos.
De la trama argumental mejor no hablar, pero si conocen la prolífica obra de Jess ya saben lo que les espera y hasta lo pueden pasar bien. Son muchos los que valoran su particular universo, y no seré yo quien los contradiga.
También conocida como Christina, princesse de l'erotisme, La noche de las estrellas fugaces o incluso Zombi 4: virgin among the living dead (suponemos que en aquellos países que se estrenara con retraso, pues no tiene relación con ninguna saga zómbica) ,fue coproducida entre Francia, Italia y Liechtenstein.

La rebelión de las muertas (1972): Otra propuesta demencial, en este caso de otro dúo fundamental en el cine de terror más underground en lengua española. El director argentino León Klimovsky y el actor Paul Naschy (Jacinto Molina), aquí además interpretando varios papeles, entre otros el de demonio o a un místico hindú que investiga un caso extraño a requerimiento de la protagonista.
También conocida como Vengeance of the zombies, la trama (por decir algo) mezcla muertas vivientes (si, lo escribí bien, solo de género femenino), vudú, un asesino enmascarado al estilo de Fantomas o de las primeras películas del giallo, e incluso una chica cubierta de oro como en James Bond contra Goldfinger (Guy Hamilton, 1964).

La noche de los muertos vivientes 2/Children shouldn’t play with dead things (1972): Pese al título con que se estrenó en España, no tiene nada que ver con la trilogía de Romero.
Bob Clark, director que ya apareció al referirme a Asesinato por decreto, y que igualmente produjo Deranged (Jeff Gillen-Alan Ormsby, 1974), pero que también filmó cosas tan infumables como la saga Porky's, realizó este film casi amateur, pleno de nombres desconocidos, y que podemos inscribir sin pudor en el inframundo de las series Z.
Un grupo de actores, junto con su tiránico director, desentierran un cadáver en un cementerio y realizan un ritual de resurrección, que inicialmente creen fallido, pero desde luego no es así, e imaginemos lo que viene después.
Un título para olvidar, solo para muy fanáticos y curiosos del género. Por cierto que la serie Sobrenatural tituló así un episodio de su segunda temporada, suponemos que a modo de homenaje.

La venganza de los zombies/Sugar Hill (1974): El género blaxplotation también tuvo su vertiente terrorífica y versioneó todos los temas clásicos del género, aunque con resultados tan malos como poco recordados. Ahí están ejemplos como Blacula (William Crain, 1972) y sus continuaciones.
El turno para el cine de zombies (los que aquí aparecen, con bastantes telarañas o algo similar) llegó con esta olvidable película, dirigida por Paul Malansky, que, sin embargo, era nombrada en Pulp Fiction (Q. Tarantino, 1994) donde además, el personaje de Samuel L. Jackson tenía una estética inspirada en la del protagonista de la presente.

No profanar el sueño de los muertos (1974): Cierro el repaso con esta coproducción hispano-italiana rodada en la ciudad inglesa de Manchester, y dirigida por Jorge Grau, realizador con una curiosa filmografía que incluye desde alguna otra aproximación interesante al cine de género, como Ceremonia Sangrienta (1973) sobre la vida de la Condesa Bathory, protagonizada por Lucía Bosé, hasta cine de trasfondo político o las inevitables concesiones al destape de la época, como La trastienda (1976).
Muy influenciada por Night of the living dead (la aparición del primer muerto viviente es casi calcada), está algo lastrada por un ritmo lento y por un flojo guión con una excusa pseudo-ecologista, ya que las resurrecciones son provocadas por una máquina para el control de plagas que utiliza el Ministerio de Agricultura, pero que justifica débilmente otras cosas que ocurren, así como ingenuas visiones de la drogadicción o la presencia de un protagonista de estética tardo-hippy y reivindicativa (que alerta de lo que está pasando pero nadie le escucha).
Como es habitual, cuenta en el reparto con actores de prestigio en horas muy bajas, como el secundario del cine americano de los 40 y 50 Arthur Kennedy, o en menor medida, Ray Lovelock. Buenos efectos de maquillaje del italiano Giannetto de Rossi, un habitual de estas películas.
También conocida (según paises o ediciones videográficas) con los títulos: Don’t open the window, The living dead at the Manchester morgue, Fin de semana para los muertos o Let the sleeping corpses die. Premiada en Sitges.

EL VOLAR ES PARA LOS PAJAROS (1970)

2008-09-22T13:29:00.000-07:00

Robert Altman (1925-2006) es uno de los directores mas personales del cine estadounidense de los ultimos cuarenta años, y más si tenemos en cuenta que se trata de un realizador que nunca ha trabajado al margen de la industria. Pese a ello, ha dotado de un sello personal a todas sus películas, muchas veces caracterizadas por tener una composición coral, con múltiples personajes que interactúan a la vez, y además, moviéndose en géneros cinematográficos muy variados.

Brewster McCloud (título original de El volar es para los pájaros, que hace referencia al nombre del protagonista), es un curioso experimento que llegó tras el gran éxito de su anterior trabajo, M.A.S.H. (1970), y que provocó que fuera incomprendida por muchos, pero es una de mis favoritas de este realizador, y puedo decir que soy de los que valora mucho su trayectoria.

En el fondo, es una fábula sobre el deseo de libertad y de ser diferente. Pero la forma de presentarlo, si ya de por si es atractiva en Altman, resulta aquí fascinante, con la introducción de varios elementos del cine de género, y múltiples situaciones que remiten al fantástico, a las películas de psycho-killers (con la consiguiente investigación policial) o al cómic, tamizado con el habitual humor negro del director.

Brewster McCloud es un joven que vive en una especie de búnker bajo el Astrodome de Houston. Su idea es ser capaz de volar por si mismo, y para ello está enfrascado en la construcción de unas alas artificiales, las cuales, tras muchos estudios, deben permitirle conseguir su objetivo.

Paralelamente a esto, se están produciendo una serie de muertes en las cuales, junto a los cadáveres, aparecen excrementos de pájaro. Todas las victimas están vinculadas de algún modo con Brewster, lo que le convierte en el principal sospechoso.
Al mismo tiempo, aparecen varias mujeres en torno a su vida. Una de ellas es una misteriosa chica llamada Louise, que le asesora y anima en su labor. En una escena del film en que vemos su espalda desnuda, observamos dos cicatrices en el lugar donde debían haber estado las alas, con lo que se nos viene a decir que en realidad es algo así como una mujer pájaro o un ángel caído (por cierto, si se me permite el spoiler, ella es finalmente la autora de los crímenes). Y, por otro lado, una joven guía del edificio, Suzanne, la cual le hace dudar de seguir adelante con su idealista objetivo.
Mientras, un detective, interpretado por el actor Michael Murphy, llega desde San Francisco para hacerse cargo del esclarecimiento de los asesinatos. Este personaje es una parodia del que hace Steve McQueen en la entonces reciente Bullitt (1968), y de hecho se incluye una persecución automovilística similar a las de dicho film.

Junto a actores algo más consolidados como Sally Kellermann (Louise), Margaret Hamilton (que fue la bruja mala de El mago de Oz), el mencionado Michael Murphy o un irreconocible Stacy Keach, quiero destacar a varios jóvenes del reparto.
Sobre todo, a la aquí encantadora y jovencisima Shelley Duvall (como Suzanne), que debutó en el cine con este papel, y que en los años sucesivos volvería a repetir en varias películas de Altman. Bud Cort es el protagonista, y aunque tendría un papel destacado en la inmediatamente posterior Harold & Maude (1971), pasó al olvido con celeridad. Y por último, a Jennifer Salt, a la que veríamos poco después en otra película de culto del género, como Hermanas (Brian de Palma, 1972), y que hoy en día se dedica a escribir guiones para series como Nip/Tuck.

Finalizo con un par de curiosidades que contiene la película.
En primer lugar, el film es introducido por una especie de profesor de ornitología, interpretado por el actor René Auberjonois (de hecho, sus primeras palabras sustituyen al rugido del león de la Metro), que imparte una clase o conferencia sobre pajaros, continuando con ello entre escena y escena, mientras se transforma progresivamente en ave.
Y por otro lado, me gusta mucho la originalidad del final, en el cual (y pido disculpas por este otro spoiler), junto al cadáver de Brewster McCloud, que yace en el suelo tras haber fracasado en su intento de huir volando de la policia, desfilan los actores disfrazados como componentes de un circo, mientras son presentados uno a uno por sus nombres reales.

Aquí está el trailer y alguna escena suelta que incluye el mencionado final. Esta inclasificable rareza resulta muy difícil de hallar en DVD, al menos en España.

MIS FAVORITAS RECIENTES: CODIGO 46 (2003)

2008-09-12T00:56:00.000-07:00

Antes de empezar, he de decir que, pese a incluir Código 46 en esta sección periódica de Mis favoritas recientes, esta me parece una película de resultados relativamente, e incluso notablemente, decepcionantes.

¿Porqué, pues, decido dedicarle este espacio? Los motivos son varios: las expectativas que me creó a priori este film, así como su punto de partida, me parecen muy interesantes, y el género de ciencia-ficción lo tengo un poco abandonado en este Fan-cine fantaterrorífico, que, por su nombre, requiere también un espacio para el cine fantástico.
Por otro lado siempre dije que quería alternar artículos sobre temáticas más distendidas, con otros dedicados a producciones de mayor regusto cinéfilo; y últimamente me estoy inclinando más por lo primero, con lo cual debo equilibrar la balanza.
A ello hay que añadir que, recientemente, algún canal televisivo la ha proyectado en versión original con lo que he podido revisarla.
Y por último, influye que el realizador de Código 46 sea el británico Michael Winterbottom, uno de los directores relativamente de última hornada que siempre ofrece algo interesante, aún moviéndose en temáticas muy diversas, y que además situó esta producción prácticamente entre dos títulos de su filmografía con temática muy relacionada con la música (mi otra gran pasión confesa): 9 songs (2004) y, especialmente, 24 hours party people (2002), resumen dramatizado de la escena musical de la ciudad de Manchester desde finales de los 70 hasta mediados de los 80, a través de los ojos del personaje del productor y periodista Tony Wilson.

Entrando en materia, en Código 46 podemos hallar ciertas reminiscencias con Blade Runner (1982), empezando por el hecho de tratarse de un thriller ambientado en un futuro que se plantea de una forma no muy amable: la destrucción de la capa de ozono hace que las actividades cotidianas se trasladen a la noche, mientras se duerme de día, y además se ha desertizado gran parte del planeta, lo que ha provocado superpoblación en las grandes ciudades y en las zonas más fértiles. Esto también conlleva a una masiva mezcla de culturas que se traduce incluso en la utilización de una mixtura de lenguas a la hora de hablar (algo más apreciable en la versión original).
Pero también produce que acceder a las grandes urbes esté muy controlado, hasta el punto de requerir unos visados muy difíciles de conseguir. Se han generalizado una especie de virus o pastillas que generan o permiten determinados comportamientos: desde leer la mente de una persona a rechazar el contacto físico, igualmente, la clonación es algo muy extendido, lo que genera una serie de conflictos morales.

En este escenario, nos encontramos con una historia propia del cine negro. Un detective debe investigar la producción fraudulenta de estos visados para acceder a las superficies habitadas. Lo que ocurre es que se enamora de la chica responsable de estas falsificaciones (otra similitud con Blade Runner: el enamorarse de la mujer equivocada).

Hasta aquí todo perfecto. ¿Dónde falla, pues, Código 46?
En mi opinión, en varios aspectos: parece que los elementos fantásticos son excusa para centrarse en la historia amorosa o en situaciones y reflexiones más personales de los personajes. La narración adolece de ritmo y garra, y, a mi juicio, la pareja protagonista, Tim Robbins y la británica Samantha Morton, carece completamente de química. En el caso de él, parece fuera de lugar en todo el metraje, mientras que ella, pese a ser una estupenda actriz, y a que poco antes ya había tenido un papel preponderante en otro film fantástico, Minority report (Steven Spielberg, 2002), ni encaja como femme fatale ni como mujer perturbadora.

No obstante, pese a la frialdad del resultado final y otras cuestiones, merece ser revisada.

LOS DERIVADOS DE LOS GREMLINS

2008-09-11T07:34:00.000-07:00

No creo, ni siquiera para los menos iniciados en el cine fantástico y de terror, que una película como Gremlins necesite presentación.
Dirigida por Joe Dante, que ha firmado en los últimos 30 años unos cuantos títulos que se han convertido en pequeños clásicos de un género en el que siempre se ha movido, esta historia de un chaval al que su padre le regala un extraño pero encantador ser, con el que hay que cumplir tres reglas (cosa que no sucede, lo que trae funestas consecuencias), se vendió en su momento como un producto infantil o familiar, pero considero que no lo es en absoluto (hay que decir, de cualquier forma, que la mano de Spielberg contribuyó a suavizar el guión, inicialmente con alguna escena algo más contundente), y, seguramente, ya forma parte de la imaginería de varias generaciones.

El gran éxito que tuvo no solo generó la correspondiente continuación, sino que además, y de eso quiero hablar aquí (ahora que se cumplen 25 años de su estreno), llenó los cines de varias criaturas de corte similar y de comportamientos, al igual que en este caso, nada recomendables.

Así pues, no hubo que esperar mucho, apenas un año, para que en 1985 llegara a las pantallas Ghoulies, dirigida por el intrascendente Luca Bercovici. Esta historia, que se mueve claramente por los senderos de la serie B, podríamos incluirla dentro del género de terror con elementos del tipico slasher, aunque enfocado para adolescentes, y cuyos elementos humorísticos se harán más patentes en sus continuaciones que en su primera entrega.

Aquí todo transcurre en una mansión que ha heredado un joven de su tío, un famoso satanista, y decide inaugurar la misma invitando a sus amiguetes, tratando de sorprenderles positivamente reproduciendo una serie de rituales como los que hacía su siniestro familiar, lo cual ha descubierto husmeando en algún libro de los que guardaba.
Pero el pretendido hechizo no resulta según lo previsto, y lo que sucede finalmente es que convoca a estos seres del título, que pretenden un baño de sangre con los presentes para abrir las puertas del infierno y, de este modo, conseguir el retorno de su antiguo amo.
La verdad es que la aparición de los dichosos ghoulies se hace esperar, y además resulta decepcionante, en un producto que quizá pretende parecer mas serio de lo deseable, siendo los resultados mas bien tópicos, aburridos y llenos de los mismos tics de cualquier película similar de aquel momento.
No sé si siendo benévolos podría resistir hoy día una revisión desprejuiciada.

Lo peor es que los Ghoulies tuvieron hasta tres secuelas, aunque ya en un tono mucho mas paródico, lo cual no sabemos si fue mejor: Ghoulies II (1987), en la cual la arman en una feria, Ghoulies III (1989), en donde son convocados para hacerle la pascua a un malvado profesor, e incluso una infecta cuarta parte en 1994, dirigida por Jim Wynorski, un habitual de este submundo cinematográfico, y que de la original solo mantiene el nombre, puesto que (aunque se recupera al protagonista de la primera entrega) los mencionados Ghoulies no aparecen por ninguna parte: sólo un par de enanos disfrazados, que no sabemos que pintan ahí, ocupan su lugar.

Siguiendo con esta relación de herederos de los Gremlins, en 1986 se estrena Critters, dirigida por Stephen Herek, un gris realizador de cine comercial, y claramente a medio camino entre la ciencia-ficción y el humor, cuyos detalles nos indican que estaba fundamentalmente dirigida a un público adolescente y juvenil.

Los Critters son unas criaturas extraterrestres que han llegado a la Tierra tras huir de una prisión espacial, son seres que poseen un voraz apetito que les hace comerse todo lo que pillan a su paso, y además, esto implica que van creciendo de tamaño (algo que solo ocurre en la primera parte).
Finalmente llegan a una casa rural habitada por la correspondiente unidad familiar, los cuales deberán hacerles frente, siendo el hijo el principal heroe de la historia, con la colaboración de dos cazarrecompensas intergalácticos que pueden cambiar de aspecto según el planeta al que vayan.

Con la presencia en el reparto de nombres habituales tanto en el cine mainstream como en la Serie B (M. Emmet Walsh, Dee Wallace Stone, Billy Zane), Critters es un producto intrascendente y por esto mismo resulta simpática en su primera parte, degradándose en sus tres posteriores secuelas, de las que podemos destacar que la primera de ellas corrió a cargo de Mick Garris, director de algunas adaptaciones de Stephen King (destacando el telefilm Sonámbulos en 1992) y responsable de reunir a algunos de los más importantes directores del género en los ultimas tres décadas en la irregular serie televisiva Maestros del terror (Masters of horror), en la que se reservó la dirección de algún episodio, con poca fortuna.

Este lamentable y muy ochentero cartel de aquí arriba, corresponde al último de los productos post-Gremlins de los que voy a hablar, y al menos para mí (y creo que en España en general) el que tuvo menos difusión.

Se trata de Munchies (1987), dirigida en esta primera parte por Bettina Hirsch, y que no se aparta demasiado de lo dicho para las anteriores películas.

En este caso, un arqueólogo y su hijo presuntamente adolescente, se encuentran investigando unas ruinas en Perú (en realidad se rodó a las afueras de Los Angeles), tratando de encontrar alguna conexión entre las civilizaciones precolombinas y los alienígenas, y, dentro de una gruta con extrañas inscripciones hallan a un pequeño ser, que suponen un extraterrestre.
Deciden llevárselo a casa, pero por una negligencia del hijo mientras se encarga de su custodia, es secuestrado por su malvado tío y el hijastro de éste.
Cuando el munchie va a escapar de sus captores, es partido en dos, pero lo que sucede es que en vez de morir, se reproduce.
Lógicamente, estos seres empezarán a multiplicarse y causar estragos, mostrando especial predilección por la comida rápida y las cervezas. O sea, más de lo mismo.

Hubo dos continuaciones, la última de ellas en 1994, y cabe destacar que el legendario director Roger Corman estuvo, en su faceta de productor, detrás de estas películas, lo que indica claramente que su mejor momento había pasado mucho tiempo atrás. Señalar también que el director Jim Wynorski (al que mencionábamos en los Ghoulies) dirigió la segunda y tercera parte.

PICNIC EN HANGING ROCK (1975)

2008-08-31T12:44:00.000-07:00

El sábado 14 de febrero de 1900, un grupo de alumnas y tres profesoras del selecto colegio femenino Appleyard, del pueblo de Wooden, cerca de Melbourne (Australia), salieron de excursión a Hanging Rock, una formación rocosa de origen volcánico y vinculada antiguas civilizaciones, plena de tintes mágicos y esotéricos. A lo largo del día, transcurrieron varios hechos insólitos. Los relojes se detuvieron, maestras y alumnas cayeron dormidas... Pero durante ese intervalo, cuatro de las excursionistas que habían salido a visitar las piedras colgantes desaparecieron, y a tres de ellas nunca más se las volvió a ver, sin que hubiera jamás rastro alguno de su paradero.

Esta historia, supuestamente real, aunque no pasa de leyenda urbana, con algunas incongruencias incluidas (sin ir mas lejos, el día de San Valentín de 1900 no cayó en sábado) y recogida por la escritora Joan Lindsay en una novela homónima, es la base argumental de Picnic en Hanging Rock, una de esas películas de culto que en los últimos tiempos parecen reivindicarse con fuerza, después de bastante tiempo injustamente olvidada.

Dirigida por el australiano Peter Weir, que comenzó moviéndose claramente en el terreno del fantástico, con films como el fallido Los coches que devoraron París (1974), pero, sobre todo, con la película que nos ocupa y con la posterior La última ola (1978) en la que, al igual que en esta, subyace el tema de los contrastes entre la cultura, tradiciones y supersticiones de los aborígenes de su país y la civilización de los colonos occidentales, así como en la confrontación entre dos realidades paralelas, la del mundo real y la de otro onírico y secreto que convive junto al nuestro.

Después de estos interesantes inicios, Weir hizo dos incursiones en un cine de trasfondo bélico, las cuales también sirvieron como lanzamiento definitivo del Mel Gibson post Mad Max, como fueron Gallipolli (1981) y El año que vivimos peligrosamente (1983), antes de que el director pasara a integrarse con todas las de la ley en la industria de Hollywood, convirtiéndose allí en un simple realizador de cine comercial con mayor o menor fortuna (normalmente lo segundo): Unico testigo, El club de los poetas muertos, La costa de los mosquitos, El show de Truman o Master and Commander son algunos ejemplos.

La película que nos ocupa se estructura en los elementos anteriormente narrados, presentando Hanging Rock como un paraje inicialmente inquietante, pero que deriva hacia lo terrorífico sin ningún tipo de artificio, simplemente con la predominante sensación de irrealidad, la excelente música de Bruce Smeaton y George Zamfir y la fotografía de Russell Boyd. Pese a no aclarar el misterio (de hecho en la posterior versión del director, lanzada en DVD en 1998 se suprimen 7 minutos de metraje para incrementar el enigma), se nos presenta la formación geológica como posible puerta de tránsito a otro mundo u otra dimensión incapaz de ser descrita, cuyos detalles revela la única chica rescatada por Michael, uno de los escasos personajes masculinos, que es quien logra sacarla de allí; detalles que no son contados al espectador, aunque se da a entender que éstos no pueden ser aceptados por la razón humana.

Todo ello es el telón de fondo para la soterrada relación lésbica entre dos alumnas: la tímida Sara que nunca revelará sus sentimientos por la otra, la enigmática Miranda, motor de la historia y que será una de las desaparecidas, no pudiendo superar la pérdida su compañera.

El film comienza con una cita de Poe, muy al hilo de lo comentado, y que me sirve para cerrar esta reseña: Todo lo que vemos y lo que parecemos no es más que un sueño dentro de otro sueño.

MIS FAVORITAS RECIENTES: SHUTTER (2004)

2008-08-26T12:51:00.000-07:00

Hoy voy a dedicar un espacio, al fin, a una de aquellas películas que se integran dentro del llamado terror oriental, un hito que supuso una renovación del género hace unos años por su particular concepto del cine de miedo, y que parece haber pasado a un segundo plano, aunque siguen llegando esporádicamente algunas buenas muestras del mismo. De todas formas sería injusto hablar de ello como algo reciente, pues siempre se han hecho (y muy bien) este tipo de producciones en el lejano oriente. Sin embargo, por cantidad, calidad y estilo podemos realmente hablar de un boom desde principios de esta década.

Cierta saturación de este tipo de films, y la compra de los derechos por parte de la poderosa industria USA, creando remakes para los que, en algunos casos, se ha contado con el propio director original, como ocurrió con Takeshi Shimizu, director de La maldición (The grudge, 2003) una de las mejores de este subgénero, y también de su secuela USA, titulada aquí El grito (muy inferior, aunque introducia algunas novedades), han provocado, no obstante, una cierta decadencia.

En el caso de Shutter, producto thailandés dirigido por Banjong Pisanthanakun y Parkpoom Wongpoom, llegó con un par de años de retraso a nuestras pantallas, justamente a raiz del éxito de este tipo de películas, y conoció recientemente una desafortunada versión japonesa, disfrazada de americana, ya que los actores eran principalmente estadounidenses, conservando el mismo título aunque en España fue estrenada como Retratos del más allá.

Al igual que en la anteriormente citada The grudge (Ju On en su título original), o en otras como Ringu, una de las pioneras en 1998 (The ring en su más popular versión hollywoodiense) o en Dark Water, que forman quizá el triunvirato de aportaciones mas conocidas de la especialidad (sin olvidar The eye de los hermanos Pang o las dirigidas por Takashi Miike, que como las anteriores trataré en breve, pues reconozco mi interés por ellas), nos encontramos con los habituales fantasmas blanquecinos, tanto de aspecto como de vestuario, con largo pelo negro tapándoles la cara y que avanzan de forma parsimoniosa, además de inteligentes golpes de efecto colocados en el momento justo.

Sin embargo, considero que este es un título menor al que le salva la frescura, el venir de una cinematografia tan exótica, la falta de pretensiones y su breve paso por las salas españolas (y valencianas en particular), que me hace reivindicarla.

El hilo argumental comienza con el atropello de una pareja de novios a una chica, decidiendo dejar abandonado el cuerpo. A partir de ese momento, una imagen fantasmal aparece en todas las fotografias que realiza él, decidiendo investigar quien era aquella persona, lo que les llevará a descubrimientos escalofriantes que no voy a revelar.
Consigue su objetivo de dar sustos y siendo inferior a las antes mencionadas, consigue revitalizar y contribuir a la reinvención de un género que en su vertiente USA hace tiempo carece de ideas.

THE Z FILES: LOS INICIOS DE ROLAND EMMERICH

2008-08-08T09:42:00.000-07:00

Antes que nada, y para contrarrestar a toda aquella gente que se sienta contrariada por el hecho de que incluya un artículo de Roland Emmerich en la sección The Z Files, he de decir que no considero en absoluto que las películas de este director alemán a las que voy a hacer referencia se encuentren dentro de esta categoría.

Si considero, en cambio, que la etapa comercial de este realizador, nacido en Stuttgart (Alemania), en 1955, es tan taquillera como nefasta a nivel cualitativo, pese a que haya manejado presupuestos multimillonarios y muchos espectadores hayan acudido a ver sus films. Pero al contrario que su compatriota Wolfgang Petersen, que hizo fama en su país con El submarino o La historia interminable, y mantuvo ciertos criterios de calidad en los USA con En la línea de fuego o La tormenta perfecta (aunque no siempre, Troya o Air force one son ejemplos contrarios), este no es el caso de Emmerich.
Tras las simpáticas coproducciones primerizas de las que voy a hablar, se ha entregado a un cine tan (a priori) espectacular como infumable. Son ejemplos de ello: Soldado Universal, Stargate (quizá la menos mala), Godzilla, El Patriota, Independence day, El día de mañana o la oportunista (título incluido) 10.000.

No obstante, hubo un tiempo, a mediados de los 80, en que era posible mezclar el género de terror, la comedia y el cine para adolescentes, sin producir sonrojo, más bien al contrario, se podían realizar cintas con una calidad por encima de la media en la especialidad y aún recordadas, como Noche de miedo (Tom Holland, 1984), Jóvenes ocultos (Joel Schumacher, 1987) o El terror llama a su puerta (Fred Dekker, 1986), esta última relacionada con una de las pelis de las que voy a hablar.

En esta apoteosis de las series B, es cuando aparece Emmerich en escena. Tras su ópera prima El principio del Arca de Noé (1984), un producto de ciencia-ficción relativamente futurista y con naves espaciales, llega El secreto de Joey (Joey, 1987), también conocida como Making contact, con evidentes influencias de Poltergeist, Gremlins o E.T. (es posible que el haber mencionado alguna de estas películas en mi último artículo me haya inspirado para éste).
Se trata de una coproducción entre Estados Unidos y Alemania (entonces aún occidental), y aunque realizada con capital fundamentalmente teutón, trata de parecer americana a todos los efectos. El protagonista es un niño, el Joey del título, que ha perdido recientemente a su padre. Traumatizado por este triste acontecimiento, un día empieza a contactar supuestamente con él a través de su teléfono de juguete.
Pero con quien está hablando en realidad es con un muñeco de ventrilocuo que tiene vida propia, imitando la voz de su progenitor, y que resulta ser bastante malvado, además de un rato feo.
En resumen, una producción sin muchas pretensiones, básicamente destinada a un público infantil y juvenil, con algún momento inquietante, surgida claramente a la sombra de los éxitos del cine made in USA que mencionaba anteriormente y cuyo recuerdo no tengo fresco en mi memoria.

Un par de años más tarde llegaba El secreto de los fantasmas, también conocida originalmente como Hollywood monster o Ghost chase, según el caso. Repitiendo, por cierto, la pareja protagonista de la antes mencionada El terror llama a su puerta (Night of the creeps), Jason Lively y la encantadora pero olvidada (al mismo tiempo que este tipo de cine) Jill Whitlow, a los que aquí se añade Tim McDaniel.
Estos interpretan a dos amigos y a la novia de uno de ellos, que están rodando una peli casera (por decir algo) de terror, como director y pareja protagonista. Un día, se ven agraciados con una herencia; al parecer solo consta de un reloj, pero este resulta ser algo así como mágico y conduce a un tesoro que también es perseguido, al precio que sea, por un malvado magnate de Hollywood, que utiliza para ello a una especie de sicario con un acento muy raro (tal vez alemán). También entra en juego el fantasma del mayordomo del abuelo de uno de los protagonistas, verdadera estrella de la película, ya que interactúa a través de un muñequito creado para la ocasión, el cual, por su aspecto, tiene toda la pinta de haber sido hecho con retales de E.T. o del entrañable Yoda de la saga Star wars, y que ayudará a los protagonistas a encontrar lo que buscan.

Por no revelar más, comentar en definitiva que estas dos películas debemos situarlas en el contexto de su época y por otro lado, resultan difíciles de recuperar hoy día, habida cuenta que este tipo de producciones han desaparecido, por desgracia, de las parrillas de TV y están descatalogadas, por regla general, en el mercado videográfico. Pero, volviendo al principio, nos sirve para ver el tipo de cine con el que comenzó un director como Emmerich, que, aunque intrascendente, resulta, a mi juicio, preferible a su evolución posterior.

POLTERGEIST (1982)

2008-08-08T09:33:00.000-07:00

Recientemente he podido escuchar que se prepara una cuarta parte de Poltergeist; esto ha provocado que dedique la reseña de hoy a esta película, que, pese a ser considerada en su momento un producto meramente comercial (y no dudo que lo sea), ha evolucionado hasta adquirir con el tiempo la consideración de cult-movie, creo que merecida, y por muchos aspectos. Por eso considero más que justo destinarle este recuerdo.

Realmente poco puedo aportar a lo que se haya dicho ya sobre la misma, al tratarse de un film conocido masivamente.
Aunque la dirigió Tobe Hooper, el responsable de La matanza de Texas, Salem’s Lot, La casa de los horrores o Lifeforce, muchos consideran que fue el propio Spielberg, productor junto con la MGM y co-autor del guión, el responsable de la mayoría del metraje, poniendo a Hooper como realizador títere ante la imposibilidad de dirigirla simultáneamente con E.T. (1982) por exigencias sindicales.

Inicialmente se planteó la posibilidad de que fuera Stephen King quien se responsabilizara del guión, pero al parecer hubo un desacuerdo económico que provocó que fuera el multimillonario cineasta, en colaboración más o menos preponderante con Hooper, quien se hiciera cargo del libreto.
No obstante, el metraje está lleno de los típicos guiños de la primera etapa del cine made in Spielberg, el situar el argumento en una zona residencial, ls referencias al núcleo familiar que se une más con los acontecimientos, con el especial protagonismo de los niños, como observamos en E.T., el final, que podría evocar ligeramente al de En busca del arca perdida (Raiders of the lost ark, 1981) o la presencia de los intransigentes especuladores, como el alcalde de Tiburón (Jaws, 1975). En cambio, sólo la escena del payaso y el niño nos remite claramente al cine de Hooper.

Los antecedentes a la película podemos hallarlos en un telefilm que fue una de las primeras realizaciones de Spielberg, Something evil (1972), también con casa encantada y niños de por medio, o en el omnipresente Richard Matheson (ver Fan-cine Fantaterrorífico monográfico 01-06-2008), el gran escritor americano del género antes de la llegada de Stephen King (aunque sigo prefiriendo al primero), que posee dos relatos en los que se basa lejanamente Poltergeist: La niña desaparecida, en la que una pequeña cae en un agujero dimensional bajo su cama y su padre entra con una cuerda a rescatarla, y que se adaptó en la mítica serie The Twilight Zone (Dimensión desconocida), basada en muchos de sus capítulos en textos y guiones de Matheson, y A través de los canales, donde una familia es devorada por el televisor.
Esto incide más en la mala fama de Spielberg de tomar ideas de otros creadores y reflejarlas en sus films.

A destacar que se trata de un producto de terror que puede ser consumido por el gran público, incluso con tintes familiares: no hay víctimas ni un exceso de violencia o escenas desagradables y si algo de humor negro; veladas pero suaves criticas a la TV y a los excesos inmobiliarios (el peaje que hay que pagar para ser politicamente correcto), con un ritmo pausado y brillantes efectos especiales por parte de la Industria Light & Magic, creada por George Lucas, más la apropiada música del prolífico clásico Jerry Goldsmith; en el lado negativo quizá se trata de un producto a veces algo convencional y acomodaticio.

Recordar que conoció dos secuelas, que se realizaron sin contar con Spielberg, en las cuales la MGM trató de aprovechar el filón comercial de la primera parte. Aunque se trató de buscar cierta coherencia argumental y la parte técnica mantuvo un buen nivel, la poca pericia de los realizadores y una puesta en escena poco convincente provocó que no estuvieran a la altura de las circunstancias, empeorando progresivamente los resultados, que fueron en todo caso olvidables.
La llegada de la nueva secuela sólo demuestra la falta de inventiva del cine actual y de este género en particular, siendo habitual retomar viejas ideas para degradarlas. No tengo porqué pensar que este caso sea distinto.

MIS FAVORITAS RECIENTES: DOG SOLDIERS (2002)

2008-07-28T12:35:00.000-07:00

Quiero empezar, con esta reseña de Dog Soldiers, otra serie dentro de este Fan-cine Fantaterrorífico que irá destinada a comentar periódicamente alguno de los títulos dentro del género que más me han llamado la atención en época reciente. La verdad es que es como buscar una aguja en un pajar, pues en estos últimos años han brillado por su ausencia la originalidad y la brillantez, y han abundado las secuelas de videojuegos, los vacuos efectos digitales, los psicópatas de turno y los remakes que han manchado el nombre de películas que en su momento marcaron una época.

El hecho de que empiece con esta producción británica, no es por su calidad; evidentemente no es una obra maestra, que es un término casi olvidado para el cine, sino porque su director, Neil Marshall, está ahora de actualidad por el estreno de Doomsday. Para colmo, en este mismo 2008 se avecina una secuela que todo parece indicar irá directa al mercado videográfico en España, aunque debido a su reciente estreno no lo puedo confirmar. Con el tiempo espero dedicar un espacio en Fan-Cine Fantaterrorífico a la actualidad y comentar cuestiones como esta.

Pese a ello, Dog Soldiers resultó una relativa sorpresa en su momento por su frescura y falta de pretensiones, consiguiendo resultados algún punto por encima del cine de terror al uso actualmente. En realidad, se trata de una revisión del tema de los Hombres Lobo, muy lejos evidentemente de En Compañía de Lobos (Neil Jordan,1984), una de mis favoritas sobre el asunto, e incluso de Ginger Snaps (John Fawcett, 2000), que también incluiré aquí y me parece una de las mejores propuestas de los últimos años al respecto; no olvidaré dos clásicos modernos como son Aullidos (Joe Dante, 1981) y Un hombre lobo americano en Londres (John Landis, 1980) que seguramente conforman el póker de la especialidad de las tres últimas decadas.

Siguiendo la pista de La noche de los muertos vivientes (George A. Romero, 1967), o de sus posibles inspiradoras no terrorificas, como Rio Bravo (Howard Hawks, 1959) y con posterioridad, por ejemplo, Asalto a la comisaría del distrito 13 (John Carpenter, 1976), pero en versión licántrópica, en el film de Marshall nos hallamos con un pequeño grupo de soldados ingleses destinados en las Tierras Altas de Escocia.
Una vez allí, descubren que sus antecesores han corrido un destino fatal y el único superviviente de entre ellos les cuenta la amenaza que alberga ese bosque, en forma de un nutrido grupo de hombres lobo autóctonos (posible parábola del arraigado sentimiento nacionalista escocés ante la presencia inglesa).
No tardarán en encontrarse con una representación de tan temibles nativos, lo que les obligará a refugiarse en una recóndita cabaña donde aislados, incomunicados y con escasos medios, no les quedará más remedio que intentar aguantar el asedio hasta la salida del sol.

Lo más destacable, como decia arriba, es la escasa ambición de la pelicula, la ambientación (en realidad se rodó en Luxemburgo), los momentos gore y humorísticos- auto paródicos; también la revelación de un director como Marshall, aunque da la sensación que en la posterior The descent (2005), con puntos en común con Dog Soldiers, no acabó de confirmar las expectativas. Entre lo peor, quizá el argumento, algo previsible en algunos momentos, y demasiado escaso para llenar 105 minutos (alguna laguna guionística también contribuye a ello), los actores, entre los que destaca Kevin McKidd (Lucio Voreno en la serie Roma) no son gran cosa, y, debido a su modestia, los efectos especiales son flojos (los hombres lobo son poco más que una caperuza con la cabeza de este animal puesta encima de un intérprete humano, aunque eso también ahonda en la perspectiva del film planteado como un cuento para adultos).

Pese a todo, Dog Soldiers arroja más luces que sombras, y la recomiendo para los aficionados al género que aún no la conozcan.

THE Z FILES: ¿DONDE TE ESCONDES, HERMANO? (1982)

2008-07-22T02:52:00.000-07:00

El haber dedicado mi última reseña a El otro me llevó a pensar (ahora que ya tocaba volver a retomar el tema de las series Z) en comentar algo sobre esta película, la cual, desde un polo opuesto en todos los sentidos, también trata el tema de los gemelos.
Si, ya sé que es casi inadmisible pasar de un producto magistral y un film de culto como el de Robert Mulligan, a lo que podemos considerar una auto-parodia gore como Basket Case (título original del film que nos ocupa, así como de sus continuaciones), pero desde un principio tuve claro que éste era el espíritu de este fan-cine fantaterrorífico. Así que vamos a ello.

¿Donde te escondes, hermano? fue una producción de bajísimo presupuesto que le dio la fama al director neoyorquino Frank Henenlotter, aunque prácticamente toda su carrera se limita a esta película y las dos secuelas consiguientes, dado que obtuvo un inesperado gran éxito; aparte también se encargó de otra cinta de culto como Brain damage, que también se mueve en coordenadas similares a esta.

El argumento consiste en la llegada a New York de Duane, interpretado por Kevin Van Hentenryck, que resulta de lo más destacable o de lo menos malo del inexperto (por decir algo) reparto, y que viaja acompañado de una cesta. En un flashback, se nos cuenta que Duane nació con un hermano siamés, el deforme Belial, del que se le separó a los doce años, y que fue abandonado después en un cubo de basura dado por muerto. Pero no fue así, sobrevivió, y ahora ambos pretenden vengarse de los médicos responsables.

La condición de producto casi casero (muchas secuencias interiores fueron rodadas en casa de amigos y el propio director realiza un cameo en alguna escena), y los pocos medios con los que se contaron (el personaje de Duane enseña un fajo de billetes al principio de la película y Henenlotter afirma, no sabemos si bromeando, que ese era todo el presupuesto con que se contaba) se contrarrestan con la falta de pretensiones y con algunos recursos interesantes: el personaje de Belial se muestra poco a poco, inicialmente desde un plano subjetivo, después sus manos o sus ojos saliendo de la cesta, hasta aparecer en su totalidad como una especie de masa de plastilina animada torpemente por stop motion; la relación amor-odio entre los protagonistas; uno necesita del otro para vivir pero envidia su normalidad, en cambio Duane se ve lastrado por la carga que lleva encima constantemente (no solo por la cesta, sino por lo que contiene); determinadas cuestiones nos pueden recordar a películas como Estoy Vivo (1972), que trataba el tema de un recién nacido mutante y asesino, y que tuvo dos continuaciones, todas ellas dirigidas por Larry Cohen, otro de esos creadores de terror underground que aparecerá por aquí algún día, o incluso a Hermanas (Brian de Palma, 1972), que también contiene siamesas y crímenes.

El resto de recursos típicos del cine gore más descacharrante completan la sesión, ideal para recuperar en una de estas noches de verano por parte de los cinéfagos con menos prejuicios. Adjunto un trailer original bastante explícito que he podido hallar.

"LA CASA DEL TERROR" Y "MISTERIO": HORROR BRITANICO EN LA TV DE LOS 80

2008-07-01T10:46:00.000-07:00

Quizá fuera el pasado verano, en algún zapping nocturno por ciertas televisiones locales, cuando comprobé con alegría que se estaba reponiendo una serie que recordaba con cariño (y pánico) de mi más tierna infancia (o posiblemente de alguna emisión posterior). En las semanas siguientes no se volvió a programar, lo que redobló mi interés por recuperar todos los datos posibles acerca de la misma.

La serie era La casa del terror, título en España de Hammer House of Horror.

A finales de los 70, la mítica productora británica Hammer, muy alejada de su época dorada, sumaba fracaso tras fracaso y se encontraba al borde de la desaparición y con problemas de liquidez.
Esto produjo que su responsable principal, Michael Carreras, fuera destituido y ocuparan su lugar Brian Lawrence y Roy Skeggs.
Ambos se pusieron de acuerdo en crear un producto barato que fuera rentable economicamente; y el resultado fue la serie de TV que nos ocupa.

Aquellos fueron años gloriosos para el fantaterror televisivo, ya funcionaba durante los 70 una serie de horror psicológico titulada Tensión (al igual que la mencionada, compuesta de episodios independientes, tanto argumentalmente como en cuanto a director, guionista, actores...), Thriller en la versión original, creada por Brian Clemens, luego también vinculado a Hammer House... y responsable de producciones para la pequeña pantalla como Los Vengadores o películas como Dr. Jekyll y su hermana Hyde (o también Captain Kronos: Vampire Hunter, esta última dirigida por él mismo).

Thriller también estaba vinculada a la productora ITV como la serie de ciencia-ficción Tomorrow people (aquí titulada Los hombres del mañana, y emitida principios de los 80, aunque en origen era de mediados de los 70). De igual modo funcionaba regularmente por aquellas fechas Desenlace inesperado (Tales from the unexpected, no confundir con una serie del mismo título del escritor Roald Dahl), creación del productor Quinn Martin, el mítico responsable de El fugitivo, Los invasores, Los Intocables o Las calles de San Francisco. Incluso en España se emitían series como Cuentos y Leyendas o El Quinto Jinete, con terroríficas adaptaciones de Stevenson, Poe, Le Fanu, Guy de Maupassant, Henry James o Tolstoi, entre otros (vamos, igual que ahora).

El caso es que ya la Hammer había producido a finales de los 60 Viaje a lo desconocido, con ciertas similitudes a The twilight zone pero al estilo inglés. Pese a ello, inicialmente no se quiso vincular demasiado La casa del terror con la famosa productora, y es que Skeggs y Lawrence la realizaron a través de su propio estudio. Fue más a raíz del éxito comercial de la serie que se hizo de esta forma; de hecho, el planteamiento queda muy alejado del típico terror gótico de la compañía y adquiere tintes demasiado ochenteros, tanto en la estética como en el exceso de violencia y concesiones al gore, o al exceso de sangre y escenas desagradables en muchos episodios.

Se echó en falta la ausencia de primeros espadas de la interpretación inglesa, con excepción quizá de un Peter Cushing ya muy veterano, eso si, hay abundantes secundarios eficaces como Jon Finch, Denholm Elliott, Brian Cox o Anna Calder-Marshall. También los directores corresponden a la última etapa Hammer, lo que no es buena señal: Alan Gibson, Peter Sasdy o Don Sharp no eran, seguramente, los mejores realizadores posibles.
Por cierto, gran parte de sus episodios se rodaron en torno a la mansión de Hampden House, que era la que aparecía en los créditos iniciales.

Paso a hacer un resumen comentado de los capítulos de la 1ª temporada, ordenados cronológicamente:

1. El hechizo (Witching Time). D: Don Leaver. G: Anthony Read. I: Jon Finch, Ian McCulloch, Patricia Quinn, Prunella Gee.

A mediados de septiembre de 1980 llegaba esta primera entrega y, desde luego, peor no pudo empezar la serie, pese a unos inicios prometedores que recuerdan los primeros minutos de Impacto/Blow out (Brian de Palma, 1980). Lo que aquí se narra es la historia sobre un autor de música de cine que se encuentra, en la granja de su viejo caserón, a una bruja llegada desde el S. XVII, y establece una relación con ella, en parte por los efectos de un hechizo, pero tambien influido por la sospecha de un posible adulterio por parte de su mujer. En suma, contiene muchos elementos decepcionantes y pocos estrictamente terroríficos, numerosos tópicos y un desenlace moralizante en torno a la familia y la pareja que se repetirán en otros episodios. Las concesiones al destape empiezan a hacerse patentes con la presencia de Patricia Quinn, una de las protagonistas de The Rocky Horror Picture Show (Jim Sharman, 1975) y que luce aquí una estética a medio camino entre la diva gótica y lo decididamente hortera. No obstante, el capítulo fue un gran éxito y lanzó la popularidad de la serie.

2. Amargo despertar (Rude Awakening). D: Alan Gibson. G: Gerald Savory. M: Paul Patterson. I: Denholm Elliot, Pat Heywood, Lucy Gutteridge, James Laurenson.

No mejoraron las cosas a nivel artístico con este capítulo, pese a adentrarnos en el interesante campo del terror psicológico. En este caso, un agente inmobiliario sueña con separarse de su esposa y poder estar con su secretaria joven y sexy; pero a raíz de meterse en el negocio de la venta de una misteriosa casa empieza a tener un sueño repetitivo, inicialmente agradable en cuanto a sus deseos, pero que se va enrevesando. La frontera entre lo real y lo onírico es más confusa cada vez, teniendo finalmente trágicas consecuencias en una realidad que es muy distinta de la que él imaginaba. Más concesiones a un burdo erotismo en algunas escenas y la presencia del eficaz Denholm Elliott al que ya pudimos entrever en estimables productos de british horror como La monja poseida (Peter Sykes, 1976) o los films de episodios La bóveda de los horrores/The vault of horror (Roy Ward Baker, 1973) o La mansión de los crímenes (1971), además de ser un rostro habitual en la saga Indiana Jones (excepto en la última entrega, ya que falleció en 1992). En resumen, Amargo despertar resulta un episodio desaprovechado, y en todo caso, mas cercano al género de suspense.

3. La decimotercera reunión (The 13th Reunion). D: Peter Sasdy. G: Jeremy Burnham. I: Julia Foster, Richard Pearson.

Este episodio no es de los mas recordados, pero merece la pena destacarlo porque es uno de los pocos que evoca ciertos elementos del habitual humor negro británico, que por desgracia, brilla por su ausencia en la mayoría de la serie. En síntesis, narra como se están produciendo una serie de muertes en una elitista clínica de adelgazamiento; una avispada periodista se pone a investigar y descubre que los responsables de dicho centro son algo así como una secta de canibales, que la utilizan con los fines que podemos imaginar, y empezarán a acosarla para que su secreto no salga a la luz.
Buena labor de Julia Foster, aunque el director Peter Sasdy no logra que el capítulo funcione del todo.

4. Venganza de ultratumba (Growing Pains). D: Frances Megahy. G: Nicholas Palmer. I: Barbara Kellerman, Gary Bond.

La serie seguía funcionando, otra cosa era la calidad de los resultados. En la trama de este episodio, el hijo de un investigador muere accidentalmente por una negligencia de sus padres al envenenarse en el laboratorio, y transcurrido un tiempo adoptan a otro chaval. Éste acaba poseído por el fallecido, que pretende vengarse de sus padres por haber sufrido la falta de atención que provocó su trágico final y empieza a cometer auténticas maldades. Muy visto el tema de niño maligno, ya tratado, por ejemplo, en la entonces reciente La profecía (Richard Donner, 1976) o en titulos muy superiores como El otro (Robert Mulligan, 1972). En todo caso, destacar la primera aparición del espectro del niño fallecido en la habitación del adoptado, bastante desasosegante, la recurrencia, una vez más, a las truculencias (el padre trabaja con conejos y ya podemos imaginar que alguna escena sangrienta implica a estos roedores) y otra vez elementos moralizantes sobre la unidad familiar y el descuido de los progenitores, mas preocupados por sus asuntos que de los hijos, para concluir que Growing pains resulta de lo peor de la serie.

5. La casa que se desangró (The House that Bled to Death). D: Tom Clegg. G: David Lloyd. I: Nicholas Ball, Rachel Davies.

Este episodio fue emitido por TVE con el título de Las dos cimitarras, y vuelve a incidir en torno a la perspectiva de los niños, añadiendo el tema de las casas encantadas (un anciano envenena a su mujer, descuartiza el cadáver y años después llega una familia feliz a habitar la susodicha mansión). Un argumento en aquel momento bastante en boga con películas como Terror en Amityville (Stuart Rosenberg, 1979) y todas sus secuelas, ofreciéndonos un nuevo recital de tópicos al respecto y recurriendo a los efectismos y a tonos casi gore, con una impactante escena en la parte final, que recuerda bastante a la conclusión de la también reciente entonces Carrie (Brian de Palma, 1976), en una fiesta de cumpleaños infantil (para más crueldad) entre tartas y velas, pasada por una lluvia sorpresa de sangre procedente de las cañerías (aún ese momento, al igual que otros de la serie, me pone los pelos de punta, pero probablemente sea la evocación de haberla visto con una edad demasiado reducida, y no el efecto que algo así puede producirme después de tantos años viendo cine de terror de lo más impactante). Pero poco más ofrece aparte de eso, quizá unos aceptables tonos claustrofóbicos. En todo caso, incido sobre lo que he venido a comentar en la introducción general acerca de la americanización formal de Hammer House of Horror y el empleo de fórmulas de moda, en contraposición con el tradicional estilo británico, y en particular, de la casa responsable del producto, pero probablemente lo que se buscaba eran los resultados por encima de la forma, y esto se consiguió.

6. Charlie Boy (Charlie Boy). D: Robert Young. G: Bernie Cooper, Francis Megahy. I: Leigh Lawson, Marius Goring.

Al fin la cosa mejoró un poco. Aquí si podemos evocar episodios de películas de capítulos habituales en el cine de género inglés de los 60 y 70, como Doctor Terror (Freddie Francis, 1965, con una de sus historias muy similar), la mencionada The vault of horror o Refugio macabro (Roy Ward Baker, 1972). Pero también en el cine americano, Dan Curtis, al que mencionamos en nuestro monográfico dedicado a Matheson, había introducido un fragmento similar en Trilogy of Terror (1975).
Una pareja con mala fortuna y diferentes problemillas se encuentran con la figura de un pequeño tótem africano en una tienda, al que dan el nombre que titula el episodio, e inicialmente les cambia la suerte. Pero las cosas no son como parecen; la figurilla, al parecer, está vinculada al espíritu de un maligno hechicero y todo desembocará en tragedia (algo que recuerda vagamente al célebre, y excelente, cuento de W.W. Jacobs, La pata de mono). ¿Culpa del fetiche o parcialmente de los desquiciados protagonistas?. Seguramente una de las mejores entregas, y donde sí podemos reconocer la "marca de la casa".

7. El grito silencioso (The Silent Scream). D: Alan Gibson. G: Francis Essex. M: Leonard Salzedo. I: Peter Cushing, Brian Cox, Elaine Donnelly, Robin Browne.

Este es uno de los capitulos mas recordados, por la presencia de Cushing y por recurrir al terror psicológico con mucho mas acierto que, por ejemplo, Amargo despertar. Un ex-convicto comienza a trabajar para un anciano que tiene una tienda de animales, pero descubre que es un antiguo criminal nazi que realiza unos experimentos para controlar la voluntad y algo aún más ambicioso, en lo que el protagonista acaba implicándose, con un final que afectará a todos los personajes. No obstante, continúa el repunte de calidad iniciado con la anterior entrega, Charlie Boy y que incluirá a alguno de los siguientes episodios.

8. Los niños de la luna llena (Children of the Full Moon). D: Tom Clegg. G: Murray Smith. I: Diana Dors, Celia Gregory, Christopher Cazenove, Jacob Witkin, Robert Urquhart.

Este es uno de los mejores episodios y el más Hammeriano de todos. Recurre al tema de la licantropía desde un punto de vista más o menos tradicional, aunque sorpresivo, con una pareja que, tras sufrir un accidente de coche (situación que se da en varios capitulos de la Casa del Terror, por cierto) encuentra cobijo en una casa regida por una mujer (La ex Marilyn británica, Diana Dors, con su inquietante decadencia) y unos rubicundos niños, teóricamente angelicales pero que esconden un terrible secreto, algo que recuerda mucho, por ejemplo, a El pueblo de los malditos (Wolf Rilla, 1960), luego versioneada por John Carpenter.

Determinados elementos, como el de la mujer huésped/prisionera a la que se pretende aparear con el Hombre Lobo principal para perpetuar la especie, al estilo de La semilla del diablo/Rosemary's Baby (Roman Polanski, 1968), el prólogo, con la pequeña con sangre en la boca o la comitiva de licántropos infantiles encabezada por un niño que toca la flauta, harán las delicias de los amantes de un terror más clásico y gótico.

9. El águila de los Cárpatos (The Carpathian Eagle). D: Francis Megahy. G: Bernie Cooper, Francis Megahy. I: Anthony Valentine, Suzanne Danielle.

Nuevo bajón cualitativo con este episodio, muy al estilo de los policiales de psycho-killers americanos, sobre determinados asesinatos en los cuales a las victimas se les extrae el corazón, y que remiten a los métodos de una antigua condesa medieval, conocidos por una escritora que investiga el tema. Aparte de algunos juegos al despiste, no hay mucho que comentar. Aquí el recurso fácil a la sangre y al sexo está muy acentuado, con una asesina femenina que mata a sus víctimas en plena faena, algo que pudo ser copiado después en peliculas como Instinto básico (Paul Verhoeven, 1992). Sin duda, una de las entregas más prescindibles.

10. Guardián del abismo (Guardian of the Abyss). 15 noviembre 1980. D: Don Sharp. G: David Fisher. I: Ray Lonnen, John Carson.

Este capítulo remite un poco a anteriores como Charlie Boy, por el tratamiento al estilo de las viejas pelis de episodios. La víctima potencial de una secta que realiza sacrificios humanos consigue escapar, y es acosada por el lider de la misma, que pretende acabar lo que empezó. Al mismo tiempo, hallamos similitudes por las referencias a un objeto concreto importante en el desarrollo del episodio. En este caso es un espejo mágico, a través del cual el malvado de turno controla el alma de sus víctimas. Determinados elementos de lo más divertido, como la utilización de unos muñequitos de vudú multi-usos por parte de la secta, no sólo para causar daño a sus victimas sino para mas finalidades, hacen que Guardián del abismo sea de lo más recomendable de ver.

11. Visitante del más allá (Visitor From the Grave). D: Peter Sasdy. G: John Elder. I: Kathryn Leigh Scott, Gareth Thomas.

Este episodio recuerdo que me dio pánico cuando lo ví en mi niñez, aunque no creo que resistiera una revisión hoy día. Una mujer asesina a un desconocido que pretendía robarla y violarla. Con la colaboración de su novio se deshace del cadáver para evitar problemas, pero después empieza a recibir fantasmales visitas del espectro, o más bien zombi (por su aspecto) del fallecido, así como otros sucesos intrigantes. Pero nadie la cree y empieza a pensar que ha perdido la razón. Al final, si me permiten contarlo, todo es un complot sorpresa del novio y su amante (no había siquiera homicidio) para volverla loca, que se suicide y quedarse con la herencia (o algo así). Pero en un nuevo trick final, el espectro de la engañada, esta vez de verdad, volverá para vengarse de los culpables. Ese giro de los acontecimientos y la confusión realidad-fantasía resultan atractivos, aunque el tratamiento es algo rudimentario, con elementos tópicos en estos casos como la utilización del médium o los sustos de rigor.

12. Las dos caras del mal (The Two Faces of Evil). D: Alan Gibson. G: Ranald Graham. I: Anna Calder-Marshall, Gary Raymond.

Una familia, en un día lluvioso, recoge en una solitaria carretera a un autoestopista que resulta ser una especie de psicópata que intenta matarlos a todos, provocando un accidente de tráfico (otro más), a resultas del cual, la mujer y el hijo salen más o menos ilesos y el marido queda hospitalizado con el rostro desfigurado. ¿El marido? Ahí comienza la confusión, el psycho-killer vestía un impermeable amarillo que no permitía ver su rostro y se caracteriza por tener una uña deforme. La persona que está en el hospital podría ser él: con eso juega el episodio. El marido vuelve a casa pero es posible que sea el asesino, que no fuera éste el que falleció; determinados comportamientos, ¿son imaginados por la protagonista o reales?. Como podemos comprobar, además, muchos recursos recuerdan demasiado a las peliculas slasher de psicopatas, entonces en primer plano, incluso del cine más reciente, con pastiches de los 90 que evocan a los de aquellos años como Sé lo que hicisteis el ultimo verano (Jim Gillespie, 1997). No me parece casual que el asesino de ésta última vista chubasquero y esté relacionado con un accidente de tráfico. Sólo la ausencia de adolescentes lo aleja del típico producto de estas características, y un giro final hacia la ciencia-ficción, que remite por ejemplo, a La Invasión de los ladrones de cuerpos (Don Siegel, 1956) y todas sus secuelas.
Pese a lo dicho, para mi gusto, una de las entregas más atractivas.

13. La marca de Satán (The Mark of Satan). D: Don Leaver. G: Don Shaw. I: Peter McEnery, Georgina Hale.

Buen broche para la serie con este último capitulo, en el que se narra la historia de un empleado de autopsias que cree ser un elegido satánico, al empezar a ver el nº 999 por todas partes, que él identifica como el del Anticristo, en vez del 666, porque le da la vuelta, y cree ver en relación a todos sus actos ese dígito. La historia de esa obsesión, que llevará al protagonista al borde de la locura o directamente a ella, es seguramente el episodio mas disparatado y tal vez el más divertido de la serie. A destacar además la presencia siempre turbadora de Georgina Hale, especialmente en alguna escena.

Despues de todo lo dicho y de algunas críticas vertidas, en particular sobre varios de sus capítulos, he de decir, no obstante, que recomendaría abiertamente la visión de La casa del terror, por una combinación de afición a este género, nostalgia, y por el hecho de que la calidad de algunos episodios pienso que justifica la serie en su totalidad.

MISTERIO (HAMMER HOUSE OF MYSTERY & SUSPENSE)

Debido al éxito de esta primera entrega, Skeggs y Lawrence plantearon una segunda parte, Hammer House of Mystery and Suspense (aunque conocida en EE.UU como Fox Mystery Theatre), realizada de forma discontinua en dos mini-temporadas entre 1984 y 1986, y ofrecida en España por TVE-1 con el sencillo título de Misterio los sábados por la noche hace unos 20 años, y, al contrario que La casa del terror, nunca repuesta por ningún canal.

Curiosamente, pese al retorno tanto al terror clásico y gótico como al humor negro que aquí se planteaba, y a contar con un equipo de plenas garantías, más, incluso que Hammer House of Horror, con directores como Val Guest (El experimento del Dr. Quatermass), John Hough (La leyenda de la mansión del infierno, Drácula y las mellizas) o el propio Brian Clemens, y actores como David Carradine, Peter Graves, Carol Lynley, David McCallum o Dean Stockwell, la serie resultó un fracaso.

Transcribo también unas reseñas sobre los capítulos de que constaba, aunque, curiosamente, he tenido problemas para hallar información sobre esta segunda etapa, siquiera en inglés, así que tiraré de memoria y de lo poco en limpio de que dispongo. Eso sí, ruego se me disculpen las posibles imprecisiones debidas a esto.

1. El tatuaje (Mark of the devil) D:Val guest I: Dirk Benedict, Jenny Seagrove.
Un jugador de fortuna que pasa por problemas, asesina por dinero a un tatuador, y a raiz de esto, empezará a crecerle de forma espontánea un tatuaje por todo el cuerpo, que lo revela como el autor del crimen.

2. Ultimo video y testamento (Last video and testament). D: Peter Sasdy. I: David Langton, Deborah Raffin, Oliver Tobias.
El capítulo empieza con un maduro millonario que es llevado por su chófer a un cementerio donde baila sobre una tumba. A lo largo del episodio comprobamos como su joven esposa y el amante de la misma tienen preparado un complot para acabar con su vida.

3. Jaque Mate (Czech Mate). D: John Hough. I: Susan George, Patrick Mower, Richard Heffner.
Una mujer se ve implicada en una extraña conspiración durante un viaje a la ciudad de Praga (que entonces todavía permanecía detrás del telón de acero) a raíz de la misteriosa desaparición de su marido.

4. Un grito lejano (A distant scream). D: John Hough I: David Carradine, Stephanie Beacham.
Una pareja tiene visiones recurrentes sobre un crimen supuestamente cometido en el pasado en el lugar que habitan. Pero también podría tratarse de una premonición.

5. La difunta Sra. Irving (The late Nancy Irving) D: Peter Sasdy. I: Cristina Raines, Marius Goring, Simon Williams.
Una estrella del golf femenino es secuestrada y públicamente dada por muerta. En realidad ha sido llevada secretamente a casa de un multimillonario. Este posee un grupo sanguíneo muy especial, el mismo que ella, y lo que se pretende es utilizarla para suministrar transfusiones a dicho magnate, como ya ocurrió antes con otras personas. Mientras tanto, tratará de escapar de su encierro.

6. Poseídos (In possession) D: Val Guest. I: Carol Lynley, Christopher Cazenove.
Los fantasmas que un matrimonio ha observado en el lugar en que pasan sus vacaciones se trasladan, 2 años después, a su residencia habitual.

7. El cuervo negro (Black carrion). D: John Hough. I: Season Hubley, Leigh Lawson.
Un periodista decide investigar el paradero de un dúo pop de éxito en los primeros 60, The Verne Brothers, que desaparecieron sin dejar rastro (esto recuerda vagamente el argumento de Velvet Goldmine, de Todd Haynes), con la colaboración de una joven experta en la música de esa época. Su búsqueda les conduce a una especie de pueblo fantasma. Simultáneamente, la policía investiga algunas desapariciones recientes que se han producido en ese lugar.

8. El dulce aroma de la muerte (The sweet scent of death). D: Peter Sasdy. I: Dean Stockwell, Shirley Knight, Michael Gothard.
Durante una estancia en Inglaterra, el embajador de los EE.UU. empieza a recibir misteriosos envíos anónimos de rosas rojas.

9. Dibuja un asesinato (Paint me a murder). D: Alan Cooke. I: Michelle Phillips, James Laurenson.
La esposa de un buen dibujante, pero sin éxito, imagina fantasiosas situaciones acerca del trabajo de su marido que le servirían para recibir el reconocimiento del público.

10. La herencia Corvini (The Corvini inheritance). D: Gabrielle Beaumont. I: David McCallum, Jan Francis.
Eva es perseguida hasta su casa por un extraño merodeador anónimo, vestido de negro y con una máscara de esquí. Cuando alguien la llama para advertirla que el desconocido ha pretendido acceder a su domicilio a través de la escalera de incendios, y ella misma puede observarlo junto a su ventana, decide poner el caso en manos de su vecino, un hombre solitario, experto (y obseso) de la vigilancia, que instala un circuito cerrado de cámaras de TV. Al mismo tiempo, en la sala de subastas donde este trabaja, reciben la colección de joyas de una antigua y malvada familia, alguna de cuyas piezas tiene fama de estar maldita.

11. Y el muro se derrumbó (And the wall came down). D: Paul Annett. I: Barbi Benton, Gareth Hunt.
Las obras en una antigua iglesia dejan al descubierto tras una pared los restos de un antiguo culto maléfico instalado allí hace muchos años, lo que desencadena una serie de acontecimientos.

12. Juego de Niños (Child’s play). D: Val Guest. I: Mary Crosby, Nicholas Clay.
Uno de los episodios más recordados y divertidos, que oscila a medio camino entre el cine de terror psicológico y casas encantadas (al principio), acaba derivando a la ciencia-ficción y desemboca en un final casi humorístico.
Una familia se encuentra una mañana que su casa está rodeada de una especie de muro hermético que ni siquiera permite abrir las ventanas, no recuerdan nada de sus vidas antes de ese momento, todos tienen en su cuerpo un dibujo que es la misma señal que no deja de emitir la TV, aparece un extraño líquido verdoso...Al final, si se me permite el spoiler, se trataban de juguetes de una casa de muñecas de una niña del futuro: la marca de su cuerpo era la de la compañía fabricante, su casa estaba sellada porque el hermano de la niña para hacerla enfadar habia escondido la casa en una caja fuerte, el líquido era un caramelo derretido que se le habia caido a la pequeña...

13. La pista de tenis (Tennis court). D: Cyril Frankel. I: Marcus Gilbert, Hannah Gordon, Peter Graves.
Un aeroplano de la 2ª (¿o 1ª?) Guerra Mundial es derribado y sólo uno de sus ocupantes se salva. Años después, una pareja ha recibido una mansión en herencia, pero en su vieja pista de tenis se producen escalofriantes fenómenos, que incluso cuestan la vida a algunas personas, y que pueden estar vinculados con que la misma está poseída por el ¿espectro? de alguno de los implicados en aquel viejo accidente de aviación.
Este fue el último capítulo (buen broche final) de Hammer House of mystery and suspense.

Aunque ambas series están editadas en su país de origen en DVD, no lo han sido nunca en España y resultan difíciles de hallar; afortunadamente por otros métodos que los usuarios conocen, se pueden encontrar prácticamente todos los episodios de ambas series incluso en su versión doblada al castellano. Creo que el amante del cine fantaterrorífico que intente recuperarlos no se sentirá defraudado.

UN RECUERDO PARA STAN WINSTON

2008-06-27T13:38:00.000-07:00

La semana pasada nos sorprendía la noticia del fallecimiento de Stan Winston, seguramente no el mejor, pero sí uno de los grandes en efectos especiales visuales y de maquillaje de los ultimos tiempos. Aún estaba reciente el estreno de su último trabajo, Iron Man.

Nacido en 1946, Winston se graduó en Bellas Artes en la Universidad de Virginia, su estado natal, y aunque inicialmente quiso ser actor, inició un aprendizaje como meritorio en la casa Disney en la labor de maquillador, especialidad en la que se curtió en trabajos televisivos, y fue incrementando progresivamente su aportación a los F/X, hasta que, a fines de los 70, en The Wiz (Sidney Lumet, 1978), musical protagonizado por Michael Jackson, realiza sus primeras creaciones con marionetas y muñecos animados mecánicamente.

A partir de ahí se consagra a la especialidad tanto en productos muy comerciales como en otros de serie B.
Tras The exterminator (James Glickenhaus, 1980) o Muertos y enterrados (Gary A. Sherman, 1981), recibe una nominación al Oscar por su labor en Heartbeeps (Allan Arkush, 1981). Por fin, en 1982 interviene en su primer trabajo de verdadera entidad y en seguramente mi película favorita de todas aquellas en que ha colaborado: La cosa (The thing) de John Carpenter.

A partir de ahí: Terminator 1 y 2 (ésta ultima le valió 2 Oscars), Aliens (otro Oscar), Depredador, Eduardo Manostijeras, Batman vuelve, Entrevista con el Vampiro, Pequeños soldados, Inteligencia artificial, Big Fish y otras muchas, que por error u omisión no figuran, llevan el sello particular de Winston.

También hizo una incursión como director con un producto de serie B que en su momento no funcionó pero que ha pasado a ser un film de culto, Pacto de sangre ( Pumpkinhead, 1988), por supuesto responsabilizándose él mismo de todos los efectos visuales y de maquillaje. Por esta película tuvo que renunciar a hacerse cargo de la tercera entrega de Pesadilla en Elm Street, que finalmente recayó en manos del realizador Chuck Russell.

Pese a estar mucho más cerca del mainstream durante gran parte de su carrera, quizá en contraposición con las habituales temáticas de mis textos, por su aportación al cine fantaterrorífico y muchos de los titulos en los cuales ha trabajado, merece este humilde recordatorio y mucho más.

SHERLOCK HOLMES (Y H.G. WELLS) VS. JACK EL DESTRIPADOR

2008-06-17T12:47:00.000-07:00

Durante estos días he escuchado hablar en algunos medios sobre los 120 años que se cumplen ahora de los crímenes de Jack el Destripador ; no es mi intención tratar el tema, pues para eso ya proliferan hoy día como hongos múltiples programas en radio y TV sobre misterios varios y conspiraciones.
Pero estas referencias me han hecho acudir a mi videoteca particular para recuperar un título que había dejado un tanto olvidado, y seguramente de forma injusta: Asesinato por decreto (Murder by decree, 1978), del irregular Bob Clark.

Aunque ha habido muchas películas que han tratado el tema, aquí nos hallamos con la particularidad de verlo enfrentado a un personaje de ficción como Sherlock Holmes; por cierto, no es la primera vez que esto ocurría en la pantalla grande, ya se hizo en 1965 en la modesta producción inglesa Study in terror, aquí traducida desafortunadamente con el poco imaginativo Sherlock Holmes contra Jack el Destripador.

Y también nos hemos encontrado numerosos textos que jugaban con esta posibilidad, como los libros de John Gardner.
Es curioso que Conan Doyle no sintiera la tentación, habiendo conocido el caso en primera persona, de utilizar esta historia en alguno de sus relatos.

En Asesinato... la interpretación de Holmes y Watson corresponde a Christopher Plummer y James Mason respectivamente. Para mi, Plummer merece un lugar de honor entre los interpretes del detective de Baker Street, aunque se obvie su actuación frente a las de Cushing, Basil Rathbone o Jeremy Brett en la excelente serie sobre el personaje creada por la británica Granada TV en los 80. El único pero son ciertas muestras de sentimentalismo y simpatía (que no ironía) de que hace gala en algunos momentos y que no conocemos en el Holmes literario, pero que pueden ser achacables al guión; por lo demás responde perfectamente, incluso en su caracterización fisica.

Eso si, si la acción transcurre en 1888, no es correcto, cronológicamente hablando, el caracterizar a los dos protagonistas con una excesiva madurez en cuanto a la edad, mayor aún en el personaje de Watson (defecto habitual en todas las adaptaciones, por otro lado); hay que decir que en los relatos de Conan Doyle los personajes van envejeciendo a medida él escribía los relatos: Estudio en Escarlata, la primera aparición de Holmes, se publicó en 1887 y en ella nos encontrábamos al detective con treinta y tantos años, y a su compañero con algunos más, algo muy distinto a lo reflejado aquí.

En general, el elenco de actores es impecable: junto a los mencionados, tenemos a Donald Sutherland como el médium Robert Lees, David Hemmings, Frank Finlay, Susan Clark o las breves apariciones de John Gielgud o Genevieve Bujold.
A destacar también la excelente recreación de las oscuras calles de Whitechapel y del Londres victoriano (escalofriante la visita al sanatorio mental).
Por lo demás, la pelicula incide en las teorias de conspiración que popularizó Stephen Knight, que implican a la monarquía británica en los crimenes, y que llevaron al cómic con argumento similar (sin Holmes) Eddie Campbell y Alan Moore en From hell, después llevada al cine por los hermanos Hughes en 2001, de manera parcialmente decepcionante, con happy end y sentimentalismo incluido.

Recientemente hemos sabido que se prepara un retorno de Sherlock Holmes a la pantalla grande. Pero las perspectivas son poco halagüeñas, en primer lugar porque el director encargado va a ser Guy Ritchie, y después porque se va a tratar al personaje con la perspectiva “americana”, alejada de la visión literaria, de presentar al detective mas como un aventurero u hombre de acción, visión que ya daban las películas protagonizadas por Basil Rathbone en los años 40 (pese a la buena valoración de este actor incorporando al personaje) y que fue la utilizada en aproximaciones sui generis como El secreto de la pirámide (Young Sherlock, 1985), dirigida por Barry Levinson, y que planteaba un encuentro entre Holmes y Watson en la adolescencia, presentando al futuro habitante del 221 de Baker Street como un avezado espadachín y al estilo Indiana Jones, desmantelando una secta de origen egipcio que se había establecido en el subsuelo de Londres.

No mucho después de Asesinato por decreto, en 1980, Nicholas Meyer (otra vez no el mejor director posible) dirige Los pasajeros del tiempo (Time after time).

El atractivo punto de partida es que el escritor H.G. Wells ha construido realmente la máquina del tiempo que inventó en uno de sus famosos libros, y la presenta en una reunión a un grupo de eminentes amigos, pero resulta que uno de ellos, el Dr. John Leslie Stevenson, no es otro que Jack el Destripador, dato que desconocemos hasta ese momento (atención al prólogo de la pelicula, que nos remite al cine de terror puro y duro, es imposible sugerir más con menos).
Descubierto éste por la policía, huye en la máquina del tiempo hasta el San Francisco de nuestros días.

H.G. Wells, de ideas socialistas en base a las cuales imagina un futuro utópico, decide emprender ese mismo viaje creyendo hacerlo a una sociedad ideal.
Una vez se produce el primer encuentro de ambos personajes en el “futuro”, Jack/Stevenson plantea a Wells delante de una pantalla de TV en la que se emiten noticias sangrientas, que alguien como él, que podía llamar mucho la atención en 1888, hoy en día solo es uno más, pues el mundo ha evolucionado a una sociedad violenta e impersonal y no a lo que aspiraba el escritor.

Hasta aquí lo mejor del film, porque luego surge la inevitable historia romántica, creo que innecesaria en este caso, y que desluce algo un producto de ciencia-ficción hasta ese momento más que interesante, evolucionando hacia un relato más convencional, con enfrentamiento entre bueno y malo, y chica en peligro en medio. No obstante, me sigue pareciendo recomendable (recientes planteamientos basados en "La máquina del tiempo" como la versión dirigida no hace mucho por Simon Wells, nieto del autor, con Guy Pearce y Jeremy Irons, han resultado penosos).

A destacar la interpretación del eficaz secundario británico David Warner (habitual en muchas pelis del Free Cinema inglés de los 60 o en algunas de Peckinpah) como el Dr. Stevenson, a Malcolm McDowell alejado de sus registros habituales como un H.G. Wells algo ingenuo y sentimental, los efectos especiales artesanales que remiten a El tiempo en sus manos (The time machine, 1960) de George Pal o, por último, la música de Miklos Rozsa, autor húngaro habitual en muchos clásicos del Hollywood de los años 40 y 50 y que hizo aquí uno de sus últimos trabajos cinematográficos.

THE Z FILES: RETORNO DESDE LA 5ª DIMENSION (1978)

2008-06-01T14:44:00.000-07:00

Para variar un poco, y evitar posibles acusaciones de cargar excesivamente las tintas en esta sección The Z Files contra determinado cine fantaterrorifico español e italiano, hoy voy a introducir un título de la poderosa industria norteamericana.

El caso es que no se puede hablar de una serie Z propiamente dicha, sino más bien de una serie B, eso sí, mala.

Malísima, en realidad, diría yo, no sé si de lo peor que comentaré por estas páginas, porque eso es difícil de discernir, pero, ¡en fin!, The Manitou (título original, los distribuidores otra vez haciendo de las suyas, aunque esta vez por lo menos le pusieron imaginación en la traducción) cumple el objetivo de ser lo suficientemente deleznable y de poder echarnos unas risas durante su visión.

Fue la última película del director William Girdler, fallecido prematuramente en 1978 en un accidente de helicóptero, y que ya contaba con gloriosos precedentes como Abby (secuela blaxplotation de El exorcista que incluso fue acusada de plagio por su similitud con la peli de Friedkin), Asylum of Satan o Grizzly (una más con animal o bicho asesino, en este caso un gran oso, y que fue su mayor éxito comercial).

Basada en un best-seller (hay que ver lo que lee la gente, en vez de dedicar su tiempo a Dostoievski o Flaubert) de la época, obra de Graham Masterton y protagonizada por un Tony Curtis al que los mejores momentos de su carrera le quedaban ya muy lejos, y que pone cara de ¿yo que hago aquí? durante todo el metraje.
En la peli que hoy nos ocupa, interpreta a una especie de vidente que se dedica a engañar ancianitas, y que se encuentra con que a una amiga (no me pregunten por la clase de relación que mantienen, no sé si se explica en algún momento) le han detectado una especie de tumor en la columna vertebral, más o menos debajo de la nuca. Por cierto, la amiga es Susan Strasberg, la hija del fundador del Actor's Studio, que intenta demostrar ser una supuesta gran actriz todo momento, pese al bodrio en que se encuentra metida.

Bueno, hasta aquí todo más o menos normal. Pero el caso es que el tumor resulta ser una especie de feto y no sólo no responde a los tratamientos sino que, simultaneamente, las máquinas del hospital se estropean y demás anomalías. A todo esto, una de las clientas de Tony Curtis se pone a bailar la danza de la lluvia ante sus ojos y a levitar, y se cae (o se tira) por las escaleras.

No se porqué, nuestro protagonista relaciona esto con lo del tumor o feto, y empieza a investigar por su cuenta. En una especie de sesión de espiritismo en casa de una poco creíble gitana, además casada con un escocés (?), e interpretada por la actriz Stella Stevens, emerge una cabeza de la mesa, y en otra consulta con un experto, se le recomienda que hable con un hechicero indio (tal vez el mismo que hace ese papel en todas las pelis).

Bueno, pues resulta que el feto, que además crece muy deprisa, es la reencarnación de un manitou bastante malvado por lo visto, cuya llegada supone más o menos el fin del mundo, y tendrán que enfrentarse a él (por supuesto, este piel roja malo acaba renaciendo, y por cierto, no sé si por los tratamientos a los que es sometida su portadora o porque era así en origen, sale muy bajito, feo y cabezón).

No voy a contar más, pero decir que el final supera ampliamente todo esto. Como apunte, la música corresponde al argentino Lalo Schiffrin, ex músico de jazz y autor de muchos scores en la época, también para TV, realizando aquí uno de sus trabajos más anodinos.

Os dejo con el trailer, que si he podido encontrar, para que os hagáis una idea.

"¿SUEÑAN LOS ANDROIDES CON OVEJAS ELECTRICAS?" VS. "BLADE RUNNER"

2008-06-01T13:48:00.000-07:00

"Me confieso admirador de la literatura de Philip K. Dick, tal vez por eso me he convertido en un trastornado".

Esta frase se la escuché una vez a Antonio Gasset, ex director y ex presentador del programa Días de Cine, en TVE, y no sé si suscribirla.
Hablando en serio, si es que lo hacemos alguna vez, Philip K. Dick (la K significa Kendred) es considerado uno de los mas grandes autores del género fantástico en la segunda mitad del siglo XX, pionero en la creación de ambientes futuristas decadentes y realidades paralelas, en un momento en que la ciencia-ficción caminaba por otros derroteros.
Su producción de novelas es muy profusa, y mas aún la de historias cortas, muchas de ellas publicadas en revistas fantásticas de medio pelo y con seudónimo (hasta épocas recientes no ha sido un autor reconocido).

Quería centrarme en su novela mas famosa (con permiso de su relato corto Minority report, llevado al cine no hace mucho por Spielberg), ¿Sueñan los androides con ovejas electricas? (Do androids dream of electric sheep), conocida fundamentalmente por ser inspiradora de uno de los títulos básicos de la ciencia-ficción de los últimos 30 años, Blade Runner, dirigida por Ridley Scott en 1982 (año de fallecimiento del escritor, por cierto).

Y ahí es donde quería entrar yo. La novela (que incluso llegó a publicarse con el título Blade Runner, por cuestiones de marketing, con posterioridad al estreno de la película, cuando ese término no aparece en ningun momento en el libro), como suele ser habitual en las adaptaciones, por otro lado, y sin ser demasiado compleja (se puede leer en un par de tardes libres) contiene muchos elementos inéditos en el cine, y viceversa, se inventan cosas que Dick no refleja en el libro. Yo me reconozco admirador de Blade Runner (no siempre fue así, y en todo caso prefiero la versión original y no retocada), pero tal vez mas de Sueñan...?, eclipsada por su versión en pantalla grande.

Lo que quería hacer hoy es, tanto para el que conozca el texto como para el que no (esto es mas difícil pues se pueden revelar hechos trascendentes de la trama), resumir un poco las diferencias entre ambos. Y aviso a los interesados en leer la novela, por si acaso piensan que en la lectura del siguiente texto pueden hallar demasiadas claves sobre la misma.

Voy a empezar por algunas cuestiones formales, que son las menos importantes:

- En el libro, la acción transcurre en 1992 y en la película en 2019, aunque esto es lógico dado que se escribió en 1968.
- La acción se traslada de San Francisco a Los Angeles.
- El personaje de Deckard es casado en el libro, en la película divorciado.
- Lo del término Blade Runner ya lo he mencionado, en todo caso se habla de bounty hunter en la versión original, cuya traducción vendría a ser algo así como cazarrecompensas.
- El término Replicante para referirse a los androides tampoco aparece, en la traducción española a veces se refieren despectivamente a ellos como andrillos.
El androide Roy Batty está casado en el libro (no con Pris); en el texto el número de replicantes es mayor.
De todas formas algunos de sus nombres, así como el de otros personajes, también es distinto (por ejemplo T.R. Sebastian, que en la novela se llama Isidore).
Se utiliza el término Kippel para referirse a las cosas inservibles que invaden las ciudades, pero esto puede ser una concepto imaginario del personaje de Isidore.

Respecto a la ambientación, o situación reflejada: En la novela, tras una Guerra Mundial, la Tierra ha quedado cubierta de polvo radiactivo. Esto ha provocado que gran parte de la población huya a Marte (cuando en la película se da a entender que sigue habiendo superpoblación), algo que es fomentado por las propias autoridades (la ONU regala al que lo haga un androide, aquí entendido como ser biológico creado artificialmente y no como un robot mecánico), aunque esto se le prohibe a algunos que han quedado afectados geneticamente por la radiación, son los llamados despectivamente cabezas de chorlito (el personaje de Isidore/Sebastian lo es en el libro, mientras que en el film es un diseñador de androides con una extraña enfermedad que acelera el envejecimiento), que han visto dañada su inteligencia; pero el polvo produce enfermedades y otros peligros (los hombres usan protectores genitales para evitar quedar estériles por la radiación). Visto eso, la mayoria de las ciudades presentan un panorama solitario y decadente.

El polvo radiactivo ha provocado también la desaparición de los pájaros y gran parte de las especies animales. Así pues, tener un animal, del tipo que sea, es considerado como una acción humanitaria y un simbolo de rango social. El valor de estos se basa en un manual que indica el precio de cada uno. Logicamente, los pájaros y aves son los mas difíciles de hallar (y por tanto mas caros). Muchos de estos animales son artificiales, sin embargo, es de mala educación preguntarle al vecino o al amigo si sus mascotas son mecánicas. Esto tambien hace que proliferen las compañías de creación y reparación de animales creados artificialmente.
Todos estos detalles son obviados en la película.

Del mismo modo, en el libro también se habla de la Caja de ánimos Pender, una especie de máquina con la cual se programa el estado anímico.

Igualmente es trascendental el Mercerismo, una especie de doctrina religioso-filosófica que es la seguida por la mayoría de terrícolas o al menos por los que aparecen en la novela. Se basa, como el cristianismo, en un ciclo vida-muerte-resurrección y se inspira en la figura de Wilbur Mercer, un hombre que vivió antes de la Guerra, que tenía la facultad de revivir animales, algo que le fue anulado por unos funcionarios al suprimirle una parte de su mente. Mercer descendió a una especie de infierno llamado Mundo Tumba para revertir el mal sobre la Tierra, y en su eterno retorno por una empinada cuesta (algo que también remite a algunos mitos griegos), sus adversarios le arrojaban piedras.
Los humanos poseen unas cajas de empatía eléctricas en las cuales, siguiendo al Mercerismo, deben compartir su tristeza o alegría para equilibrarse con aquellos usuarios que estén en la situación contraria. En esta caja se proyectan imágenes de Mercer e incluso se pueden sentir fisicamente el efecto de las pedradas que le pegaban a este en su resurrección.

Esto me sirve para enlazar con la figura del Amigo Buster, el conductor de una especie de programa de entretenimiento que emite a todas horas la TV. El amigo Buster critica el Mercerismo y llega a descubrir que el personaje de Wilbur Mercer que aparece en las proyecciones de las cajas de empatía, es en realidad un actor actualmente alcohólico que rodó esas imágenes en un estudio de Hollywood antes de la guerra.
En un momento del libro se revela que Buster es en realidad un androide, de ahí que pueda realizar un programa de 24 horas, 7 días a la semana, y probablemente eso explica su oposición al Mercerismo, ya que una de sus bases doctrinales es la empatía, algo que distingue humanos de androides.
Todo esto que es muy importante en el texto, no se menciona nunca en la película, aunque se recurre a alguna simbología cristiana, como la paloma que vuela al final.

Aspectos personales:

En la novela hay un test llamado de Voigt-Kampff, similar al que se utiliza en la pelicula, para descubrir si alguien es un androide en funcion de determinadas respuestas emocionales. Se da a entender que Deckard es un humano, al contrario que en la versión filmada.
Ademas los androides tienen la capacidad de suicidarse con solo contener la respiración, por diferencias con el nervio vago que poseen los humanos.
En la novela, los androides no oponen ninguna resistencia cuando se ven cazados y se limitan a esperar su muerte, al contrario que en la película, donde se generan a causa de ello múltiples escenas de acción.
La replicante Luba (creo que Zhora en la película) es aquí una cantante de ópera, cuya retirada causa conflictos morales a Deckard; en el cine es una especie de bailarina exótica.
La relacion de Deckard y Rachael es mas intensa y romántica en la película. En el libro, las androides Pris y Rachael son físicamente iguales. En la versión cinematográfica esto no es así, de hecho están interpretadas por Sean Young y Daryl Hannah, dos actrices que no se parecen en nada.

Estas son, y puede que me deje alguna, las diferencias entre novela y película.
En todo caso recomiendo ambas, pues creo que no he contado tanto como para que aquellos interesados que aún no las hayan descubierto lo hagan. Y si quieren introducirse en Philip K. Dick, les recomiendo, aparte de este, El hombre en el Castillo, su primer libro. Lo demás ya es cosa suya.

THE Z FILES: LA INVASION DE LOS ZOMBIS ATOMICOS (1980)

2008-05-19T13:42:00.000-07:00

Esta fue una de las imágenes que, a finales de los 80, cuando aún nos hallábamos en el reino de los videoclubs, atormentaron mi más tierna infancia.
Después me hice mayor y ví que no era para tanto, o quizás si, pues pasé a investigar todas aquellas pelis con carteles y carátulas de este tipo, que tanto me inquietaron en su momento, pero que también me provocaron una cierta fascinación.

Y descubrí que me depararían muchos ratos de diversión (aparte de causar, en la mayoría de casos, vergüenza ajena), siendo a partir de entonces, y hasta hoy, el típico tema del que sólo hablarías con ciertas personas.

Así que he decidido empezar esta sección fija de series Z y similares con este producto, arquetipo de la floreciente industria explotation transalpina de finales de los 70-principios de los 80 y que fue junto a la de nuestro país (seguramente aquí en menor medida) el principal baluarte de estos bodrios que aúnaban en muchos casos terror gore, sexo e imitaciones de productos anglosajones de éxito. Me detendré otro día en consideraciones acerca de las diferencias que hubo entre España e Italia, aunque aquí hubo grandes cultivadores del terror mega-casposo patrio (léase Jess Franco en sus momentos mas delirantes, Juan Piquer Simón, J. R. Larraz, etc.), y salvo casos aislados que analizaré, nos encontrábamos mas cerca de peliculas deudoras del estilo Hammer, ejemplo Paul Naschy/Jacinto Molina.

Responsabilidad (?) de Umberto Lenzi, que nos ofrecio otros demenciales títulos plenamente trash como Caníbal feroz o Comidos vivos , que seguramente harán que volvamos a encontrarlo algún día en esta sección. Rodada en coproduccion con España, se tituló originalmente Incubo sulla città contaminata y en el mercado anglosajón con el menos explícito Nightmare city.

Pese al nombre del film en España, hay que decir que los zombis a los que se refiere el título no tienen nada que ver con los clásicos estilo George A. Romero, aunque ni siquiera recuerdo bien si son auténticos muertos vivientes, pues creo que en realidad han sido contaminados por una especie de gas radioactivo (es la excusa para todo que se suele dar en estos casos). En resumen, a los afectados se les ha puesto la cara como si llevaran puesta una colmena de abejas encima y no responden al arquetipo, conocido hasta entonces para estos seres, de caminar con lentitud y movimientos torpes.
Al contrario, los de esta película corren que se las pelan, tienen bastante mala gaita, son inteligentes (hasta el punto de sabotear una hidroeléctrica o algo así), y para colmo, van armados hasta los dientes.

Todo comienza cuando un periodista (que acaba siendo el protagonista de la historia, interpretado por el barbudo mexicano Hugo Stiglitz) está en el aeropuerto, aguardando la llegada de un avión en el que viaja un científico al que va a entrevistar, y se encuentra con que el mismo está infestado de los susodichos zombis (no se especifica como han podido aterrizar sin pilotos), que se enfrentan a las fuerzas de seguridad con lo que encuentran por ahí, ya sean armas de fuego o todo tipo de objetos cortantes o punzantes que han ido hallando en el viaje.
Por supuesto, a partir de ese momento empiezan a avanzar por la ciudad y extender la plaga (evidentemente es contagioso y además se alimentan de sangre), armando la marimorena e incluyendo una memorable visita a un plató de TV y a un hospital, siendo todo esto silenciado por el ejercito.
La accion continúa en varias subtramas hasta llegar al inevitable final sorpresa, que no vamos a revelar, por si alguien se atreve a verla (y la puede localizar, que no es tarea fácil).

Sazonado con las tipicas reflexiones filosófico-apocalípticas de andar por casa, y como suele ser habitual en estas producciones, con un reparto pleno de actores en momentos muy bajos (Francisco Rabal, interpretando a un oficial del ejército americano (!), o Mel Ferrer), y por supuesto, la habitual exhibición de anatomía femenina sin venir a cuento, todo ello mezclado con momentos gore de lo más explícito.

Como anécdota comentar que fue rodada en gran parte en las afueras de Madrid, que se hacen pasar por alguna ciudad de los USA.

Os dejo con el trailer anglosajón de la peli, que creo que vale más que mil de mis palabras.

EL ENEMIGO DE LAS RUBIAS (1926): EL FILM QUE HITCHCOCK SIEMPRE QUISO REHACER

2008-05-18T13:57:00.000-07:00

Hoy comenzaré esta sucesión de cine del que quiero hablar (oscilando entre lo más o menos serio y lo decididamente Z), recuperando algunos títulos de mi filmoteca fantaterrorífica de los muchos, ya sean mejores o peores, que merecen un hueco en mi recuerdo y en mi corazón cinéfilo.

Hace unos cuantos años, la Filmoteca de Valencia dio un ciclo completo de Alfred Hitchcock, y comoquiera que gran parte de su filmografía ya la conocía sobradamente, quise centrarme en una película que fue la tercera que dirigió, aún dentro de la etapa muda, y sobre la cual en el fundamental libro Hitchcock según Truffaut (en el que el mago del suspense es entrevistado de forma distendida por el director francés sobre diferentes detalles y anécdotas relativas a toda su obra hasta aquel momento, a finales de los 60), él mismo se encargaba de afirmar que era éste uno de los títulos de los que estaba más orgulloso y que siempre quiso haberlo rehecho en sonoro, en color y con más medios, tal y como pasó con El hombre que sabía demasiado. No me sentí decepcionado con el resultado (y por cierto la proyección incluía pianista y todo, como era típico en los tiempos en que se estrenó).

Este film era El enemigo de las rubias, acertado título en español (antes este tipo de modificaciones del original lo eran bastante más que ahora) de The lodger.

El McGuffin (nombre que Hitch daba a la trama secundaria que justificaba aquello de lo que quería hablar realmente) es la presencia en Londres de un serial killer que solo asesina rubias los martes, y que deja en el lugar de los hechos una especie de triángulo como señal de sus crimenes.
Pero lo que de verdad se pretende es narrar la peripecia de una familia, compuesta por los padres y una hija (obviamente poseedora de ese color de pelo), que alquila por esos días una habitación a un inquilino forastero, al que todos los indicios que se van mostrando apuntan como principal sospechoso. Para colmo, la relación de la chica con su novio policía está en crisis y se va enamorando del misterioso personaje. Aunque no voy a revelar la conclusión, el final es feliz, contrariamente a lo deseado por el director, y por imposición de los productores, ya que el intérprete del huésped, Ivor Novello, era un actor de gran fama en Inglaterra en aquel momento, una especie de Rodolfo Valentino británico que también era cantante. Entonces no era aún vox populi su homosexualidad y afición a los psicotrópicos. Por cierto, este personaje real es incluido en la trama de ficción de Gosford Park (2001) de Robert Altman, interpretado por el actor Jeremy Northam.

El caso es que nos encontramos las constantes que luego serán habituales en el cine de Hitchcock, que por entonces aún no llegaba a los treinta años, pero ya mostraba cosas de su personalidad, muy influenciada por su madre dominante y con aficiones poco habituales para un joven de su edad, como aprenderse el horario de los trenes de toda Inglaterra (la presencia de ferrocarriles será algo habitual en su cine), su obsesión por cierto tipo de rubias, el juego inocente-culpable, el humor negro (las chicas se tiñen el pelo para no ser víctimas potenciales), o el aparecer como extra por primera vez, aunque en este caso por obligación.

Os dejo con un video de los primeros minutos de El enemigo de las rubias, comentaros que puede verse completa en Youtube, dividida en ocho partes, y en español.

Mientras escribo esta entrada me han llegado rumores de un posible remake, pero yo pienso que lo que nunca llegó a hacer Hitchcock, no tendría sentido que otro lo llevara a cabo.